entreTypos ANTIGOLPISTA

Paradojas, antinomias y dilemas del imperio

2009-08-28T08:33:00.000-07:00

Marco Antonio Madrid

Escritor y catedrático

Los dilemas y las paradojas –también llamadas antinomias por algunos tratados de lógica y matemática- han sido considerados desde la antigua escolástica como razonamientos insolubles o convertibles. En su acepción literaria, la paradoja es una figura en que una idea verdadera o razonable se disfraza tomando el aspecto de un contrasentido.Barack Obama, presidente estadounidense, en recientes declaraciones afirmó que, respecto al problema político en Honduras, le resulta paradójico que se esté pidiendo la intervención de Estados Unidos, ya que su práctica de entrometerse en los asuntos soberanos de los países latinoamericanos ha sido lo más criticado de la política exterior norteamericana por los sectores de izquierda en la región. Creo que si Obama ya hubiera leído el libro que le obsequiaron en el cónclave de las Américas de Trinidad y Tobago no lo asaltarían esas paradojas y su pensamiento sobre el golpe de Estado en Honduras sería completamente soluble, explicable.Las transnacionales han sido un instrumento ejemplarmente eficaz para la neocolonización del tercer mundo. Estos emporios comerciales tienen luz verde para corromper por medio del soborno y la compra de voluntades en los países donde se instalan, manifestándose sumamente obsequiosos con el grupito de criollos malinchistas que están dispuestos a entregarles los recursos naturales del país con tal de seguir medrando a la sombra del amo, recogiendo las migas del poder económico y político.Digo sobras porque el verdadero poder lo tiene el imperio que se mueve detrás de las fachadas de las transnacionales. En el fondo y muchas veces en la superficie se deja ver el desprecio que estos grupos de poder imperial sienten por los vendepatria al calificarlos con frases y epítetos denigrantes. Por ejemplo, Samuel Zamurray, alias “Banana Sam”, presidente de la Cuyamel Fruit, aseguraba que un diputado en Honduras costaba menos que una mula o que no existe general en estas republiquetas que resista un cañonazo de cincuenta mil dólares -dicen que la cúpula militar golpista no pudo soportar uno de treinta millones de lempiras para dar el golpe del 28-. Las transnacionales pagan sus impuestos de manera diligente y puntual en las arcas del país capitalista donde tienen su matriz. Obviamente, el pago de estos impuestos dinamiza la economía del imperio, reflejándose en mejor salud, educación y bienestar social para sus ciudadanos. A nuestra patria lo que le queda es un grupito de malinchistas oligarcas y latifundistas con mansiones en Coyolito y otros lugares exclusivos del país, obreros y campesinos mal pagados hundidos en una pobreza que cada día se vuelve más abyecta.Para darles un cariz “intelectual” a todos estos atracos y celadas contra el pueblo se contrata a tinterillos que se hacen llamar “analistas”, que con “sesudos” comentarios “desmadejan” el acontecer nacional e internacional repitiendo con pluma mercenaria ad infinitum la canción de los poderosos. De esta forma, imitando a los antiguos persas y sus satrapías, el imperialismo históricamente ha puesto en el mando político de nuestro país a sus recolectores de impuestos. ¿Qué de antinomia insoluble tiene, pues, que le pidamos a Ciro el Grande, rey de todas las Persias, que nos quite al sátrapa Roberto Micheletti y devuelva al presidente legítimo?... ¡Claro!, éste es un juego de intereses, por eso la dilación, el plan Arias, la OEA, los gobiernos derechistas que cruzan los dedos para que el ensayo de Honduras salga bien y así abrir un signo de interrogación sobre aquellos regímenes democráticos que benefician al pueblo y se niegan a seguir siendo simples recolectores de impuestos para las arcas del imperio.Creo que la actual política exterior gringa está signada por la dicotomía entre el decir y el hacer, división que no lleva a una sucesión racional y consecuente entre lo que se predica y lo que se practica, sino más bien situando a una, con respecto a la otra, en el campo de las antípodas. De este proceder dan cuenta sus actuales políticas en el Cáucaso, Medio Oriente, la península coreana y Latinoamérica. Estados Unidos afirma que desconocía el golpe de Estado y muchos en Honduras creen que Obama no se enteró porque ésa fue una decisión unilateral y autónoma de los halcones del Pentágono, pero el sociólogo e intelectual estadounidense James Petras declara en una entrevista concedida a radio Montevideo de Uruguay: “Cuando actúan los militares en Honduras, lo hacen bajo la dirección del Pentágono que está bajo control del presidente. No tenemos gobierno militar, sino militaristas civiles y los civiles mandan acá”. En otra entrevista, el lingüista y analista político internacional Noam Chomsky sostiene que la política exterior de Obama será como la segunda administración Bush.Recién iniciado el golpe de Estado, Barack Obama señala que el presidente legítimo de Honduras es Manuel Zelaya y debe ser restituido en el poder. Semanas más tarde, el secretario adjunto para asuntos legislativos del Departamento de Estado, Richard Verma, en carta al senador Richard Lugar, le explica que Estados Unidos, en el caso de Honduras, no respalda a nadie en particular, califica las acciones de Manuel Zelaya, al intentar regresar a su país, como “provocadoras” y afirma que “Obama no ha tomado una decisión definitiva sobre si la salida de Zelaya del poder constituyó un golpe de Estado”. Bueno, esto sí me parece una verdadera paradoja con dilema incluido, ya que se pretende crear democracias en Afganistán e Irak y se duda en llamar por su nombre –golpe de Estado- lo acaecido el 28 de julio. Ahora es que Ian Kelly, portavoz del Departamento de Estado, dice que EUA apoya firmemente la misión de la OEA y proporciona un avión C-7 para que se trasladen a Tegucigalpa.Las Fuerzas Armadas de Honduras han sido hechas a imagen y semejanza del Pentágono. Los políticos, como ya lo dije, son simples recolectores de impuestos, por lo tanto, nunca hubieran dado un golpe de Estado sin la venia de sus amos. Todo esto lo confirma la escala en la base gringa de Palmerola del avión en que llevaban secuestrado al presidente. Es la realidad de siempre: el Pentágono hace el trabajo sucio y la diplomacia yanqui guarda las apariencias, que en el caso de Honduras se vuelven cada día más incómodas de sostener, debido a esas dos piedrecitas en el zapato de Obama: la unánime e incólume condena internacional del golpe y la resistencia nacional cada vez más fuerte. Esto los ha obligado a decantarse por su plan B, que es el plan Arias. Como lo señalé en artículos anteriores, los golpistas juegan con candela –dinamita- al desoír la voz de su amo y éste ya comenzó a adoptar sanciones más fuertes para disuadirlos de su porfía. A los gringos no les interesa el megalómano Micheletti y su caterva de ancianos golpistas. Su objetivo principal es guardar su área de intereses en la región y mantener la imagen de Obama a los ojos del mundo, sin tacha ni mácula, con su aura democrática siempre radiante e impoluta.

Tomado de arlequinhn.blogspor.com

La galopante incultura del gobierno de facto

2009-08-27T08:23:00.000-07:00

Por Helen UmañaEscritora y catedrática

En rueda de amigos, generalmente, cuando se habla de los funcionarios públicos, uno de los primeros temas que surge es el de su impreparación e incapacidad: ignoran lo elemental del área de conocimientos para el cual han sido nombrados y carecen de las cualidades indispensables (experiencia, capacidad organizativa, iniciativa, creatividad, responsabilidad…) para llevar a cabo la misión que se les ha confiado. Con pocas excepciones, ocupan los cargos como forma de solventar favores de todo tipo.Uno de los casos que se apartan de la regla es el del Dr. Darío Euraque, Gerente del Instituto de Antropología e Historia (IHAH), despedido arbitraria e ilegalmente por la ministra de “cultura” Mayra Castro cuyos máximos méritos parecen estar en los terrenos de la locución y la presentación de programas de televisión.Pocas veces, una institución estatal ha tenido empleados que puedan exhibir la hoja de vida del Dr. Euraque: ¡catorce páginas de auténticos logros científicos y académicos! A las pruebas nos remitimos: Licenciatura en Artes, Historia y Filosofía (Magna Cum Laude, Marquette University, Milwaukee, Wisconsin); Maestría en Estudios Ibero-Americanos; Maestría en Historia Latinoamericana (University of Wisconsin, Madison) y Doctorado en Historia Latinoamericana, enfoque: Historia Centroamericana (University of Wisconsin, Madison).Obras publicadas: Conversaciones históricas con el mestizaje en Honduras y su identidad nacional; El capitalismo en San Pedro Sula y la Historia política hondureña, 1870-1972; Estado, poder, nacionalidad y raza en la historia de Honduras; Reinterpreting the “Banana Republic”: region and State in Honduras. También conocemos avances de otros proyectos investigativos que, necesariamente, habrán de convertirse en libros.Con relación a los ensayos, ponencias y artículos producto de su acuciosa e infatigable labor, por cuestiones de espacio, no consignamos ni su nombre ni la institución o revista que los publicó. Pero, en el ámbito académico internacional y nacional, son ampliamente conocidos y citados. Para ampliar información, recomendamos la consulta en Internet. De cara a ese prestigio, la afrenta al Dr. Euraque es la nueva «metida de pata» del gobierno de facto. Sus miembros, promotores, consejeros y defensores se exhiben, ante todos los pueblos y universidades del mundo, como lo que son: enemigos de la cultura, de la inteligencia, de la ciencia, del humanismo.Desde 1985 hasta el día en que, atendiendo una solicitud del Dr. Rodolfo Pastor Fasquelle, el Dr. Euraque se hizo cargo de la Gerencia del IHAH, ha sido profesor en University of Wisconsin, Northern IIlinois University y Trinity College. De este último es Profesor Titular y obtuvo un permiso temporal para ausentarse de sus labores y, en esa forma, servir a Honduras a través de la institución encargada de velar por el patrimonio cultural del país.En los tres años y medio de servicios al frente del IHAH, el Dr. Euraque ha demostrado eficiencia y responsabilidad. Con visión integral de la realidad hondureña impulsó proyectos de investigación en los sitios arqueológicos de Currusté y Cerro Palenque (Valle de Sula); organizó el Simposio Internacional «Esclavitud, Ciudadanía y Memoria: Puertos Menores en el Caribe y el Atlántico» (en el que participaron más de sesenta expertos internacionales y nacionales) y reactivó el programa editorial (en 2008, publicó más de veinte libros «subversivos», según los calificó Mayra Castro), con títulos tan significativos como Los hijos de la muerte. El universo mítico de los tolupanes (versión aumentada del esencial y maravilloso libro de Anne Chapman); Documentos clasificados de la policía secreta de Carías (1937-1944) (fascinantes revelaciones en el trabajo de Evelio Inestroza); Tiburcio Carías Retrato de un líder político hondureño de Thomas J. Dodd; Política y Estado en la sociedad hondureña del siglo XIX (1838-1872) de Ethel García Buchard; La Bahía del Puerto del Sol y la masacre de los garífunas de San Juan de Víctor V. López. Además, gracias a sus relaciones internacionales, Euraque suscribió dos importantes convenios: el rescate del Archivo (fotográfico y escrito) de monseñor Federico Lunardi en Italia y el microfilmado de la bibliografía (desconocida en Honduras) de Rafael Heliodoro Valle en la Biblioteca Nacional de México. Por cierto, el criminal golpe de Estado abortó un simposio y una serie de publicaciones en honor R. H. Valle, en el cincuentenario de su muerte que el IHAH preparaba. Todo eso (y mucho más que se nos queda en el tintero) echado por tierra de un solo plumazo. En sesenta días de gobierno ilegal, la depredación no es sólo económica. Sus tentáculos se extienden a todo el tinglado cultural del país.Un punto fundamental: la destitución de Darío Euraque, no sólo es una gran estupidez, es otro acto ilegal del gobierno de facto: él, como Gerente, sólo puede ser removido por decisión del Consejo Directivo del IHAH. El Lic. Fredy O. Flores, miembro de dicho consejo en representación de la Universidad Nacional Autónoma de Honduras, denunció que no fue convocado ni informado de tal determinación.

Tomado de arlequinhn.blogspot.com

Hondureños convocan jornada mundial contra el golpe de Estado

2009-08-26T23:28:00.000-07:00

La población hondureña ha protestado de diversas maneras desde el 28 de junio, ahora realizan caravanas de vehículos en varias ciudades del país, para exigir la salida de los golpistas.
La resistencia popular contra el golpe no desiste en sus acciones para que retorne la constitucionalidad al país. El pueblo hondureño está próximo a cumplir más de dos meses en las calles, en protesta por el retorno de la constitucionalidad y en rechazo a las políticas de represión del régimen golpista. Como parte de una nueva estrategia para afianzar el rechazo internacional a la administración de facto de Roberto Micheletti, la resistencia popular convocó una jornada mundial para condenar el golpe de Estado.La resistencia popular hondureña convocó una jornada mundial para el próximo 28 de agosto, en rechazo al golpe de Estado contra el gobierno del presidente, Manuel Zelaya, que también condenará el apoyo de organismos de inteligencia estadounidense a la administración de facto de Roberto Micheletti."Exhortamos a las personas solidarias y comprometidas con la democracia a sumarse a la protesta contra la dictadura instaurada por la oligarquía hondureña en complicidad con los sectores internacionales más conservadores", señala la convocatoria.Para denunciar y rechazar la complicidad de sectores estadounidenses con el régimen golpista, la resistencia popular convocó la realización de plantones frente a las embajadas de (EE.UU.) en diversos países del mundo.Los convocantes exigieron al gobierno de Estados Unidos una posición contundente contra el régimen de Roberto Micheletti, que incluya la interrupción inmediata de todo tipo de cooperación militar, diplomática y económica.El presidente Zelaya ha calificado de tibia la actitud de la Casa Blanca frente al régimen que tomó el poder en su país de manera ilegal.El Frente Nacional contra el golpe de Estado, principal promotor de la iniciativa, demandó el retorno a la institucionalidad en Honduras.Afirmó que la solución de la crisis hondureña "podría tomar cinco minutos", si el gobierno estadounidense rechaza con acciones, de manera categórica el golpe de Estado, por la gran dependencia económica que tiene Honduras de Estados Unidos.Exigió la restitución incondicional del presidente Manuel Zelaya y el castigo para los violadores de los Derechos Humanos (DDHH).Desde el golpe de Estado se han presentado innumerables violaciones a los DDHH por parte de funcionarios policiales y militares, hacia protestantes a favor del retorno a la legalidad de la nación. También dirigentes sociales afectos al derrocado Manuel Zelaya, permanecen como presos políticos, mientras que a otros reciben constantes amenazas a su integridad.Además, hasta la fecha, han fallecido cuatro personas por la represión a las manifestaciones.El primer caído fue Isis Obed Murillo quien perdió la vida el 5 de julio, luego de recibir un impacto de bala en el craneo. El suceso se registró en el aeropuerto de Tegucigalpa después que las fuerzas militares abrieron fuego contra un grupo de civiles que esperaba el regreso del presidente Manuel Zelaya.La segunda víctima fue el dirigente social y militante de izquierda Roger Bados, de 54 años, asesinado el 11 de julio por desconocidos a la salida de su casa en la norteña ciudad de San Pedro Sula. Bados participaba activamente en las manifestaciones contra el gobierno de facto de micheletti.A la lista fatal se unió el 25 de julio Pedro Magdiel Muñoz un joven simpatizante del presidente Manuel Zelaya cuyo cuerpo fue encontrado sin vida en la región fronteriza entre Nicaragua y Honduras con aparentes signos de tortura. Sus compañeros aseguraron que el muchacho fue detenido el día anterior por los grupos de seguridad versión que fue negada por las autoridades.El maestro hondureño que fue herido de bala en la cabeza el pasado jueves 30 de julio, cuando funcionarios militares y policiales dirigidos por las autoridades golpistas de Honduras, arremetieron contra una protesta en favor del derrocado presidente, Manuel Zelaya, murió este sábado como consecuencia de las lesiones, según informaron la familia y el sindicato de docentes.

Tomado de reporteperiodistico.blogspot.com/

Noam Chomsky considera que Obama debe ser más drástico contra la dictadura de Roberto Micheletti

2009-08-26T21:12:00.000-07:00

Por Juan Carlos Rivera

Noam Chomsky, uno de los intelectuales más importantes de Estados Unidos, critica al gobierno de Barak Obama por no tomar medidas firmes contra el régimen de facto de Roberto Micheletti.Chomsky, quien este miércoles expuso sus puntos de vista a través de Radio Quito de Ecuador, dijo que la mayoría de países de Europa tomaron “medidas firmes contra el golpe de Estado" en Honduras, pero Obama, pese al “poder (económico) enorme” que posee, “no lo ha hecho”.A criterio de Chomsky, su país muestra una "tremenda resistencia a las fuerzas del cambio constructivas” que se gestan actualmente en América Latina, han citado también las agencias de prensa.El mes anterior, Chomsky y 35 profesores universitarios de Estados Unidos y expertos en América Latina, le solicitaron a la secretaria de Estado, Hillary Clinton, imponer sanciones contra el régimen golpista para asegurar el retorno del presidente legítimo, Manuel Zelaya Rosales.En dos meses de dictadura, el gobierno de Estados Unidos solamente les ha cancelado las visas diplomáticas a miembros del régimen de facto y ha suspendid la emisión de visas a los ciudadanos de Honduras.Al igual que el autor de “Hegemonía o supervivencia. La estrategia imperialista de EEUU”, dirigentes del Frente Nacional de Resistencia Contra el Golpe de Estado en Honduras y el presidente Zelaya Rosales platean que, hasta ahora, es poco lo que Estados Unidos ha hecho para obligar a la dictadura a devolver el poder.

Tomado de miradadehalconhn.blogspot.com

Origen de la pobreza y la miseria de los hondureños

2009-08-15T19:48:00.000-07:00

Por John Charles Morán Robleda

Profesor de Historia de Honduras

El pueblo hondureño a vivido en pobreza por siglos. En los últimos 117 años hemos tenido 8 asambleas constituyentes para hacer nuevas constituciones con nuevas leyes, las cuales las hicieron el partido liberal, nacional, y los militares. En la última asamblea constituyente de 1982 participaron también el Pinu y la Democracia Cristiana; pero el pueblo no le dio participación para redactar las nuevas leyes.

¿Cuál fue la estrategia?

A. En 1982 las familias: Ferrari, Lamas, Andonie, Nassar, Canahuati, Kattan, Facussé, Callejas, Maduro, Villeda Toledo, Bueso Arias, Kaffie, Yuja, Kaffati, Micheletti Baín, Larach, Andonie Fernández, Faraj, Maloff, Chaín, Goldstein, y otros de apellidos extranjeros y hondureños corruptos, se fueron apoderando paulatinamente de los partidos Liberal, Nacional, Democracia Cristiana y Pinu; convirtiendo en sus capataces a los dirigentes políticos, a quienes han venido financiando sus campañas políticas desde las alcaldías , diputaciones, presidenciales, etc. Con el control político politizaron la Corte Suprema de Justicia, la Fiscalía General y pusieron bajo su servicio al poder militar y policial para que les cuidara sus intereses.

B. Corrompieron las empresas más rentables del pueblo como Hondutel, ENEE, Cohdefor (explotación maderera, etc.) para después justificar ante el pueblo que el estado era mal administrador.Emitieron y ejecutaron las leyes de privatización con las cuales iniciaron el asalto legal y político contra el pueblo apoderándose de la generación eléctrica, telecomunicaciones, las mejores tierras productivas, playas, islas, sectores turísticos, explotación maderera, construcción de obras públicas, transporte, vivienda, del sector agrícola, el agua de San Pedro Sula y multiplicaron la explotación minera dañando el medio ambiente y la salud de la población.

C. Le bajaron los impuestos a las empresas privadas y trasnacionales y se las aumentaron a los pequeños y medianos comerciantes, a tal grado que un vendedor de baleadas en la calle paga impuestos, pero Burger King, Pizza Hut, Wendy´s, Mc Donalds, KFC,Campero, Popeyes, etc. no pagan ningún impuesto.

D. Para continuar durmiendo al pueblo, los gobiernos han fortalecido la ignorancia con un sistema educativo mediocre cuyo promedio total llega a cuarto grado de primaria, y el sistema de salud es incapaz de atender mínimamente a la población, por lo cual el pueblo no pudo conocer a tiempo como las familias privilegiadas pasaron al club de ricos y famosos honorables a costa de la pobreza y miseria de los hondureños, a quienes inducen fácilmente para que gasten el poco dinero que consiguen, en sus centro comerciales, comidas rápidas, de tal manera que nos sintamos a la moda, en nuestra forma de vida; pero si somos inteligentes guardamos el dinero en sus bancos y les sacamos préstamos hasta para ir al estadio, pues sus equipos de fútbol nos harán olvidar las penas con cervezas, cigarrillos, música deformante del pensamiento; pues para ello tienen a Televicentro, Vica, Canal Seis, televisión por cable, Emisoras Unidas, Radio América; los periódicos; La Prensa, Tribuna, Heraldo, Diez. Con todos estos medios engañaron y confundieron al pueblo ignorante y académico, pero desinformado de la realidad nacional, fortaleciendo el individualismo, de tal forma que al pueblo no se organizara para reclamar sus derechos. Han llegado al extremo de usar nuestra bandera nacional para promover las cervezas.

E. Como garantía de la constitución de sus riquezas y continuo latrocinio de la patria, tienen al ejército que usa el nombre de Francisco Morazán, como libertador del pueblo soberano, mientras sus oficiales ordenan, al soldado ignorante, hijo del pueblo, destituir presidentes electos, disparar balas asesinas contra niños y el pueblo desarmado; cumpliendo la misión de nuestra clase política y económica salvaje.Tenemos a la policía,"muy humana y profesional”, dirigida por oficiales del batallón 3-16 (asesinos de dirigentes del pueblo).

F. Para que el pueblo no pierda la fe y la esperanza, está el cardenal Óscar Andrés Rodríguez, candidato a ser papa, quien por decreto recibe 100 mil lempiras mensuales desde el año 2001 como reconocimiento del ex presidente Carlos Flores Facussé; y los dirigentes de las iglesias evangélicas, Evelio Reyes y Misael Argeñal, quienes no rinden cuenta del diezmo y donaciones, con lo cual han construido una gran empresa llamada “Industria de la Fe”. Todas estas garantías “constitucionales” que los “apóstoles de la palabra de su Dios, el dinero” solo son un pequeño regalito del poder político corrupto con sus cuatro partidos, por colaborar para mantener ignorante, engañado y confundido al pueblo, para que acepte su miseria, mientras ellos viven como ricos y famosos.Por falta de conocimiento, perece el pueblo. Solo con las ganancias que produce la energía eléctrica, a cada uno de los 7.5 millones de habitantes le corresponden 640,000 lempiras anuales en beneficio social como salud, educación, vivienda, servicios, recreación; pero se lo roban “legalmente las familias” mencionadas. Son inimaginables y astronómicas las riquezas que Honduras deja de percibir con el resto de las privatizaciones.

Tomado de arlequinhn.blogspot.com

Frases Anónimas

2009-05-27T11:38:00.001-07:00

El principal objeto de la educación no es el de enseñarnos a ganar el pan, sino en capacitarnos para hacer agradable cada bocado.

Pero sigue siendo el rey…

2009-05-04T21:57:00.000-07:00

Muchos dicen que los diarios ya han perdido la corona.
Lejos quedan los años en los que el periódico reinaba en solitario. Han aparecido príncipes que han querido destronar a un medio que tiene que pensar, decidir y luchar para seguir siendo el rey de la información

Caducidad sin fecha... si es que la hay
Miguel Ángel Liso (78), director Editorial del Grupo Zeta, estuvo hace tres años en Estambul en una convención mundial de prensa.
Allí, “el vicepresidente de Nokia, Ansi Vanjoki, considerado el gurú de la telefonía móvil, nos lanzó a los presentes, representantes de la prensa escrita de todo el mundo, una seria advertencia: En diez años ustedes ya no existen. Trabajen para nosotros en la elaboración de contenidos. No tienen otra opción”.
Y no es el único que se suma a la profecía. Bill Gates dijo hace un lustro que en diez años tampoco existirían los diarios. Incluso The Economist, a raíz de un libro de Philip Meyer sobre el futuro y el papel de los diarios en el que aboga por su calidad e influencia, calcula que el primer semestre de 2043 será el momento en que muera en Estados Unidos la prensa escrita.
Le queden los años que le queden, si es que hay fecha de caducidad, no se puede obviar que estas profecías han asustado, han infundido nerviosismo y han provocado algunas medidas precipitadas. Y aunque casi todos los datos apuntan a que los diarios de pago gozan de buena salud (abundantes lectores, abundante publicidad, abundantes beneficios…), los síntomas están consiguiendo convertir al aún sano en un hipocondríaco que se automedica en vez de acudir al experto doctor. Y parece que no ha tardado en hacerse notar el gran efecto secundario de tanta extraña pastilla: los diarios y sus lectores transmiten una sensación de derrota, de claudicación.
La historia de los medios de comunicación no es muy diferente a la de cualquier otro ámbito empresarial. Es un relato con un argumento muy sencillo: procurar ser el mejor teniendo que competir primero con uno (radio), luego con dos (televisión), más tarde con tres (diarios gratuitos) o cuatro (diarios electrónicos) al mismo tiempo.

Al final, todos complementarios
¿Es posible la convivencia y la viabilidad económica de medios que informan con distintos lenguajes y en distintos soportes? Carlos Soria (70), presidente de Innovation International Media Consulting, ofrece un hecho muy cierto: “El hombre no ha abandonado ningún medio de comunicación que haya descubierto. Tiende a cumplirse históricamente aquella vieja ley de que a medio plazo todos los medios se hacen complementarios entre sí: todo han sido errores de predicción a la hora de adivinar el futuro”.
Similar idea transmite Eduardo Arriagada, profesor de la Universidad Católica de Chile: “El diario no tiene un peligro de desaparición inminente. Si tuviera que apostar ahora, tendría claro que la posición competitiva estratégica de los diarios es más fuerte, por ejemplo, que la de la televisión en abierto, que sólo puede cobrar por avisos”.
A pesar de estos diagnósticos tranquilizadores, el nerviosismo está ahí, basado en poderosas razones: las ventas de los diarios tienden a la baja; nadie sabe qué porcentaje de esas ventas responde a motivos “periodísticos” o a razones “promocionales”; aunque la publicidad se mantiene y aumenta a pasos agigantados en otros soportes.
Ante esos datos, y aprovechando que aún se está a tiempo, “reinventarse” parece la mejor receta para los diarios. “Los periódicos habrá que hacerlos de manera diferente a los actuales para conseguir atraer y mantener audiencia”, sentencia Emilio Ybarra, director general de Desarrollo de ABC.

Periodistas del futuro

2009-05-02T21:54:00.000-07:00

Los tiempos en que un periodista solía definirse por su herramienta cotidiana de trabajo comienzan a quedar en el olvido.
No hace mucho, sin embargo, era la norma. El periodista que trabajaba ante una máquina de escribir se llamaba redactor.
Quien tomaba imágenes con una cámara era un fotógrafo. Y quien se sentaba para relatar noticias ante un micrófono, un locutor.
Hoy día, si bien esos perfiles profesionales sobreviven en las redacciones, emerge un nuevo tipo de periodista polivalente que tan pronto escribe, como toma fotografías, o graba y edita sonidos y vídeos.
Es la figura de lo que algunos han bautizado como el “periodista multimedia”.
¿Acaso es éste el futuro al que se abocan todos los jóvenes periodistas? No.
Como nos recuerda el refranero, quien mucho abarca poco aprieta. Por eso, los medios saben bien que una deriva alocada hacia la multitarea produciría un efecto perverso: quien apostara sólo por ese modelo de trabajo correría riesgo de sufrir tal merma de calidad que al final perdería a su público. El tiro le habría salido por la culata. Por eso, cada vez está más claro que, en el futuro, la polivalencia instrumental será necesaria pero no suficiente.
Los medios actuales demandan, además de polivalencia técnica, cualidades intelectuales. Buscan periodistas versátiles pero, sobre todo, con cabeza.
Adquirir la primera mitad de este deseado perfil pasa hoy inexorablemente por dominar las nuevas tecnologías. La red y sus aplicaciones digitales se han convertido en herramienta básica para todo periodista, pues multiplican las posibilidades de documentar, elaborar y difundir las noticias. Desde un ordenador se pueden desarrollar investigaciones periodísticas punteras, explorar nuevos géneros multimedia y conectar con audiencias remotas.
Por eso, buena parte de la polivalencia que hoy se demanda en los periodistas tiene que ver con lo digital. Sin embargo, al final, el ordenador es sólo una herramienta que alguien manipula. Si esa persona carece de criterio, lo que produzca no tendrá calidad ni interés.
Por eso, que nadie se engañe: para ser un buen periodista sólo con ordenadores no basta. Es preciso asimilar también los fundamentos inmutables de esta profesión: verdad, honestidad, curiosidad, independencia y respeto. Ahí está la clave del éxito.
Es la misión que ha tratado de cumplir esta Facultad en sus primeros cincuenta años de historia. Sin perder de vista los cambios en el mundo profesional, ha procurado inocular en sus miles de alumnos la vacuna del Periodismo con mayúsculas.
El de ayer. El de hoy. El de siempre.

Director del Laboratorio de Comunicación Multimedia (MMLab) de la Universidad de Navarra

Con(texto)

2009-05-02T21:40:00.000-07:00

En Chino, el ideograma que significa crisis también puede significar, oportunidad • Y no es para menos en estos tiempos turbulentos de la era digital, de la información 24 horas, de los nuevos formatos, de audiencias exigentes, de medios sociales imparables • En resumen: la era del cambio y el fin de una época en la comunicación.
Los que estamos involucrados en la industria de medios todos los días recibimos un caudal informativo avallasante que de una manera u otra habla y da vueltas sobre los mismos tópicos. Nos hemos convertido en editores de nuestro propio menú informativo diario. A veces la información nos llega aunque no querramos. Es más difícil que no recibamos información que lo contrario. Lograr concentrarse ante tanto bombardeo es una tarea difícil en ese con(texto). Las posibilidades de elección son infinitas en todo sentido. Somos editores a tiempo completo.
“La información sólo tiene sentido real cuando somos capaces de entenderla”
Pero son tiempos de oportunidad informativa para el periodismo y el diseño editorial. El ciclo de desarrollo que caracteriza a cualquier industria, de innovación-estandarización-imitación (según plantean los suecos Jonas Ridderstråle y Kjell Nordström, autores de Funkky Bussines, en su libro Karaoke Capitalism) también es un imperativo para los periódicos cuando las reglas del juego están cambiando, sobre todo en la forma en que se pauta la publicidad por nombrar una. La idea no es centrarnos en si los avisos son invasivos o no, sino en ¿qué contenido de calidad estará próximo a mi anuncio en la página? Maximizar el impacto de la inversión publicitaria por exposición es importante, la “experiencia del lector” al momento de repasar el periódico para seleccionar los temas de su interés, también lo es. Las audiencias de la sociedad de la información han aprendido a destilar todo aquello que no agrega valor en su vida diaria y eso incluye a los anuncios, se entrometan con el contenido o no. “La información sólo tiene sentido real cuando somos capaces de entenderla” dicen Ridderstråle y Nordström, hay que ir tomando nota en un con(texto) comunicacional en el cual las audiencias han dejado de ser pasivas (las herramientas de la denominada web 2.0 llegaron para quedarse) y donde la sensación subjetiva de “completud informativa” es tan importante como el caudal informativo real y concreto. La calidad como imperativo en un con(texto) de diversidad y abundancia.

El diseño no es decoración

2009-04-30T08:01:00.000-07:00

Pablo Ramírez, infografista y consultor para XPlane, opina que los rediseños deben realizarse de forma inteligente, implantarse de una manera menos traumática. Preocuparse por la forma y no por el fondo es un error en el que han caído decenas de diarios. Porque no tiene sentido cambiar los formatos sin pensar si son adecuados a la información.
“Los periódicos deben reinventarse cada día, ofrecer modelos distintos en cada ejemplar”, señala Ramírez.
La directora de Arte de Público (Portugal), Sónia Matos, se muestra tajante al respecto: el rediseño de un periódico debe servir para acompañar una evolución editorial, hacer un trabajo de conjunto que sirva también para integrar al lector.
Su compatriota Marco Greco, del muy galardonado semanario Expresso, cree que eso es cierto, pero además deja claro que con el diseño no se pretende decorar. Con un rediseño se debería, si hiciera falta, reeducar a la Redacción, como le ocurrió a Guillermo Nagore (92) con el Diario de Noticias de Isla Madeira, una isla sin formación ninguna para periodistas.
Las generaciones de ahora son más sensibles al modo visual de contar las informaciones. Los consumidores de prensa exigen visibilidad y atractivo en el periódico, pero no debe servir de excusa para enmascarar pobreza en el verdadero protagonista: la información. El
lector siempre es protagonista, y exige un compromiso diario.
La frase “una imagen vale más que mil palabras” está hoy más vigente que nunca en los diarios.
La parte visual resulta imprescindible debido a la actual cultura de la imagen. La fotografía, y en eso no le cabe duda a Sónia Matos, debe adquirir una nueva expresión: espacio, libertad y firmeza. Cada una debe contar una historia por sí misma.
La infografía, por su parte, aunque todavía sea un terreno apenas explorado se tiene que abrir paso, porque no acaba en la prensa o internet. Busca soluciones visuals a problemas reales, muestra al lector cómo suceden las cosas, pero muchas veces se abusa de los elementos gráficos y se fuerza la información.
Jesús Zorrilla (84), professor de Diseño Avanzado de la Universidad de Navarra, va mucho más allá: “Gráficamente, los periódicos deberían actualizarse, desarrollar los temas con un mayor primer nivel de lectura y ser atractivos. La parte visual del periódico siempre debe tener un sentido dentro de la página, tanto en significado como en forma, y conservar un estilo propio que sea considerado como necesario para comprender qué sucede realmente a nuestro alrededor.
Javier Errea (89), presidente de la Society for News Design en España, lo corrobora: “El proyecto gráfico marca un estilo”.

8 Maneras de Ejercitarse para ser Creativo

2009-04-29T07:25:00.000-07:00

Para ser creativo, usted tiene que creer primero que es creativo.
Hace poco tiempo recibí un correo electrónico de un joven empresario que me preguntaba cómo se supone que se debe competir en un mercado en donde la competencia es tan alta y cada vez hay más empresas con grandes cuentas en publicidad. Le mencioné algunas ideas, pero la que más le podía interesar era la de la creatividad. Le dí números para que él trabaje sobre ellos, pero al decirle que consiga alguna idea creativa, olvídenlo. Él me mencionó que no tenía un solo hueso creativo en su cuerpo.

Las personas que se dicen a sí mismos que no son creativos, ya han perdido, a menos que decidan hacer algo al respecto.
El desarrollo de un proceso de pensamiento creativo no es diferente al aprendizaje de las artes marciales. En un primer momento, alguien le muestra como ponerse de pie, ejecutar el movimiento corporal adecuado, y le enseña una Kata (serie de movimientos que ayudan a desarrollar una técnica).

Una vez que estas técnicas se aprenden, usted debe prácticar para convertirse en un buen luchador. Cuando se pelea, se enseña que el mejor lugar para su mente en ese momento es “no estar en ninguna parte”, el llamado Mushin (que significa “sin mente”). El punto del Mushin es tener su mente en blanco para que usted se encuentre en un estado de “apertura”. En otras palabras, esto le permite simplemente reaccionar y no preocuparse por lo que puede ocurrir mientras lucha.
Lo mismo se puede decir de aprender a ser creativos. Primero se debe aprender qué técnicas contribuyen a desarrollar un proceso de pensamiento creativo y a continuación, usted tiene que mantener la práctica en ellas mientras que su mente está abierta a un sinfín de posibilidades no importa lo ridículas que pueda parecer.

Pero, ¿cómo entrenar su mente para convertirla en una bien lubricada máquina de pensamiento creativo?
Al igual que lo que dice la primera frase de este post, usted tiene que creerse una persona creativa. Después, usted necesita ejercitar su mente de diversas maneras. Echemos un vistazo a algunas ideas y actividades para fortalecer la mente creativa que ayudan a ampliar su mente y su ojo creativo.

1) Escuche
No se precipite: Escuche todo, no saque conclusiones prematuras, esto es vital para crear un producto ganador a los ojos de sus clientes y empleadores. Escuchar no es igual a tan solo oír.
Examine: Trate de oír diferentes estaciones de radio o ver distintos canales de televisión e imagínese para que audiencias se han enfocado, a que audiencias ocasionales apuntan, que personas influyentes podrán escucharlas, cuál será su mercado.

2) Haga una lluvia de ideas
Puede ser una manera efectiva de conseguir ideas creativas. Antes de la lluvia de ideas trate de calentar sus jugos creativos.
Calentamiento: Tome un lápiz y una hoja de papel en blanco y empiece a escribir, si nada viene a su mente, escriba eso, luego escriba cualquier cosa que le venga a la mente no importa cual, luego podrá ampliar la idea. En otro ejemplo tome una hoja de papel y un lápiz y cree algo nuevo, descríbalo, no importa lo absurdo que pueda parecer. Trate de crear una nueva forma de vida, ¿de dónde viene? ¿Cuál es su objetivo? o intente crear una persona, ¿quién es ella? amplíe la idea.
Estos ejercicios son buenos para conseguir que la mente piense fuera de la caja.

3) Cuente las negativas con las positivas
Ésta es probablemente una de las cosas mas importantes que se debe hacer. Cada vez que quiere hacer algo pero su mente le dice que no puede, escriba la razón por la que no puede y a continuación dos o tres razones por las que piensa que si puede. Haga esto rápidamente y con frecuencia. Pronto se dará cuenta de que ha entrenado su mente para reaccionar automáticamente con un pensamiento positivo ante uno negativo.

4) Este listo
Si está buscando ideas creativas, lleve un lápiz y una libreta a mano en todo momento, nunca se sabe cuando un pensamiento podría brotar en su cabeza - o tal vez el pensamiento de alguien más puede engendrar un nuevo pensamiento propio que construya una idea.
Por ejemplo, uno de mis programas favoritos es “Cocina de Pesadillas”. Yo estaba viendo un episodio una noche y Gordón Ramsay ofrecía hasta asesoramiento empresarial a los dueños de una tienda durante el espectáculo, me levanté a escribir unas cuantas ideas que el había mencionado mientras lo oía pues quería ampliarlas luego en mi blog. El resultado fue el artículo que usted está leyendo este momento.

5) Aprenda
Obviamente, mientras más sepa sobre algo, más puede llegar a tener ideas creativas, vinculando cosas. Usted no sabe cómo la Física y el paisajismo podrían ir de la mano, a menos que sepa al menos un poco sobre cada una de ellas.
Por lo tanto, cuanto más sepa, más puede crear.
Ideas que le ayudarán a ampliar sus horizontes
Leer blogs
Tomar clases
Leer libros
Intentar algo que nunca ha hecho antes
Enseñar algo a alguien
Participar en un grupo o en una comunidad en línea
Hablar con gente que de otra forma no podría hablar con usted
¿Puede agregar algo a la lista?

6) Evalúe
Muchas veces me resulta que cuando soy esclavo de la rutina y no puedo encontrar una idea creativa, me ocupo de evaluar las cosas.
RevistasSi está atascado, intente hojear una revista y evaluar los anuncios. Cuáles captan su atención y por qué? ¿Quién es el público objetivo? ¿Qué podría hacer usted de manera diferente si escribiera ese anuncio? En los que captan su atención, ¿cómo se puede aplicar lo que ellos hicieron a lo que usted está haciendo?
Su competenciaEn línea o por teléfono, a través de las páginas amarillas, evalue a su competencia. Vea si están haciendo algo que genere una buena idea para usted. ¿Hay algo allí en lo que usted puede basarse pero que no se está haciendo?

AutoevaluaciónTome una hoja de papel y trace una línea en el centro. Escriba a la izquierda “Mis Debilidades” y a la derecha “Mis fortalezas.”Liste todas sus debilidades y, a continuación en virtud de los puntos fuertes y débiles, trate de combatir los puntos debiles con sus puntos fuertes y vea como se podrían compensar.
Ahora tiene un plan de lo que necesita para trabajar y de lo que tiene que construir.
Haga preguntasCuando se bloquee en un problema al tratar de ser creativo, haga a una serie de preguntas para ganar una nueva perspectiva de su producto o idea.
¿Qué puedo sustituir?
¿Qué se puede agregar a él para que sea un poco mejor?
¿Que es innecesario?
¿Qué es lo contrario de esto?
¿De dónde provienen de esto?
¿Cómo ha sido usado algo como esto?
¿Qué otra cosa puede ser utilizada para esto?
¿Puede añadir alguna idea?

7) Ejerza su proceso de pensamiento creativo
Pruebe algunas de estas actividades de tiempo en tiempo.
Todos los días seleccione cualquier tema y escriba sobre él; luego cree un diagrama de flujo y vea a donde le lleva la corriente.
Piense en un producto. ¿Cómo podría haber sido inventado de un modo diferente, pero producir el mismo resultado?
Después de la lectura de medio libro, cierrelo y escriba o reflexione sobre la manera en que finalizará la historia.
Lea libros de no-ficción y resuelva el problema usted, antes de que éste sea resuelto.
Haga crucigramas, estos le ayudarán a pensar en todo tipo de cosas.
Después de un tiempo de hacer estos ejercicios su mente se enfocará en ideas nuevas y en maneras creativas.

8 ) Viaje
Una de las mejores formas de generar ideas creativas es ir a nuevos lugares o simplemente salir e ir a pasear. No tiene dinero para viajar? No hay problema. Vaya a donde usted siempre tiene que ir, pero llegue de una manera diferente.
Tener nuevas experiencias e ir a nuevos destinos es una gran manera de obtener nuevas ideas que puedan generar creatividad.
Y esto es todo, son 8 maneras de ejercitarse para ser creativo.
¿Se considera usted creativo?

Estimule su creatividad; hágase estas preguntas:
¿Si no hubiera ninguna limitación de tiempo, dinero ó recursos que haría?
¿Qué es lo que quiero que no tengo ahora mismo?
¿Qué he hecho hoy que nunca haya hecho antes?
¿Por qué no estoy haciendo ó pensando algo diferente ahora?
¿A quién he ayudado hoy a pensar diferente?
¿Cómo puedo ser más creativo aún?
¿Cómo piensa usted que nosotros debemos hacer esto?
¿Cómo convertiría este trabajo en más divertido, y como lo haría más rápidamente?
¿Si usted tuviera mi trabajo, qué haría usted diferente?
¿Cómo recomendaría usted que nosotros mejoráramos la calidad?
¿Si este fuera "el último minuto", para hacer la tarea ¿la haría de una manera diferente?
¿De cuántas maneras podemos nosotros hacer la tarea?
¿Cómo enfrentaría usted este problema?
¿Cómo va a resolver este problema de una vez y para siempre?
¿Qué es lo que usted no sabe?
¿Cuál es el pensamiento que usted nunca ha pensado antes?
¿Qué es lo que hace importante el problema?
¿Cómo puedo usar el problema para mejorar?
¿Qué haría, si supiera que no puedo fallar?
¿De cuántas otras maneras nosotros podríamos pensar sobre el problema?
¿De cuántas otras maneras puede usted pensar para replantear el problema ó desafío?
¿De qué resultado estaría usted muy orgulloso al final de este proyecto?
¿Qué resultado podría generar un "estupendo", en toda la organización?
¿Qué necesito hacer para que suceda ese evento?
¿Iría usted a un lugar en donde se relaja mejor? Vea usted mismo las ideas geniales que brotan de forma automática de su mente.
¿Si pudiera hacer los cambios pertinentes que quisiera en una situación ó trabajo actual?
¿Cuáles serían?
¿De qué otra manera podemos nosotros resolver este problema ó sacar el máximo provecho de la situación?
¿En qué otra forma podríamos nosotros definir el problema existente ó la oportunidad que enfrentamos cuando hablamos del problema ó solución?
¿Qué hay en el ambiente de trabajo que desmotiva a las personas a dar sugerencias?
¿Qué estructura puedo crear como jefe, como empleado, como socio, como miembro, como persona para hacer que el personal de mi sección resuelva sus sugerencias más osadas, y la vez tendrán una consideración justa por sus expresiones?
¿Qué podemos hacer para superar las barreras del problema?

Las palabras y las letras

2009-04-29T07:19:00.000-07:00

Inspirarse siempre es bueno. Sobre todo con tipografía. Los medios sociales ofrecen miles y miles de imágenes y también, por que no, ideas para ver, admirar y nutrir los ojos con otros condimentos no habituales. En cada rincón de una ciudad, barrio o en nuestro propio cuarto, puede haber un libro, poster o portada de libro con letras y caracteres que le dan forma y significado a un concepto. Hoy gracias a la red de redes y los enlaces, llegar a las fuentes y musas digitales es sencillo. Lo difícil es destilar, seleccionar de esa abundancia aquello que nos agregue valor, nos inspire y nos permita enriquecer nuestra propia búsqueda creativa.

Arte móvil

2009-04-29T07:14:00.000-07:00

Pequeñas obras de arte en la palma de la mano • Expresión portátil y digital • La personalización de un ceular no está en contradicción con lo estético, sino por el contrario puede ser parte de una mirada creativa y distinta hacia un nuevo lienzo • Pixels por telas • Una nueva forma de maridaje entre tecnología y arte.

La tecnología cambia la percepción. El arte cambia la percepción. La percepción influye sobre nuestro pensamiento. Ambas, arte y tecnología, son grandes palancas de la ¿evolución? del hombre. El arte tiene la magia de poder anticipar el futuro, la tecnología de hacerlo tangible en el presente. La portabilidad y la conectividad, son parte de nuestra vida cotidiana. Los lugares de trabajo, en algunos casos, se hicieron urbanos. El arte se traslado a las calles, dejó los museos y en muchos casos tomó por asalto las paredes incrustándose en el debate de que es espacio público y que es espacio privado. Arte y tecnología y no arte o tecnología. Juntas y en la palma de la mano para que tu IPhone y IPod no se queden con el fondo de pantalla que viene de fábrica. El arte ataca de nuevo.

Los diez mejores libros sobre tipografía. Nivel básico

2008-12-17T11:37:00.000-08:00

Una de las principales inquietudes de cualquier estudiante de tipografía, es conseguir una bibliografía que le permita obtener una visión, lo más amplia posible, del contenido de la asignatura y que se configure además como una herramienta básica de consulta.Así que dicho y hecho… aprovechando una de nuestras reuniones de los Lletraferits, conseguimos redactar una lista de consenso entre los asistentes, no sin un ámplio debate, en la que incluimos los que, a nuestro juicio, son los diez mejores libros sobre tipografía.En este caso el objetivo principal eran los estudiantes por lo que podemos situar los libros propuestos en un nivel básico que pronto completaremos con un nivel experto.No se trata de un “top-ten” por lo que damos el mismo valor al primero o al último que aparece en la lista… así que hay que leerse todos. Confiamos en que esta selección os sea de utilidad.

Manual de tipografía

Jose Luis Martín y Montse Ortuna
Un Manual que trata los principales aspectos que tienen que ver con la tipografía, tanto en su parte teórica como práctica.Con unas buenas ilustraciones y de lectura amena el libro nos acompaña a través de la historia de la tipografía y nos muestra, entre otros temas, las diferentes familias de tipos, su clasificación y las distintas formas de composición.Además cuenta con el sello de garantía de la Editorial Campgráfic, una de las pocas especializadas en literatura sobre tipografía en castellano.
Índice1. Introducción a la tipografía 2. Las familias de tipos 3. Anatomía del tipo 4. Clasificación 5. Tipometría 6. Disposición tipográfica 7. Justificación 8. Composición no justificada 9. Formas tipográficas 10. Estética tipográfica 11. Maquetación 12. Apéndice
Editorial Campgráfic, Valencia, tercera edición 2004 216 Pg. Rústica Ilustrado ISBN 8493167738

Manual de diseño editorial

Jorge de Buen
La especialidad del diseño editorial es aquella en la que los recursos tipográficos encuentra sus más amplias posibilidades de utilización. Jorge de Buen nos proporciona con su obra una preciada herramienta en la que tienen cabida todos aquellos aspectos que intervienen en la creación de una página impresa y que encuentran su máxima expresión en el producto editorial por excelencia: el libro.
Índice 1. Organización del texto 2. Sistemas de medidas tipográficas 3. La letra 4. Nombres viejos y nombres nuevos 5. Valores 6. Formas 7. Principios de formación 8. Espaciamiento 9. Ortografía para editores 10. Otras reglas ortotipográficas 11. Signos tipográficos 12. Partes del libro 13. Bibliografía 14. Indice alfabético
Editorial Santillana, México 2000 400 Pg. Rústica Ilustrado ISBN 9706426558

Stop stealing sheep & find out how type worksp

Eric Spiekermann y E. M Ginger
Los autores nos explican de una forma coloquial, educativa y, sobre todo, muy amena utilizando analogías de la vida diaría, que es la tipografía y como usarla de la manera más eficiente.Un recorrido muy divertido y vistoso que proporciona unos conocimientos básicos imprescindibles. Si no sabes nada sobre tipografía, te recomendamos empezar por este título.
Índice 1. Type is Everywhere 2. What is Type? 3. Looking at Type 4. Type with a Purpose 5. Type Builds Character 6. Types of Type 7. How it Works 8. Putting it to Work 9. There is no Bad Type 10. Final Form
Adobe Press, segunda edición 2002 188 Pg. Rústica Ilustrado ISBN 0201703394

Tipografía: Forma, función y diseño

Phil Baines y Andrew Haslam
Se trata de una obra en la que las ilustraciones ocupan un papel muy importante tanto a nivel del propio diseño del libro como de apoyo informativo al texto.Su contenido se desarrolla a través de una estructura que contempla desde la historia del lenguaje y la escritura, pasando por las diferentes tecnologías utilizadas en la creación de tipografías, hasta su uso tanto en papel como en el cine y los nuevos medios.También nos propone una nueva clasificación tipográfica atendiendo a los orígenes y evolución de las características principales de las letras.En definitiva… un libro que “entra por los ojos”.
Índice 1. Definición 2. Función 3. Forma 4. Elaboración y diseño 5. Estructura 6. Convenios
Editorial Gustavo Gili, Barcelona, 2005 224 Pg. Rústica Ilustrado ISBN 842522067X

The elements of typographic style

Robert Bringhurst
De este libro podemos deciros que nos cambió la vida y no solamente por su contenido sino por el camino que nos mostró de como se podía reconciliar el pasado con el presente de la tipografía.El poeta y diseñador Robert Bringhurst aplica ambos campos de su actividad en sus páginas y a través de una prosa profundamente evocadora aúna la historia de la tipografía con el presente, los tipos de plomo con sus versiones digitales, los conocimientos clásicos y su aplicación en la actualidad, de una manera magistral y muy didáctica.Cargado además con mucha información práctica, os podemos asegurar que hay un antes y un después para toda la gente que, interesada por la tipografía, se adentra en las páginas de esta gran obra.
Índice 1. The Grand Design 2. Rhythm & Proportion 3. Harmony & Counterpoint 4. Structural Forms & Devices 5. Analphabetic Symbols 6. Choosing & Combining Type 7. Historical Interlude 8. Shaping the Page 9. The State of the Art 10. Prowling the Specimen Books
Editorial Hartley & Marks, Vancouver, segunda edición 2002 350 Pg. Rústica Ilustrado ISBN 0881791326

En torno a la tipografía

Adrian Frutiger
Como bien indica en su introducción, En torno a la tipografía es una charla entre amigos con el tema de la tipografía como principal protagonista.En sus páginas Adrian Frutiger repasa algunos temas básicos de la disciplina de una forma principalmente visual y educativa.Sin ser un manual exhaustivo, su fácil accesibilidad para todo tipo de públicos la convierte en una lectura idonea para introducirse sin mucho esfuerzo en el mundo de la tipografía de la mano de un gran diseñador de tipos.
Índice 1. Introducción 2. Enseñar y aprender, el camino de la invención 3. Las grandes familias de tipos de letra 4. El proceso de lectura 5. La concepción de un tipo 6. Los tipos de letra diseñados por Adrian Frutiger 7. Concebir un logotipo 8. Epílogo
Editorial Gustavo Gili, Barcelona, 2002 96 Pg. Rústica Ilustrado ISBN 8425219167

Thinking with type, a critical guide

Ellen Lupton
Pensado como apoyo para sus propios cursos de tipografía en la Maryland Institute College of Art, el libro de Ellen Lupton destaca por un acercamiento a la tipografía sumamente didáctico en el que multitud de ejemplos e ilustraciones apoyan los conceptos que expone.Dividido en tres secciones principales (Letra, Texto y Retícula), cada una de ellas comienza con un ensayo introductorio que da paso a la parte práctica todo ello aderezado con un fino sentido del humor que recorre sus páginas.Un buen manual general de tipografía, accesible y con unos contenidos imprescindibles.
Índice1. Introduction 2. Acknowledgments 3.Letter (Anatomy, Size, Classification…) 4. Text (Kerning, Tracking…) 5. Grid (Golden Section, Modular Grid…)
Princeton Architectural Press, 2004 176 Pg. Rústica Ilustrado ISBN 1568984480

Tipografía del siglo XX Remix

Lewis Blackwell
Lo primero comentar de este libro que es una suerte de reedición de otro anterior con el mismo título y del mismo autor en el que se ha cuidado algo más el texto a cambio de perder algunas imágenes.Profusamente ilustrado, Lewis Blackwell nos acompaña a través de las creaciones tipográficas del siglo XX dividiendo cada capítulo en décadas en los que nos hace un repaso del estado de la tipografía, arte y sociedad de cada época.El siglo XX testigo de un buen número de cambios tecnológicos y posicionamientos ideológicos que afectaron al mundo de la imprenta, merece un estudio singular, este libro nos proporciona una buena visión general.
Índice 1. Introducción 2. 1900 3. 1910 4. 1920 5. 1930 6. 1940 7. 1950 8. 1960 9. 1970 10. 1980 11. 1990 12. Apéndices
Editorial Gustavo Gili, Barcelona 1998 192 Pg. Rústica Ilustrado ISBN 8425217431

Typo (When, Who, How)

Friederich Friedel, Nicolaus Ott y Bernard Steinl
El más completo diccionario enciclopédico sobre tipografías y sus creadores.Una labor enorme de recolección de datos, fechas, nombres y ejemplos gráficos en una edición realmente asequible para su volumen de contenido.Editorial Könemann, Köln 1998 592 Pg. Cartoné Ilustrado ISBN 3895084735

Manual de tipografía

John Kane
Un manual de tipografía con unos destinatarios concretos que son los estudiantes de diseño gráfico.Historia de la tipografía, clasificación y composición son algunas de las materias tratadas, a las que acompañan multitud de imágenes e incluso una serie de ejercicios prácticos que sirven de ayuda al lector.
Índice1. Conocimientos básicos 2. Desarrollo 3. Letras 4. Palabras y frases 5. Texto 6. Una organización sencilla 7. Sistemas de retículas 8. Conclusiones 9. Apéndices y bibliografías.Editorial Gustavo Gili, Barcelona 2004 196 Pg. Rústica Ilustrado ISBN 8425219809

Miedo a lo simple

2008-12-16T10:34:00.000-08:00

• Tal vez toda creación tenga su génesis en la incertidumbre
• En el silencio de la duda. En la angustia de la hoja en blanco. O ahora de la pantalla en blanco. Tal vez en el simple acto de llenar un lienzo, el exceso nos impulse a atiborrarlo

Comencemos por el camino mas simple: el de cargar un diseño de elementos innecesarios. Prescindibles. Sin embargo los diseños sencillos son los que perduran. Son orgánicos. Difíciles de erosionar. Y el secreto no es nuclear: un buen diseño, en general, aporta confort al usuario o lector que es, en definitiva, quien lo “consume”. Pero lo simple se condimenta con otros atributos, el orden por ejemplo. Este aunque importante, no es imprescindible. A veces un poco de caos provoca, excita, impulsa a que un lector inteligente quede atrapado en una historia que le interesa, o no.
A veces romper las normas habituales usando alguna tipografía poco común para un detalle, usar un color no usual o simplemente jugar con la arquitectura viene bien. Pero para romper las leyes primero hay que conocerlas a fondo y trabajar mucho con ellas. Sólo así podemos tener la esperanza de poder asirnos a determinadas ideas que favorezcan nuestro trabajo como francotiradores visuales. Olvidándonos por un momento del camino elegido para la creación de un diseño, lo simple al final de recorrerlo, siempre termina imponiéndose. La compleja realidad exógena al diseño hace que cuanto menos cosas se interpongan entre el lector y/o usuario, mejor. La investigación y la apuesta constante para lograr piezas más simples y consistentes, hacen que el diseño sea una actitud (donde hay que poner otras cosas en juego además del intelecto y el conocimiento) y no sólo una profesión.

Un poco de publicidad no viene mal

2008-12-15T10:32:00.000-08:00

• ¿Puede una buena campaña de publicidad mejorar las ventas de una revista impresa?
• Una pregunta demasiado simple para una realidad compleja e intrincada
• En la comunicación no siempre dos más dos es cuatro
• Pero que una buena campaña de un buen producto editorial ayuda y en esto casi que no hay dudas.

De un tiempo a esta parte el mercadeo de revista parace depender, al menos en apariencia o lo que se percibe en Argentina y en algunos países de latinoamérica, de anuncios en los periódicos, apariciones de portadas antes de su circulación en bitácora de referencia o relacionadas a medios, tal vez un poco de radio, algo de televisión, un toque de vía pública y no mucho más. La marca y su recordación parecen hacer el resto. Pero se puede hacer mucho más desde la publicidad de revistas, inclusive utilizando medios alternativos o no y no sólo vociferar que la culpa de la caída en las ventas y circulación la tienen los medios digitales, la crisis financiera, los lecores no quieren leer, que el de la moto llegó tarde o todo esto junto, que algo de verdad, por supuesto. Si la publicidad de un producto editorial no abraza a su contenido y lectoría es poco lo que podemos hacer desde las portadas o las páginas impresas por mejor contenido que tengamos. Aquí tres ejemplos aleatóreos de buenos avisos de revistas impresas.

Tipos móviles

2008-12-14T10:30:00.000-08:00

• La tipografía es el reflejo de una época, un rasgo del tiempo
• Una idea, un concepto, una letra
• Fuentes en movimiento, una nueva forma de utilizar uno de los signos más representativos del cambio cultural que experimenta el hombre

Una forma de interpretar el cambio de época es hacerlo a través de la tipografía. Es un reflejo de los tiempos. Un rasgo particular que muchas veces, la mayoría, modela una forma de resolución gráfica en el diseño. La combinación que se crea con la evolución de la tecnología y las expresiones resultantes en algunos casos artísticas, en otros más funcionales y en la mayoría de las veces comunicacionales, nos van dando pistas para entender el proceso cultural que el propio desarrollo tipográfico va gestando. Los signos tipográficos son el “militante” más activo de los cambios culturales que experimenta el hombre.
Tal vez en el año en que la Helvetica tuvo su “debut” cinematográfico apenas aceptable según una crítica bastante certera del sitio SpeakUp, la proliferación de videos con tipografías en movimiento se multiplicaron. Las posibilidades de publicación en los sitios sociales de video (Youtube, Dailymotion entre otros) y las herramientas de edición animada, inclusive en línea, hicieron el resto.
“En conclusión, el estilo en tipografía no reside permanentemente en una forma de trabajar, sino en los principios en los que están basadas las diferentes formas de trabajar”
Desde la masificación de las computadoras y la posibilidad de la autoedición, hasta el avance que tiene hoy el desarrollo de fuentes como consecuencia del cambio tecnológico, no se ha detenido el interés por el desarrollo de tipografías. Por el contrario sigue incrementándose gracias a la constante búsqueda de nuevas fuentes y el rigor profesional por la mejora en los diseños tipográficos. Nuevas tecnologías, nuevas percepciones y formas de utilizar las fuentes. Aquí una pequeña muestra de cómo los tipos se convirtieron móviles en el nuevo milenio.

El diseño ¿ha muerto?

2008-12-14T08:25:00.000-08:00

• Las redacciones avanzan hacia procesos informativos integrados. En honor a la verdad muchas de ellas ya están trabajando con este concepto

• Y a medida que los lectores se exponen a una multiplicidad de medios informativos, el proceso de integración y convergencia toma cada vez mas velocidad.

Con cada nuevo medio o soporte que está a la alcance del público, estas integraciones son cada vez más inevitables. Pero esta integración no sólo abarca a los periodistas y diseñadores de una redacción de un medio impreso o digital, sino que está llamando a que las áreas de distribución, atención al lector, publicidad, marketing y recursos humanos, se sumen al proceso.
Una cadena de valor informativo no termina con la publicación de la información. El ciclo es continuo. Las tecnologías van borroneando las fronteras entre las profesiones. Las van cambiando para bien o para mal. ¿Está el diseño a salvo de este proceso? Todo lo contrario. La transformación se está dando desde hace varias décadas y tal vez en los últimos años aumentó su velocidad, pero el fenómeno no es nuevo y por lo pronto no ha dado señales de detenerse si no, por el contrario, de profundizarse.
El diseño, como disciplina, es en esencia quien proyecta las condiciones en que un producto se debería leer o la manera en que este lucirá; desarrolla la identidad a futuro y además delinea la manera en que debería ser percibida una publicación, es decir trabaja con una visión prospectiva y proyectual más allá de la coyuntura o el contexto histórico. Construye el devenir más que modelar el día a día, de hecho muchas de las tipografías que hoy en día se usan fueron desarrolladas siglos atrás y aún hoy siguen funcionando y adaptándose a soportes inimaginables en la mente del diseñador que las creó. Esta característica del diseño no ha mutado con la carrera tecnológica y es parte de su deber ser; el de tener la capacidad de proyección. Pero esta cualidad se ha visto cada vez más apremiada por la exasperante velocidad de los acontecimientos que en muchos casos, lo han acorralado contra el tiempo, siempre escaso, de los procesos informativos y de producción. Del boceto a la realización median mínimos segundos. Esta velocidad sin dudas ha transformado el proceso creativo y de resolución final de un diseño.
El diseño, como disciplina, es en esencia quien proyecta las condiciones en que un producto se debería leer o la manera en que este lucirá
El diseño es una herramienta que construye el universo informativo en publicaciones cada vez más volcadas hacia la apertura de su proceso diario. La información hace al diseño y no al revés. La edición es el proceso, es una cadena de valor, es el núcleo central de las redacciones que al mismo tiempo que se integran se distribuyen (o deberían hacerlo) para lograr una mayor pertinencia informativa y proximidad. La forma es contenido, como siempre ha sido. Tal vez esta aceleración del proceso informativo sacudió, de mala manera, la modorra de los diseñadores tradicionales. El diseño editorial o periodístico, muta, se transforma, se reinventa en un contexto que no hace más que reafirmar su carácter interdisciplinario de su trabajo en una cadena de valor informativa.
Algunas ideas al respecto:
• Ante el caudal ininterrumpido de información, el ordenamiento, la jerarquización y el criterio periodístico han puesto en evidencia la importancia del texto informativo y la simpleza en el diseño de una puesta en página.
• Si bien existían antes de la llegada de la red de redes, los navegadores, los índices (o como cada uno lo quiera llamar), los enlaces entre medios; son uno de los grandes aportes que la era digital ha transmutado al papel, haciéndolo más utilitario y funcional. O mejor escrito, Internet, ha puesto en evidencia la importancia de la interrelación de medios y del “uso” de la información en términos, usuario / soporte y que, en muchos casos, eran preexistentes a la masificación de Internet. Como siempre, está en los lectores usar o no estas estructuras informativas, en el papel o en el soporte que sea.
• El diseño es parte de la historia que se cuenta y su estructura es (debe) ser invisible, el diseño debe agregar valor a la historia con sus recursos gráficos. El contar historias es lo relevante desde lo textual y lo gráfico. El diseño debe facilitar el acceso a la información.
• El ordenador personal ha democratizado el diseño. El diseño no es cuestión de músculo, sino de materia gris, aun en tiempos tan salvajes y veloces como los actuales. En realidad siempre lo fue, pero como todo, siempre se vuelve a los orígenes. Un eterno retorno.
• Serif o sans serif, esa no es la cuestión. Lo importante es la “capacidad de lectura” que podemos ofrecerle a los lectores con la selección tipográfica que hagamos. Hoy el contacto entre las audiencias y los contenidos se da un contexto de “interfases” poco convencionales. La tipografía es forma y contenido mas allá del soporte que sin duda se impone cada vez más digital.
• Rescatar a la infografía como género periodístico va más allá de una declaración voluntaria de principios, es un imperativo de rigor para el diseño de la información.
• Si bien los periódicos deben saber a periódicos, con procesos de elaboración informativa cada vez mas integrados, con lectores que pasan gran parte de su tiempo delante de la pantalla de su ordenador, de la televisión y del celular, con audiencias jóvenes alejadas de las páginas impresas pero sumergidas en las páginas webs; es inevitable que la era digital deje su impronta en los periódicos.
Aunque infiera un mayor estrés entender el contexto informático y competitivo que existe hoy, la era de la información es una oportunidad, no una desventaja: un medio de comunicación toma de otro medio, géneros, estilos o innovaciones que lo enriquecen y potencian. Las influencias de la era digital han modelado la percepción de las nuevas generaciones. Nos adaptamos o seremos los próximos dinosaurios del mundo mediático.
Disolverse en una nueva amalgama de trabajo en equipo, no es tarea sencilla y es un proceso en si mismo y como tal requiere de tiempo
El diseño de la información se basa en una multiplicidad de capacidades asociadas de un equipo de personas que manejan diferentes lenguajes y el acople de los diseñadores a este proceso requiere repensar al diseño, como lenguaje o herramienta de estructuración de un medio desde enfoques distantes de los conceptos que siempre se lo pensó. Disolverse en una nueva amalgama de trabajo en equipo, no es tarea sencilla y es un proceso en si mismo y como tal requiere de tiempo. Acotado. Pero un tiempo al fin y sabemos que es lo que siempre falta. Después de todo y como decía un siglo atrás el economista Alfred Marshall, la importancia de las ideas que construyen una época, no suele ser percibida por la generación que las produce.

La tipografía es alimento

2008-12-13T23:21:00.000-08:00

• La mirada de los otros nos enriquece

• Las ideas se conectan y provocan que otras nazcan y el ciclo vital de la reproducción de nuevas formas de ver, a veces lo mismo, no se termina nunca

• La tipografía es también una forma de expresión, tan maravillosa como uno quiere que sea.

Inspiración (ni copia, ni imitación). Estímulo. Documentación. Abrir la mente en base al trabajo de los otros para crear nuevas ideas que a su vez alimenten a otras. Un círculo infinito que permite encontrar siempre una idea memorable sin necesidad del plagio o la copia fútil que no agrega nada al final del camino. Saber mirar una idea permite aprehender (de asir) su esencia para nutrir el germen de una nueva idea.El ojo hay que alimentarlo. Si no se entrena, poco puede captar de nuevo. El ojo puede ser un arma letal y demoledora a la hora de encontrar allí, donde nadie vio nada, un hilo ténue que conecte con un nuevo significado o visión de lo cotidiano.
“Cuando baje la inspiración, que me pille trabajando.“
Por suerte no hay fórmulas, ni decálogos, ni protocolos, ni mucho menos guías espirituales para desarrollar una buena idea. Si las hay, son menos que supersticiones que llevan a ningún lado. Y se presentan como un atajo que casi siempre lo transitan quiénes le huyen al trabajo sudoroso y prefieren la comodidad del copio y pego de supuesta inspiración divina. Las musas casi siempre son convocadas a la hora de la creación; si las manos no están trabajando siempre se van con aquellos que están en la búsqueda enmarañada de algo intangible y poderoso como una idea. Aquí una pequeña selección subjetiva de inspiración tipográfica.

Palabras Textuales - Entrega 343

2008-10-28T06:00:00.000-07:00

Lo quiero para ayer - entrega 343

#1119- "No te preocupes, ahorita te mando el archivo a tu black power. En tu black power sí los puedes abrir, ¿no?"
(Agencia, uno que se quedó en los 70s confundiendo a la Blackberry con otra cosa)

#1118- "¿Sabes qué es lo que pasa? Yo nunca fui un empleado"
(Agencia, Ejecutivo de Cuentas a Creativo, tratando de organizar un sistema de trabajo)

#1117- "¿Existe un troquel para la carpeta?" - "Solo necesitamos que lo envíes en formato 'frisam', ya que en la imprenta lo adaptarán al formato 'carpeta'"
(Anunciante, inventando un programa parecido al Freehand, y también un formato de archivo carpeta)

#1116- "Amigo, me llamdó un cliente... quieren el archivo en FTP, ya les dije que sí... ¿pero cómo @#$%& lo exporto en formato ftp?"
(Agencia, Socio a Director General Creativo por teléfono)

Lo quiero para ayer - entrega 342

#1115- "Los reportes deben tener la opción de ser impresos en Excel o en acróbata"
(Anunciante, briefeando a su Desarrollador de Software, o también de espectáculos circenses)

#1114- "Nosotros somos expertos en el 'merchidisin', que es lo que más le importa al cliente"
(Agencia, Director de Nuevos Negocios tratando de mostrar sus habilidades para confundir inglés y chino, al parecer)

#1113- "¡Ah, no! Si me pones palabras en slang rockero no te apruebo el texto. Esta es una empresa seria"
(Anunciante, a Director Creativo, objetando el término 'ad-hoc')

#1112- "Necesito que me hagas un afiche, pero toma en cuenta que quede como el anterior... osea, hazlo, pero no lo hagas"
(Agencia, Director de Arte a Diseñador)

Lo quiero para ayer - entrega 341

#1111- "Me gusta el diseño gráfico y los copys, las fotos están muy buenas, pero el resultado final no me enamora..."
(Anunciante, dando feedback a su Diseñadora luego de presentarle una tarjeta de Navidad, aunque si quería que la enamoren la hubiera pedido para San Valentín)

#1110- "Me gustan mucho los artes, pero me gustarían más si fueran diferentes"
(Anunciante, Directora de Marketing a Diseñadora Gráfica confundida)

#1109- "Quiero un banner para que cuando la gente llegue al cine diga '¡Puta, hay películas!'"
(Anunciante, Director de Marcas, a Diseñador Gráfico)

#1108- "Te mando el logo y el manual adonde salen los colores pantén"
(Anunciante, Dueño, confundido entre la pronunciación de un shampoo y el Pantone)

Intrusismo y Diseño Gráfico

2008-10-27T06:00:00.002-07:00

Nadie en su sano juicio dejaría que un fontanero le operara de apendicitis y tampoco es normal ver a nadie que prescinde de los servicios de un abogado y se defiende a el mismo en un juicio. En cambio es lo más normal del mundo ver empresas que dejan su imagen gráfica en manos de personas sin la formación ni experiencia necesarias y eso en parte es culpa de los diseñadores que jamás hemos ido realmente unidos a demandar un colegio de diseño gráfico que regule el ejercicio de esta profesión de manera real y tampoco hemos dedicado tiempo en explicar las bondades y beneficios de una imagen de empresa fuerte y bien estudiada.

Mientras eso no pase, seguirá siendo normal ver trabajos de logotipos realizados con Word, incluso con el Paint, webs realizadas con Frontpage por un sobrino que sabe mucho de informática y todo tipo de lindezas, que al final lo único que hacen es ensuciar el grafismo de nuestras ciudades, restar trabajo a los estudios que se dedican a ello profesionalmente y desprestigiar una profesión como el diseño gráfico en la que el uso de las herramientas (freehand, photoshop, illustrator, etc) son solo una parte de nuestro trabajo.

Es por eso que es necesario una dignificación, un reconocimiento a nuestro trabajo, empezando por la autocrítica, continuando por la unidad a la hora de reclamar un colegio y una reglamentación para el ejercicio del trabajo y por supuesto, el apoyo de las instituciones públicas para conseguirlo, actuando conjuntamente con el sector para la promoción de certámenes, creación de premios (no autobombos), limitación a profesionales acreditados en concursos de índole gráfica, etc.

Vía: Ateneu Popular

Toma Leche

2008-10-27T06:00:00.001-07:00

20 Sitios para aprender Illustrator

2008-10-27T06:00:00.000-07:00

Una buena lista de sitios, donde podrás aprender o mejorar el uso del programa de ilustración vectorial Illustrator.

20 Exceptional Websites for Learning Adobe Illustrator

Vía: Blog Vecindad

Retoques con Photoshop

2008-10-24T06:00:00.003-07:00

Via: Blog Diseño Gráfico

Publicidad Contra el SIDA

2008-10-24T06:00:00.002-07:00

2008-10-24T06:00:00.001-07:00

En el blog Salmón se comenta una entrevista al Doctor Alonso Puig quien plantea las condiciones necesarias para fomentar un entorno creativo dentro de una empresa. Vale la pena considerarlas ya que la creativida no sólo la puedes aplicar en tu trabajo si no en tu vida en general.

Estas son las características:

Aceptación del error como base del descubrimiento, aprendiendo a gestionar la frustración.
Suspensión del juicio sobre si algo es válido o no, sustituyéndolo por la escucha y la pregunta.
Pasión. Las emociones tienen una inmensa importancia en el despliegue de los talentos y de la creatividad.
Entorno de confianza. La confianza es básica porque las personas no solemos arriesgarnos ni adentrarnos en lo desconocido.
Multiculturalidad y multidisciplinaridad. Los equipos más creativos son aquellos compuestos por personas que ven la realidad desde ángulos distintos.
Capacidad para mantener un espíritu de curiosidad y fascinación en un entorno de incertidumbre.
Que exista un sentido lúdico en lo que se hace, que se trabaje con intensidad pero sin dramatismo.

Via: Viviendo el Diseño Gráfico

Técnicas para producir ideas

2008-10-24T06:00:00.000-07:00

Neuronilla es un sitio que pretende estimular el potencial creativo de personas y organizaciones. Para ellos nos entrega información sobre muchas técnicas para producir ideas individualmente o en grupo. Hay alrededor de 23 técnicas descritas, algunas ya conocidas y otras nuevas que son muy interesantes.

José Aguilar realizó un resumen para que las conozcamos brevemente:

Mapas mentales, que permite explorar problemas y generar ideas usando una técnica muy gráfica de acceso al potencial del cerebro a través del pensamiento irradiante.

Arte de preguntar, útil para observar problemas desde distintas perspectivas, utilizando un arsenal de preguntas predefinidas (¿cuándo?¿qué clase de?¿con qué?...)

Brainstorming, o tormenta de ideas, todo un clásico en las técnicas grupales para generar ideas.

Relaciones forzadas, técnica que suele usarse complementando al brainstorming en momentos de aparente bloqueo, creando nuevas situaciones a partir de la combinación de hechos conocidos con desconocidos.

SCAMPER, cuyo nombre está compuesto por las iniciales de las cuestiones a plantearse que estimulan la creación de ideas: ¿Sustituir?¿Combinar?¿Adaptar?¿Modificar?¿Para otros usos? ¿Eliminar o reducir?¿Reordenar o invertir?

Listado de atributos, técnica considerada ideal para la generación de nuevos productos, o mejorar los existentes, consiste en enumerar atributos del objeto o concepto, e intentar mejorar o solucionar cada uno de ellos.

Analogías, consistente en la generación de ideas para solucionar un problema dando un rodeo, acudiendo a otras disciplinas no relacionadas; por ejemplo, resolver un problema empresarial observando el comportamiento de un equipo deportivo.

Biónica, técnica usada en ámbitos tecnológicos, que persigue la creación de aparatos útiles basados en el estudio de los sistemas biológicos. Ejemplos hay muchos: aviones, radares, el velcro...

Creación en sueños, que aprovecha el poder creativo del sueño y estados de sopor para solucionar un problema, se basa en la interiorización de la cuestión a solventar antes de ir a dormir, y en tener a mano papel y lápiz para anotar las imágenes y asociaciones llegadas en estos momentos.

Método Delfos, también llamado Delphi, que utiliza expertos en una materia para encontrar soluciones a problemas a través de análisis sucesivos de éste y las respuestas obtenidas en fases iterativas.

Análisis morfológico, que permite generar gran cantidad de ideas en muy poco tiempo descomponiendo un problema en sus elementos más básicos, creando una matriz que facilita la combinación aleatoria de las distintas posibilidades existentes en cada uno de ellos.

CPS (Creative Problem Solving) define procedimiento de seis pasos para la solución creativa de problemas: definición de objetivos, captura de información, reformulación del problema, generación de ideas, selección y refuerzo y creación del plan de acción.

Técnica Clásica, que establece un método de cinco pasos secuenciales a seguir para la generación estructurada de ideas: recogida de materia prima, trabajo con ideas, incubación inconsciente, inspiración y finalización.

Relajación, como técnica básica para potenciar la imaginación, intuición, concentración y atención.

Visualización, o pensamiento mediante imágenes, esquiva las limitaciones del lenguaje centrándose exclusivamente en otros aspectos, facilitando la vivencia de experiencias futuras.

Mitodología, aprendizaje del proceso creativo a través del uso de dramatizaciones basadas en personajes mitológicos.

Ideart, usa estímulos visuales (pinturas) para la generación de ideas mediante provocación, creando vínculos entre ellos y el foco creativo.

TRIZ, una metodología creada especialmente para generar ideas ingeniosas en problemas tecnológicos, muy utilizada en ámbitos industriales.

CRE-IN, conjunto de técnicas destinadas a la búsqueda interna de la paz, la reflexión, relax, etc., con objeto de generar una actitud más imaginativa y desestructurada.

4x4x4, técnica de producción de ideas a base de la obtención, primero de forma individual y luego grupal, de ideas, que van compartiendo y seleccionando sucesivamente.

La técnica DaVinci, que se basa en dejar actuar a la intuición para la generación de ideas de forma visual, dibujando y escribiendo conceptos procedentes del subconsciente.

Seis sombreros para pensar, una técnica de análisis y resolución de problemas desde distintas perspectivas, representadas como sombreros. Así, los participantes deberán concentrarse en generar ideas según el sombrero que tengan puesto: optimismo, objetividad, creatividad, cautela, etc.

Provocación, que elimina del pensamiento los patrones establecidos para la resolución de problemas al basarse en ideas deliberadamente absurdas (provocaciones), lo que facilita la generación de ideas diferentes.

Programación neurolingüística, que ayuda a determinar las estrategias mentales de personas muy creativas para poder replicarlas en otros. Por ejemplo, del estudio de Walt Disney se obtuvo el Modelo de Creatividad Disney, una técnica basada en el comportamiento de este genio.

DO IT, que además de traducirse como "Hazlo", corresponde a las iniciales de las fases de la técnica, Definir el problema, Open (abrir la mente a múltiples soluciones), Identificar la mejor solución y Transformarla en acción eficazmente.

Estratal, técnica consistente en la creación de enunciados paralelos en torno al objetivo, que se consideran como una totalidad aún siendo independientes unos de otros.

Método 635, en el que seis personas escriben tres ideas durante cinco minutos, pasándolas a sus compañeros hasta completar un ciclo. Se considera igual de efectivo que el brainstorming, y más controlable.

Brainwriting, o lluvia de ideas escritas, utiliza una técnica similar al brainstorming para generar gran cantidad de ideas en grupos remotos, o con problemas con dificultades de comunicación.

Conexiones morfológicas forzadas, facilita la aparición inicial de ideas sobre aspectos que no se han tenido en cuenta, así como la inspiración basada en analogías.

Inversión, una interesante técnica que consiste en darle la vuelta al objetivo y hacer que este giro hacia un planteamiento absurdo provoque la aparición de nuevas ideas.

Empatía, que facilita la percepción desde una perspectiva ajena al individuo.

Alternative Environment, técnica utilizada para favorecer la aparición de soluciones inusuales a retos usuales

Via: Viviendo del Diseño Gráfico

Laboratorio matemático de logotipos

2008-10-23T06:00:00.001-07:00

Cuando uno, como diseñador gráfico, realiza un logo o marca gráfica describe su realización y significados en el manual de imagen corporativa.

Pero en este caso, en Logologos dieron su propia descripción sobre como se lograron algunos logotipos conocidos por todos. Obviamente con un toque de humor.

Y este que fue el que me mató de la risa por todos los elemento usados:

Via: Viviendo el Diseño Gráfico

Lo que se necesita para ser creativo publicitario

2008-10-23T06:00:00.000-07:00

En Cólicos Creativo nos recomiendan un vídeo donde tres "tipos" nos dicen que se necesita para ser creativo y poder sobrevivir en el rubro de la publicidad.

Me gustaron los consejos de Manuel Ruiz sobre todo cuando dice "La paga que vas a recibir es Sangre, Sudor y Lágrimas por que hay mucho Ego" y yo creo que esto, esta bien latente en Honduras en las agencias publicitarias, si no es así ustedes disculpen.
Ser tolerante a la frustración, alimentarse bien: tanto visualmente como gastronómicamente, educarse y saber como funciona la gente; Son algunas de las claves.

Los 3 "tipos" son: Héctor Fernández (Vice Presidente Creativo de BBDO México), Diego González (Director General Creativo de Diagonal/TBWA) y Manuel Ruiz (Vice Presidente Creativo de Euro RSCG Beker)

Via: Viviendo el Diseño Gráfico y Cólicos Creativo

Cacahuates Gigantes

2008-10-22T06:00:00.002-07:00

Vía: Frederiksamuel.com

Publicidad Explícita

2008-10-22T06:00:00.001-07:00

La creatividad sinceramente me arrancó una imperiosa risa que se mantuvo ejecución a ejecución, y aunque en la mayoría de los países tendría cierto baneo debido a las imágenes que propone, parece que en Bélgica (de donde es originaria la Agencia Troy que realizó esta campaña) la gente es mucho más abierta y tolera el firme trabajo que se realiza en aquel país.
Me dio risa la de Bill Gates y la de Arnold Schwarzenegger. Finalmente y como un buen deseo, sólo espero que los Directores de Arte y demás involucrados no hayan acabado con un trauma después de esta campaña. Si es así la gráfica, ya me imagino cómo será la televisión.

Via: Cólicos Creativos

PsLatino.com

2008-10-22T06:00:00.000-07:00

Actualmente soy miembro casi activo de la pagina de photoshopers que va en aumento día a día, la dinámica de la pagina es sencilla: demostrar tu talento, ingenio, manejo y creatividad con las herramientas de Photoshop y el manejo de tu cámara fotográfica.

Aca les dejo una breve descripcion de su creador Kirvin "Skorpion" Torres:
Pslatino.com es una comunidad creativa que agrupa a Photoshopers, fotógrafos e ilustradores latinos en un intento por resaltar nuestro talento artístico.

Si eres latino y eres un fiebrú del Photoshop o simplemente un amante del arte digital.... este portal es para ti. Unete y abre una cuenta gratuita para que disfrutes al máximo de todos los beneficios de este tu portal del Photoshop.

Retoques con Photoshop

2008-10-21T07:00:00.000-07:00

Probablemente esta campaña publicitaria de PlayStation 2 la han visto varias veces pero siempre me gusta la creatividad que presentan:

Via: Blog Diseño Gráfico

Illustrator 88

2008-10-21T06:00:00.000-07:00

Diseño Web: Cómo hacer una cotización profesional

2008-10-20T06:00:00.000-07:00

Los verdaderos diseñadores Web nunca lo han tenido fácil. A la gran cantidad de conocimientos que deben dominar -que van desde tecnicismos XHTML hasta nociones de usabilidad- se suma la continua incomprensión por parte de los clientes sobre la valoración de su trabajo.

Y ojo, que no hablo sólo de la típica (e irritante) noción de que los diseñadores son profesionales a cargo de “hacer monitos”. Me refiero a esos presupuestos miserables que usualmente se asignan a un proyecto Web, impidiendo al diseñador realizar su trabajo como es debido… e incluso ganarse la vida.

Propuestas por 20 mil pesos (40 dólares), folclóricas ofertas de trueque (el sitio, por un año de sabrosalsa Deyco), generosas propuestas de asociación (hagamos el sitio y cuando genere ganacias te doy el 20%) e incluso la desestimación total para encargar el desarrollo al sobrino del dueño de la empresa quien “algo le pega”, son sólo algunos lugares comunes que sonarían a insulto para un ingeniero, médico, abogado o arquitecto.

Pero lejos de convertir este artículo en uno de esos interminables -e inútiles- muros de lamentos, quiero invitarlos a hacer una autocrítica. Porque apartando a los amarretes crónicos, siempre he percibido que el problema central es la desinformación del cliente.

Desinformación que le lleva a pensar que diseñar un sitio Web es un trabajo similar a construir una presentación en PowerPoint (que claro, él hace con un par de clics). Desinformación que le hace ignorar el trabajo previo al desarrollo, e incluso a factores como estándares, compatibilidad, usabilidad, accesibilidad o indexación que deben estar presentes en todo proyecto.

¿Cómo sabe el cliente cuánto vale en realidad el trabajo si no se lo informamos?

Precisamente, un elemento crucial en esta labor es la cotización de servicios, que ya muchas veces he visto como una burda hoja con valores y una firma garabateada. Recuerden que, parafraseando a Plutarco, no basta con que el diseñador sea profesional: también tiene que parecerlo.

Por eso quiero compartir con ustedes el modelo de cotización que desarrollé durante los años. No podría presumir de que sea perfecta, pero puede darles ideas para mejorar su posición frente a un potencial cliente e incluso evitar malentendidos desagradables… que yo sufrí con la experiencia.

Mi modelo de cotización tiene 7 secciones. Desglosemos paso a paso:

1. PRESENTACIÓN

Exclusivamente por protocolo, toda cotización debería comenzar con una breve presentación del diseñador o de la empresa. Es probable que el cliente ni siquiera se moleste en leerla, pero así como toda reunión de negocios comienza de forma inevitable charlando sobre el clima o la familia, ayuda a no comenzar en seco con los datos duros.

En esta sección no duden en agregar algo de parafernalia, puesto que la idea final es venderse como profesional. Por ejemplo, este es el texto que introduce mis cotizaciones:

Estimados Señores Empresa Juanito Pérez S.A.:

Bienvenidos al mundo de la comunicación digital. Les agradecemos el considerar nuestros servicios para desarrollar un sitio Web que no sólo sea versátil, atractivo y de calidad, sino que se convierta en un verdadero nexo de interacción con sus clientes.

En XXXXXXXX evaluamos cada proyecto detenidamente y proponemos las soluciones integrales más adecuadas para sus metas. Por ello nos complace presentar a usted la siguiente cotización, basada en sus requerimientos, nuestra experiencia y los ejemplos aportados tras una investigación por otros sitios Web relacionados a su campo, incluso pertenecientes a distintas geografías.

Queremos recordarle que la presente es nuestra propuesta general, así que por favor siéntanse en la libertad de hacer las sugerencias que estimen convenientes. ¡Las ideas de nuestros clientes son un pilar fundamental de nuestro trabajo!

Como para emocionarse, ¿eh?

2. OBJETIVOS COMUNICACIONALES

Cualquier proyecto Web a desarrollar debe tener sus propósitos bien definidos. Si esto no está claro antes de comenzar el diseño, difícilmente el sitio tendrá éxito. Sería como lanzarse a construir un edificio sin saber si será un hotel, una clínica, una torre residencial o de oficinas.

Antes de enviar tu cotización, ten una conversación preliminar con el cliente y define claramente los objetivos que persigue. Algunos de los más frecuentes son:

Ofrecer información sobre productos o servicios.
Realizar ventas en línea vía tarjeta de crédito.
Realizar trámites en forma electrónica.
Promover una actividad o evento.
Captar socios para una organización sin fines de lucro.
Captar miembros para un partido o campaña política.

Un sitio puede tener más de un objetivo (pero cuidado, porque algunos son incompatibles y exigirán crear más de un sitio). Luego, al presentarlos, estos deben personalizarse según cada empresa o institución. Por ejemplo, los objetivos que describí para el sitio Web de un museo local fueron:

A) Difundir la exhibición y actividades del Museo X.
B) Incentivar al público para visitar el recinto.

De igual forma, los objetivos que definí para una empresa de insumos de computación fueron:

A) Informar sobre los beneficios y el uso de los productos.
B) Promover las ventas.
C) Prestigiar y difundir la marca X.

Nunca se desliguen de estos objetivos. Ellos son la carta constitucional del sitio Web a desarrollar y serán el patrón para medir su posterior éxito o fracaso.

3. ESTRUCTURA DEL SITIO WEB

La estructura es la columna vertebral del sitio Web, detallando con precisión qué secciones o servicios tendrá y cuál es la finalidad de cada uno en pos de los objetivos comunicacionales.

Se divide en 3 partes: secciones (regularmente documentos o contenidos multimedia con información), servicios (herramientas a disposición del usuario, o bien del cliente para uso interno) y adicionales (servicios o desarrollos opcionales).

Ejemplifiquemos las secciones con éstas, extraídas de la cotización a la empresa de insumos:

3.1 SECCIONES

A) Empresa
Historia de la empresa, noticias y proyecciones futuras.

B) Catálogo de Productos
Catálogo completo de los productos disponibles, con imágenes, texto, infografías y/o animaciones.

C) Compra de Productos
Formas de adquirir productos, información sobre pagos y facturación.

D) Locales
Ubicación de locales comerciales y su horario de funcionamiento.

E) Consejos de utilidad - Blog
Cada mes se agregan consejos y datos útiles para el uso de los productos comercializados por X. Esto atrae a los visitantes y los educa en sus compras, aumentando su grado de satisfacción. La mantención de esta sección se puede realizar por los propios empleados o bien incluirse en los costos de actualización mensual.

F) Pregunta a nuestros expertos - Blog
Servicio de consulta donde se seleccionan mensualmente preguntas de los clientes sobre el mejor uso de los productos. La mantención de esta sección se puede realizar por los propios empleados o bien incluirse en los costos de actualización mensual.

Mientras, para la cotización del museo, sugerí los siguientes servicios:

3.2 SERVICIOS

A) Contador y Estadísticas
Conozca cuántas personas visitan diariamente el sitio web del Museo, qué días, en qué horarios e incluso de qué país provienen.

B) Motor de Búsqueda
Ofrezca a sus visitantes la posibilidad de encontrar la información que necesitan rápidamente.

C) Libro de Visitantes
Quienes lo hayan visitado dejarán sus opiniones y sugerencias para que tanto usted como otros visitantes las lean. Ideal para incentivar a otros a asistir al Museo. La revisión puede realizarse por los empleados o incluirse en el precio de actualización mensual.

D) Formulario de Contacto
Sus visitantes podrán comunicarse con usted en forma rápida y cómoda para hacerle llegar sus comentarios, felicitaciones, críticas o sugerencias; todo a las direcciones de e-mail que usted especifique. De igual forma, puede habilitarse la inscripción de delegaciones.

Por último, los adicionales representan una posibilidad estratégica de subir el presupuesto de un sitio Web, mientras el cliente mantiene la posibilidad de rechazarlas si desea limitar su inversión.

Incluye en ellas secciones o servicios que no son cruciales para concretar los objetivos comunicacionales, pero que podrían servir de apoyo, como traducciones o capacitación.

Volvamos a la cotización del museo:

3.3 ADICIONALES

A) Traducción completa al inglés
La mejor forma de proyectar sus logros al extranjero, atraer turistas interesados en el tema y establecer lazos de cooperación internacional.

B) Servicio de actualización
Incluye la actualización mensual de las secciones de entrevista y artículo del mes, así como de los valores, horarios y agenda de exhibiciones.

Tres puntos importantes:

1. El servicio de actualización debe estar cuidadosamente especificado. Es muy fácil que los clientes lo confundan con un trabajo de mantención a tiempo completo y uno acabe construyendo secciones nuevas o renovando 100 páginas de contenidos.

2. Consideren que en algunos casos será necesario contratar a profesionales de apoyo, como por ejemplo para redacción, diseño, programación o traducciones, según sea tu propia disciplina.

3. Ojo con prometer más de lo que se está en condiciones de realizar de acuerdo al presupuesto disponible. Recuerden que la cantidad de secciones y servicios comprometidos irá en directa relación a la amplitud del sitio.

4. DESARROLLO Y PLAZOS DE ENTREGA

En este apartado se debe detallar brevemente cuánto tomará la construcción del sitio, así como en qué consistirá cada etapa. Es doblemente importante pues por un lado te ordenará tanto a ti como al cliente en los plazos, además de educarlo respecto al proceso de desarrollo.

Aquí se demuestra por qué cobras lo que cobras. ¡No la desaproveches!

Como muestra, el plan de desarrollo del museo:

1º ETAPA: PROPUESTA GRÁFICA / PLAZO : 2 SEMANAS

Creación de bocetos del sitio Web (dos como mínimo), con distintas propuestas gráficas a elección. Los diseños se presentan como imágenes JPG no funcionales. Tras la aprobación del cliente se procede a la siguiente etapa.

2º ETAPA: DESARROLLO DEL SITIO WEB / PLAZO : 6 SEMANAS

Elaboración de todas las secciones del sitio Web, así como de las imágenes y animaciones. Se digitalizan y editan los elementos multimedia. Se programan los servicios interactivos – como formularios, foros u otros. Se configuran las bases de datos. Se integra todo el contenido disponible.

3º ETAPA: EVALUACIÓN Y CORRECCIONES / PLAZO : 2 SEMANAS

El sitio Web terminado es sometido a pruebas y a la evaluación del cliente. Se corrigen eventuales errores y modifican aspectos a solicitud del cliente. Se integra el contenido restante de la etapa anterior. Finalmente se entrega el sitio Web listo para su publicación en Internet.

TIEMPO TOTAL ESTIMADO: 10 SEMANAS.

Al planificar el desarrollo, toma en cuenta 4 puntos:

1. Los plazos varían dependiendo de la complejidad del sitio. Evalúa bien.

2. Siempre es recomendable considerar un par de semanas extra en caso de surgir uno de aquellos imprevistos que tanto deleitan a Murphy. Por otro lado, si todo sale bien y acabas antes del tiempo fijado, te granjearás fama de eficiente.

3. Existe una discusión abierta respecto de la conveniencia o no de presentar dos alternativas gráficas. No la abordaré aquí por razones de espacio, pero un buen consenso parece ser la presentación de 1 maqueta en proyectos sencillos y 2 en los más complejos.

4. Si se trata de un proyecto grande donde debas interactuar con otros profesionales o empleados de la empresa, será mejor reemplazar estar sección por una carta Gantt. Mis condolencias.

5. FORMATO DE ENTREGA

Más que una propuesta, se trata de especificar cómo entregarás los archivos (por ejemplo, en un CD o subiéndolos directamente al sitio Web del cliente), al tiempo que es otra oportunidad para informar sobre tus aptitudes profesionales.

Por cierto, en esta sección también debes abordar el tema de los archivos fuentes (como los .FLA de Flash). Las opciones son entregarlos, cobrar un recargo por ellos o advertir que no se entregarán, pero no recomiendo dejar el tema en suspenso. Puede acarrear consecuencias desagradables.

Mis condiciones de entrega:

El desarrollo se entregará en los formatos correspondientes a cada archivo (HTML, imágenes, audio, video, animaciones Flash u otros) en un CD o DVD, además de subirse directamente al sitio Web. Además se incluirán los archivos fuente de las animaciones Flash (.FLA).

Todos nuestros trabajos se rigen según los estándares de usabilidad y accesibilidad para discapacitados actualmente en vigencia según organismos internacionales como el W3C (www.w3c.org), cumpliendo también las exigencias técnicas para adaptarse sin problemas a resoluciones de 800×600 pixeles o superiores, las directrices que mejoran su posicionamiento en motores de búsqueda y compatibilidad con los principales navegadores actualmente en uso (Internet Explorer, Mozilla Firefox y Opera).

Que se note que no estamos “haciendo monitos”.

6. VALORES Y FORMA DE PAGO

Y llegamos a aquel espinudo tema. Confiando en que todos los datos aportados anteriormente bastarán para convencer al cliente de que ofrecemos un servicio que vale lo que cuesta, presentaremos el detalle de nuestros servicios:

· VALOR DEL SITIO WEB : $ ______ + IVA.
· VALOR ADICIONALES : $ ______ + IVA.
· VALOR TOTAL : $ ______ + IVA.

· VALOR DE LA ACTUALIZACIÓN :
· $ ______ + IVA por mes.
· $ ______ + IVA por 12 meses.

Noten 2 puntos:

1. En caso de entregar factura como empresa, siempre especifiquen los valores sin IVA. La mayoría de las instituciones lo descuentan, así que esto les permitirá aparentar un valor menor. Esto no rige cuando se entrega boleta de honorarios.

2. Cuando consideren el servicio de actualización, fijen un monto mensual en caso de que se les requiera de vez en cuando y uno menor (proporcional, se entiende) si los contratan por 1 año. Puede ser el inicio de una hermosa -y lucrativa- amistad…

Adicionalmente, en este punto deben especificar las condiciones de pago… tema que no se puede ni debe dejar en el aire.

Por experiencia propia y de amigos diseñadores, JAMÁS -sin importar el prestigio del cliente- fijen todo en un solo pago al final del trabajo. Existen mil razones por las cuales un cliente puede desistir de sus servicios o incluso dejarlos impagos.

Lo más razonable es fijar uno o dos porcentajes de pago entregados contra avances. Por ejemplo, se puede cancelar un 30% al entregar una primera versión funcional o, como yo suelo proponer, un 20% al terminar la primera etapa de desarrollo, un 60% en la segunda y un 20% tras la tercera.

Desde luego, estas cifras dependerán de su capacidad de negociación y la confianza que tengan en el cliente, pero insisto: nunca se fien a un solo pago final.

7. CONDICIONES DEL SERVICIO

Én esta sección es su deber preveer todas las condiciones que pudieran provocar roces con el cliente y advertirlas antes de comenzar el trabajo. En cierta forma son cláusulas que el cliente acepta cuando contrata sus servicios.

Por ejemplo, mis cotizaciones siempre llevan esta condición:

Es responsabilidad del cliente la entrega oportuna de los contenidos a incorporar dentro del sitio web, excepto que en la negociación se delegue en XXXXXXX su desarrollo como parte del servicio.

Como adivinarán, se debe a que un problema típico con los clientes son sus atrasos en la entrega de material (textos, fotos u otros), los que de redundar en un atraso del proyecto no pueden cargársenos a nosotros.

Antiguamente incluía una cláusula donde advertía que todos mis trabajos incluían un vínculo en la portada hacia mi sitio Web (el típico “diseñado por”), sin embargo esta práctica quedó obsoleta hace años.

Pueden concluir con un mensaje amigable como este:

Esperamos que la presente cotización haya cubierto sus expectativas. Para cualquier consulta adicional puede contactarse con nosotros en la casilla info@agencia.com o directamente al teléfono (XX) XXX XXXX.

Le saluda afectuosamente,
Pedro Soto - Diseñador Web

3 consideraciones finales:

1. En Chile y salvo que se trate de proyectos con empresas grandes, es muy raro que se firme un contrato por servicios de desarrollo. En estos casos, asegúrense de que el cliente lea esta cotización y la firme, dejando una copia en poder de él. Es garantía para ambos.

2. Cuando presenten los avances, busquen entenderse con sólo un representante de la empresa. Entre más ojos deban aprobar u opinar sobre el sitio, más se entorpecerá el proceso de desarrollo, incluso al punto de darles instrucciones contradictorias.

3. Por último y como sé que algunos de ustedes son muy vagos, aquí tienen una cotización tipo que pueden editar en formato ODT o ver en formato PDF. Si la utilizan obviamente no les pediré que me mencionen como autor, pero si les toca comentarla, les agradeceré un vínculo a este artículo.

Via: www.elfrancotirador.cl

Photoshop CS4

2008-10-17T06:00:00.001-07:00

Que es eso que esta por los cielos? Un avion? Superman? Un cohete?. Por supuesto que no, es el !Adobe Photoshop CS4¡, algo esperado por muchos diseñadores y creativos del mundo cibernautico.

Al parecer viene con sorprendentes novedades y herramientas, osea viene con todo, te coloco las mejoras destacadas que contiene:

* Filtros inteligentes
* Herramientas de selección rápida y definición de bordes
* Capacidades avanzadas de composición
* Creación de composiciones y edición de texturas en contenido 3D**
* Pintura de películas

* Herramientas de medida 2D y 3D
* Interfaz dinamizada
* Mejor procesamiento de imágenes sin formato
* Punto de fuga mejorado con compatibilidad con 3D
* Compatibilidad mejorada con HDR de 32 bits

Via: psdcreativo.com

45 Reglas para diseñar un gran Logo

2008-10-17T06:00:00.000-07:00

Esta es la traducción LIBRE de un artículo publicado en TannerSite.
Algunos dirán que las reglas se hicieron para romperlas, pero primero hay que conocerlas.

1. No utilizar más de tres colores.
2. Elimina todo lo que no sea absolutamente necesario.
3. La tipografía debe ser fácil de leer, aún para personas de la tercera edad.
4. El logo debe reconocerse al instante.
5. Crea una forma única para el logo.
6. Ignora completamente lo que tus padres o espos@ piensan acerca del diseño.
7. Confirma que el logo sí convence a más de tres personas.
8. No combines elementos basados en logos populares y digas que es un trabajo original.
9. No utilizar clipart bajo ninguna circunstancia.
10. El logo debe verse bien en blanco y negro.
11. Debe ser reconocido cuando se invierta.
12. Se debe reconocer a diferentes tamaños.
13. Si el logo contiene un icono o símbolo en conjunto con un texto, posicionarlos de forma que se complementen uno a otro.
14. Evitar modas pasajeras en diseño de logos. En su lugar crea un diseño que perdure.
15. No abusar con efectos especiales, como gradientes, sombras, reflexiones, rayos de luz, motivos florales, etc.
16. Contener el formato del logo en un cuadro o círculo, evitar formatos indescifrables.
17. Evitar detalles intrincados.
18. Considerar los diferentes lugares y formas donde se presentará el logo.
19. Invocar la sensación de ser fuerte, único y con presencia, en lugar de común y débil.
20. Darte cuenta que no crearás un logo perfecto.
21. Utilizar formas agudas para empresas directas y formas suaves para compañías más amigables.
22. El logo debe tener una conexión directa a lo que representa.
23. Una fotografía no hace un logo.
24. Debe sorprender a los clientes con su representación.
25. No usar más de dos tipografías.
26. Cada elemento del logo necesita estar alineado hacia la izquierda, centro, derecha, arriba o abajo.
27. El logo debe mostrarse sólido, no como algo sin terminar.
28. Debes saber quienes van a ver el logo antes de comenzar la lluvia de ideas.
29. Escoger siempre la función sobre innovación.
30. Si el nombre de la marca es memorable, ese debe ser el logo.
31. El logo debe reconocerse cuando se lee de izquierda a derecha o viceversa.
32. Aún grandes compañías necesitan logos pequeños.
33. A todos les debería gustar el diseño del logo, no nada más la compañía que lo utilizará.
34. Crea variaciones. Mientras más variaciones más posibilidad de que salga un logo que funcione.
35. El logo debe mantenerse consistente en diferentes plataformas.
36. Un logo debe ser fácil de describirlo.
37. No utilizar frases promocionales dentro del logo.
38. Trazar las ideas con lápiz y papel antes de trabajarlas en computadora.
39. Mantener el diseño simple.
40. No utilizar más el”swoosh” o símbolos del mundo.
41. El logo no debe distraer.
42. debe ser honesto en su representación.
43. El logo debe contar con un balance visual.
44. Evitar colores super-brillantes, colores neón o colores sin fuerza.
45. El logo no debe romper ninguna regla ya mencionada o por lo menos saber que así lo estás haciendo.

Via: blogvecindad.com

Creación de Ideas

2008-09-26T07:00:00.000-07:00

Todo proyecto en Diseño Gráfico es diferente, con infinidad de posibilidades. Eso hace que cada persona lo resuelva con una palabra mágica: creatividad. En ella se combinan las vivencias, conocimiento, personalidad, experiencia, etc. El resultado es único, porque cada idea se forma buscando diferentes caminos.

El proceso en la creación de ideas no es de ninguna forma algo racional o lógico, es un ejercicio de intuición, exploración, una mente abierta a la apreciación y observación. La creación de ideas enriquecerá nuestra inspiración con un punto de vista diferente y pensamientos novedosos.

La búsqueda de ideas puede ser algo “intimó donde se encontrará un balance positivo entre la confianza de combinar las ideas propias y las necesidades de otras personas. En el proceso creativo debemos luchar contra el ego. Si el ego es muy frágil, nos asaltará el pensamiento de fallar, reprimiendo la creatividad. Por otro lado si el ego del diseñador está sobre valorado puede tratar de imponer sus ideas, sin tomar en cuenta si la solución ayudará a resolver las necesidades del cliente.

La creatividad requiere que seamos lo suficientemente fuertes para defender nuestra ideas, pero también debemos aprender que las ideas se desarrollarán en comunicación con otras personas.
Así conquistaremos nuestro miedo a fallar, encontrando inspiración en combinación al conocimiento y habilidades técnicas, todo eso en comunicación con otras personas.

Vía BlogVecindad

Proceso del Diseño Gráfico

2008-09-25T06:00:00.000-07:00

Para negar o ir en contra de una regla de Diseño Gráfico por lo menos debemos saber a qué se refiere esa regla.
¿En realidad qué es lo que debemos saber acerca del método de diseño para llegar a entenderlo como un proceso indispensable?

Pueden existir infinidad de métodos de Diseño, cada proyecto nos enfrenta a nuevos retos, ningún trabajo es el mismo que otro. Pero podemos comenzar cada proyecto con unas cuantas guías generales y desde allí movernos a lo particular.

El método de diseño se puede dividir en 5 partes:
Orden
Descubrimiento
Diseño
Desarrollo
Aplicación

Orden
El orden puede tener dos aspectos el primero es concentrarse en el proyecto; el segundo es el compromiso de seguir un método de diseño.
El concentrarse significa escuchar nuestra intuición al buscar nuevas ideas o soluciones alternas y escuchar las necesidades y o deseos del cliente. El compromiso es tener paciencia para encontrar la solución ideal del proyecto, completar la búsqueda de cada solución y complementar con una auto crítica en cada paso del proceso.

Descubrimiento
Debemos saber acerca del proyecto, conocer la compañía, su gente, productos y servicios, diseño anteriores, reputación, estudios de mercado, premios, alianzas y sus competidores.

Desarrollaremos nuestro método propios de aprendizaje, crearemos cuestionarios, utilizaremos sus productos o servicios, cuestionaremos a su competencia o a las personas que saben de ellos.

Diseño
El diseño combina una habilidad casi instintiva para reconocer y crear patrones creativos, formula metas y crea estrategias para lograrlas. No se debe temer a la “idea en blanco” si se conoce al cliente y lo que hace seguramente tendremos algo para empezar.

El diseño comienza con una idea, ésta idea se adaptará a las metas deseadas y las circunstancias actuales. Para comenzar se encontrará la estrategia a seguir y lograr lo que el cliente pretende, ya sea expandir el mercado, afianzar una marca o iniciar un producto.

El estudio de la empresa determinará la forma de desarrollo y nos dará ciertas claves visuales. Hablamos del presupuesto y tiempo de entrega. Los elementos de diseño pedirán una cierta tipografía, colores, formas y texturas.

En nuestro tiempo es imprescindible la comunicación y trabajo en equipo. Tendremos pláticas con la gente envuelta en el proceso, con el cliente, fotógrafos, ilustradores, programadores, buró de servicio, departamento de marketing, etc.

Tarde o temprano llegará el momento en que las decisiones de diseño recaerán solo y exclusivamente en el diseñador. Se crearán bocetos de algunas ideas. Algunos funcionarán otros no, pero ese ejercicio nos llevará a diferentes soluciones, que al final se desecharán o escogerán.
Buscaremos un ambiente que nos inspire, estimule y relaje. Estaremos inmersos en nuestro trabajo, buscaremos referencias visuales, así como referencias externas como el cine, los libros, el teatro, la naturaleza, etc.

Al irse desarrollando los bocetos se crearán patrones en nuestro pensamiento visual. Seguiremos esas ideas hasta el final, trabajaremos en cada una para llegar a la solución ideal. En algún momento se dirigirán a soluciones dramáticamente opuestas, cuando la idea lo amerite. Se buscarán soluciones alternas como girar los objetos a 45 grados; utilizar un acercamiento extremo; virar los colores a sus complementarios; cambiar de una tipografía con patines a sin patines o ajustar el tamaño del formato.
Con eso queremos decir que no hay que ser pasivos en la búsqueda de propuestas, al fin y al cabo si las primeras opciones valían la pena regresaremos a ellas.

Desarrollo
En ésta etapa todas las ideas, estrategias y elementos de diseño comienzan a tomar forma, interactuando como unidad visual. Es gratificante ver que el proyecto está trabajando en forma correcta. También nos presenta nuevos retos, es aquí donde la jerarquía visual requiere de una prueba crucial, donde el proyecto logra sus metas de comunicación o no.

Se deben tomar decisiones de cual elemento es primero, segundo o tercero; ¿la composición está trabajando para destacar uno u otro objeto?; ¿la imagen principal está bien representada?; ¿la ilustración o fotografía dice lo que debe decir acerca del producto o servicio?; ¿el mensaje satisface las necesidades del cliente?
No estamos hablando de si nos “gusta” o no, estamos hablando de una decisión crucial, de la diferencia entre si el usuario final entiende el mensaje o se queda a medias.
Nos tenemos que preguntar: ¿funciona el mensaje en el diseño¿ y si no funciona preguntarnos por qué no está trabajando. Enfrentar el reto, revisar los componentes del mensaje y componerlos.

Aplicación
En todo momento del proceso de diseño tenemos que contactar a los impresores, el buró de servicio, al webmaster, etc. Con el fin de evitar problemas de compatibilidad, especificaciones técnicas, tiempos de entrega, si se va a reproducir en vídeo, CD ROM, en Internet, etc.
Ellos al ser profesionales en su medio les gustará que los tomemos en cuenta, con eso evitamos llegar al último minuto con un PDF y que no lo sepan o no lo quieran manejar.

Trataremos de crear un diseño lo mejor posible, con eso aprenderemos de cada trabajo. Tenemos que poner atención a cada línea, cada pixel, cada trazo, nos costará un poco más de tiempo, pero la gratificación de que nos vuelvan a contratar será nuestra mayor satisfacción. Nuestra responsabilidad es crear algo profesional, muy pocos nos pagarán por nuestro “Arte” nos pagará por nuestro tiempo, nuestras ideas y nuestra dedicación.

Vía BlogVecindad

Cansados de ver publicdad exterior

2008-09-24T07:00:00.001-07:00

Vista; En realidad NUNCA funciono

2008-09-24T07:00:00.000-07:00

Excelente Publicidad

2008-09-23T07:00:00.002-07:00

Siempre me gusto es anuncio...

Dia Mundial del SIDA

2008-09-23T07:00:00.001-07:00

Publicidad de Microsoft

2008-09-23T07:00:00.000-07:00

Anuncio de DHL

2008-09-22T07:00:00.001-07:00

Memorias Kingston

2008-09-22T07:00:00.000-07:00

Things Are Easier With a Great Memory. Las cosas son mas fáciles con una gran memoria

Logotipo de Google Chrome

2008-09-19T21:44:00.000-07:00

Parece de estos elementos se inspiraron para sacar el logo del nuevo navegador de Google: Chrome

Fuente: http://www.flickr.com/photos/cole007/2824810438/

Álex Trochut

2008-09-18T07:00:00.001-07:00

Si hablamos de tipografía actual en Cataluña estamos hablando de Álex Trochut. Este joven barcelonés se ha convertido por méritos propios en el futuro de la tipografía catalana con su buen hacer y un estilo que no se aprende en ninguna escuela.

Para ser un diseñador con el gusto con que Álex trata la tipografía solo hay dos requisitos, llevarlo en los genes y mamarlo desde pequeño, y eso Álex Trochut lo tiene, nieto de Joan Trochut, creador entre otras de SúperTipo Veloz y uno de los mejores tipógrafos de mediados del siglo pasado, Álex tenia un poquito más fácil que el resto de mortales llegar a hacer historia con los tipos y parece que de momento no esta decepcionando.
Para rematar esta suerte genética, Álex estudio en Elisava, una de las grandes escuelas de diseño de Barcelona y si con eso no había suficiente empezó trabajando en Vasava Artworks, uno de los mejores estudios españoles, donde la experimentación, la innovación, incluso la transgresión son el pan de cada día.
A día de hoy trabaja con clientes de la talla de Nike, Rolling Sones, British Airways, The Guardian, La Vanguardia.
En definitiva, todo un portento que gracias a su corta edad aún tiene que sorprendernos con mil y un trabajos.

Via: Ateneupopular.

Jan Tschichold (1974)

2008-09-18T07:00:00.000-07:00

Jan Tschichold (pronunciado /chíjold/; 1902-1974), tipógrafo, fue el autor de la obra Die neue Tipographie (La nueva tipografía) que sentó las bases de tipografía actual, siendo, posiblemente, el libro más famoso sobre tipografía del siglo XX.
En 1960 la casa fundidora Linotype encomendó a Tschichold la responsabilidad de crear un tipo de letra que pudiera utilizarse tanto en monotipia como en linotipia.
El estilo tenía que ser parecido al Monotype Garamond pero más estrecho en un 5% para de esta manera poder ahorrar espacio. Fue así como surgió la letra Sabon, uno de los principales tipos desarrollados por Tschichold.

Hablando de Diseño

2008-09-17T07:00:00.002-07:00

Imagen con las marcas que usan la tipografia Helvetica:

Arthur Eric Rowton Gill (1940)

2008-09-17T07:00:00.001-07:00

Arthur Eric Rowton Gill conocido como Eric Gill (Brighton, Sussex; 22 de febrero de 1882 - †Uxbridge; 17 de noviembre de 1940); tipógrafo y escultor británico, mejor conocido por su aportación en el campo de la tipografía, donde creo su famosa familia de tipos Gill Sans.

Tipografías creadas por Eric Gill

Gill Sans (series 231 - 1928)
Perpetua (1929)
Solus (1929)
Golden Cockerel Roman (1930)
Joanna (Hague & Gill - 1930)
Bunyan (1934)

Gill empezó a estudiar en la escuela de Arte de Chichester a la edad de 17 años, luego continuó sus estudios en la Central School of Arts and Crafts en Londres, donde fue alumno del tipógrafo y calígrafo Edward Johnston.
Gill solía hacer trabajos arquitectónicos y de escultura además de crear portadas para diversos libros con base al grabado en madera.En 1906 se casa con Ethel Moore; él y su familia se mudaron a una comunidad de artistas en Ditchling, Sussex.En 1914 Gill conoce a Stanley Morison, con quien colabora haciendo trabajos en la editorial Burns & Oates.
Durante 1925 Morison se encontraba trabajando para Monotype como consejero tipográfico, fue entonces cuando éste se acerca a Gill para así crear una nueva tipografía, a pesar de que éste último decía que su conocimiento en tipografía era nulo y que no formaba parte de su campo laboral.
Después de un largo periodo de trabajo, Gill creó su primer tipo al cual se le conoce como Perpetua, que en 1929 fue editada por Monotype.
En 1931 Gill publica su libro Essay on Typography en el cuál utiliza su propio tipo, Joanna. Aquí, Gill describe sus puntos de vista en tipografía y sobre el humanismo en plena era industrial.
Eric Gill fallece el 17 de noviembre de 1940 de cáncer en el pulmón; fue sepultado con una lápida diseñada por el mismo en la cuál especificaba que era un escultor.

Hablando de Diseño

2008-09-17T07:00:00.000-07:00

El próximo 23 de septiembre Adobe anunciara la suite CS4 de Adobe la cual creo no tendrá muchos cambios en su interfaz gráfica así como en sus funciones principales, en la pagina web de abobe esta el link para registrarse y ver a travez de un webcast su lanzamiento en vivo.

Edward Johnston (1916)

2008-09-16T08:09:00.000-07:00

Quizá muchos no conocemos de tipografía por lo que este mes estaremos intentando dar a conocer algunas tipografías y sus creadores...

El día de hoy iniciamos con:

Johnston Underground

Esta legendaria tipografía sin serif fue diseñada por Edward Johnston en 1916 para el sistema de señalización de la London Underground Railways (compañía de metro de Londres) bajo el encargo de Frank Pick. Se caracteriza por la combinación de una gran técnica caligráfica y una nueva sensibilidad tipográfica que rompió con los precedentes sin remate victorianos.
Aplicó rigurosamente el clasicismo formal a las letras anticipándose en varios años a la simplicidad geométrica de los años 20.
Hoy en día se sigue empleando con éxito en el metro de Londres y su identidad visual pasó a formar parte de la historia del diseño.
Aunque nunca fue publicada de forma abierta hasta que la fundición P22 la digitalizó en 1997, fue quizás la tipografía más importante del siglo XX, con una evidente influencia sobre otros tipos como la Futura o la Gill Sans y en grandes tipógrafos como Jan Tschichold.

Hablando de Diagramación

2008-09-16T08:01:00.000-07:00

La Vecindad Gráfica nos muestra con 2 imagenes como era la corrección de texto sacada de un libro de 1987:

Hablando de Diseño

2008-09-16T07:46:00.000-07:00

Andrew Warhola más conocido como Andy Warhol, fue un artista estadounidense nacido el 6 de agosto de 1928 y que falleció el 22 de febrero de 1987. Fue la figura más destacada del movimiento pop art.

Después de una exitosa carrera como ilustrador de revistas y de publicidad, Warhol se hizo famoso en todo el mundo por su trabajo como pintor y cineasta de vanguardia.

Como figura pública es recordado por haber estado vinculado a círculos sociales muy diversos, incluso antagónicos, como la bohemia neoyorquina, reconocidos intelectuales, celebridades de Hollywood o ricos aristócratas.

Fue un personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales.
No en vano, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Fuente: Wikipedia.

Disco Duros Personalizados

2008-08-06T01:02:00.000-07:00

Recuperando el espiritu de Andy Warhol: en un recuerdo del consumismo moderno más icónico.
Meninos Design Studio nos trae estos case de alumino para tus discos duros portables:

Gadgetartpshop

2008-08-05T01:02:00.000-07:00

Aca me tope con el arte y las marcas el Arte Gadget y es muy buen recopilacion:

Uso del Periódico

2008-08-03T01:02:00.000-07:00

En la comuna bloggera de Hazme el Chingado Favor encontre este excelente articulo sobre el uso del periódico
Los periódicos constituyen una herramienta indispensable y de gran utilidad para la gente.
Por ejemplo, ¿acaso ha intentado usted matar un mosquito con un teclado, o castigar al perro en el hocico con la pantalla de la computadora?
Por eso no importa que no lo lea, el periódico será siempre el mejor aliado en todos los momentos de la vida.
A continuación algunos de los usos del periódico:

USOS DOMESTICOS:
1. Madurar aguacates
2. Recoger la basura.
3. Limpiar los vidrios.
4. Envolver el pesebre.
5. Alinear las patas de la mesa coja.
6. Empacar la vajilla en la mudanza.
7. Tapizar la jaula del pájaro.
8. Recoger la mierda del perro.
9. Cubrir los muebles y el piso antes de pintar.
10. Evitar que se meta el agua debajo de la puerta.
11. De protector en el piso de la cochera si el carro gotea aceite.
12. Matar moscas y demás insectos rastreros.
13. En época de crisis Económica: Como papel de baño, aunque algo duro, da el mismo efecto.

USOS EDUCATIVOS:
1. Castigar al perro en el hocico cuando se orina en la casa.
2. Recortar letras y fotos para las tareas de los niños.
3. Elaborar títeres o piñatas.
4. Hacer barcos de papel.
5. Arrancarle en el pedacito en blanco de arriba para anotar números de teléfono.

USOS COMERCIALES:
1. Ensanchar zapatos.
2. Rellenar los bolsos para que conserven su forma.
3. Envolver la carne.
4. Empacar clavos en la ferretería.
5. Hacer un sombrero de pintor.
6. Dar trabajo a voceadores y periodistas.
7. Envolver flores.
8. Cortar moldes de modistas y sastres.
9. Envolver cuadros.

USOS FESTIVOS:
1. Para prender la parrilla.
2. Rellenar los regalos sorpresa.
3. Fabricar el embudo de mago que desaparece el agua.

OTROS USOS:
1. Como cojín en el parque.
2. Hacer bolitas y pegarles a los compañeros de clase.
3. Como paraguas para que la lluvia finita no dañe el peinado.
4. Para que “los malos”, en las películas, escondan el revolver..
5. Como vaina para guardar el machete.
6. Para esconderse detrás de él cuando no quieres que te vean.

Diseño de Logotipo

2008-08-02T01:02:00.000-07:00

Los logotipos por definición son simples; directos; llaman la atención en forma visual; representa a una persona, producto o compañía.
El logotipo debe ser único.
Se puede aplicar a todo objeto utilizado por la compañía, desde tarjetas de presentación, hoja membretada, anuncio publicitario, flota de camiones, productos promocionales, etc.

El diseño del logotipo para una compañía nos lleva a un dilema, porque se pretenderá crear un sentido de dinamismo global así como un sentido conservador dentro de la estructura de la empresa o servicio. Por éste motivo se hace imprescindible la comunicación con el cliente acerca de las necesidades y la interacción con el usuario final.

El diseño es un proceso de colaboración, no casarse con una idea y si tenemos una cierta fijación con alguna línea creativa, defendámosla en forma objetiva, jamás en forma subjetiva.

Diseñar un logotipo es un ejercicio global no local:
Las compañías requieren un logotipo multi-regional, abarcando en forma potencial a diferentes mercados a nivel mundial.

Existen diferentes compañías, organizaciones, instituciones, etc. Todas ellas requieren un diseño diferente, así como también serán los métodos para obtenerlos.
No es lo mismo Un logotipo institucional, uno para una pequeña o mediana empresa, organización sin fines de lucro o cultural.
Si es una pequeña empresa se debe tomar en cuenta la expansión de la misma, en el futuro puede abarcar diferentes mercados.

Al diseñar un logotipo se debe tomar en cuenta los diferentes medios de distribución, no es el mismo tratamiento de un logo sobre una pluma que uno en 3D para una página web.
En general se utiliza un color Pantone y el negro para trabajos de papelería.

La elección de la tipografía es muy importante, se puede utilizar una fuente que refuerce al elemento gráfico o que sea totalmente opuesto.

Aquí mostramos algunos sitios con ejemplos de logotipos de nuestro entorno:
http://www.logotypes.ru
http://www.visual.gi/logoteca
http://www.brandsoftheworld.com
http://www.lalogotheque.com
Fuente: http://blogvecindad.com/

Areas de Trabajo

2008-08-01T01:02:00.000-07:00

El área de trabajo es importante y mas si trabajas en diseño gráfico, anda a esta pagina y date cuenta de las maravillosas áreas de trabajo con que cuentan lagunas empresas:

ColorJack

2008-07-31T01:02:00.000-07:00

ColorJack es una aplicacion en linea para seleccionar colores dependiendo su posición en la esfera de color, para luego exportarlos facilmente a illustrator, photoshop, sphere, studio o a una url.
Pueden ser similares, complementarios, en seis tonos, etc. visita la pagina

RGB.TXT

2008-07-30T01:01:00.000-07:00

Excelentisima web con colores por nombre rgb y el valor hexadecimal correcto:

http://fugal.net/vim/rgbtxt.html

Identidad Corporativa de RTVE

2008-07-12T01:01:00.000-07:00

El estudio español Summa se ha encargado de darle una manita de gato a la identidad corporativa de Radio Televisión Española por completo, desde los logotipos pasando por la página web, instalaciones, flotilla, papelería, identificación de marca, etc, todo de principio a fin, hasta han adaptado sus interfases para nuevos medios como el iPhone.

En lo personal me parece un buen rediseño de marca, se basa en el la idea de la luz la cuál descomprime todos los colores del espectro, es colorida, redondeada, dinámica.

¿Ustedes que opinan??

Más sobre el Diseño Gráfico

2008-07-11T01:04:00.000-07:00

Diseño gráfico
Introducción
El diseño grafico surgió como disciplina independiente a mediados del Siglo XX. En términos generales se puede definir el diseño como la ordenación, composición, y combinación de formas y figuras, pero también se puede entender el diseño sencillamente el dibujo o conjunto de líneas principales de una cosa, en concreto el diseño grafico debe conocerse como el arte y la técnica de traducir ideas en imágenes y formas visuales.

El diseñador grafico es un artista al servicio de los que le encarguen su trabajo, aunque en la actualidad se ha ampliado enormemente al aumentar los procesos técnicos de reproducción y ser mucho mas satisfactorios.
El artista se puede manifestar como le parezca sin preocuparse ni de la interpretación que se le de a su obra.

Además de la publicidad y los Medios de Comunicación de Masas (MCM) el trabajo del diseñador se ha extendido a campos diferentes como los que tienen que ver con la imagen corporativa, señaletica, empaquetado. Antes de que se pudiera hablar de diseño grafico, existía el arte gráfico, que como un arte menor tomaba de los estilos artísticos, las influencias lógicas que han quedado manifiestas en impresos y libros a lo largo del tiempo.

El diseño gráfico es una profesión cuya actividad industrial está dirigida a idear y proyectar mensajes visuales, contemplando diversas necesidades que varían según el caso: estilísticas, informativas, identificatorias, vocativas, de persuasión, de código, tecnológicas, de producción, de innovación, etc.

También referido como "diseño de comunicación visual", pues la actividad excede el campo de la industria gráfica y los mensajes visuales se canalizan a través de muchos medios de comunicación, tanto impresos como digitales.

Algunas clasificaciones difundidas del diseño gráfico son: el diseño gráfico publicitario, el diseño editorial,el diseño de identidad corporativa, el diseño web, el diseño de envase, el diseño tipográfico, la cartelería, la señalética, el diseño editorial y el llamado diseño multimedia, entre otros.

Su Historia

Se llama diseño gráfico a la transformación de ideas y conceptos en una forma de orden estructural y visual que abarca tanto el arte de hacer libros, periódicos y revistas, como anuncios, embases y carteles.
El termino diseñador gráfico acuñado por el Norteamericano William Adison Dwinggins, no se empezó a utilizar hasta 1922, aunque ya los primitivos sistemas de escritura en columnas o filas revelaban el empleo de una cuadrícula elemental para organizar la página y facilitar la comunicación.
La Revolución Industrial y la aparición de la litografía hicieron del S. XIX (finales) el punto de partida del diseño moderno, por que en esta época aumento de manera espectacular la cantidad de material impreso.
En 1890 en Inglaterra, el artista y escritor socialista William Morris, fundó la Kemscott Press que es una imprenta dedicada a la impresión de libros bien acabados, trato de resaltar la importancia del arte en contra de lo que consideraba la vulgaridad del estilo, y la manufactura de las mercancías producidas en masa. Morris se inspiró en la ornamentación medieval y en las formas vegetales creando diseños naturalistas, barrocos, recargados y formales.

En la época impresionista destaca Toulouse Loutec, pintor (1864 − 1901) famoso por sus carteles sobre la vida nocturna de París, compuestos a partir de siluetas planas y bloques de color como las estampas japonesas, pero organizadas en una composición dinámica. Sus cubiertas para programas y sus litografías
produjeron una revolución en la técnica publicitaria. Fue el primero que concibió un arte en la calle.

(1810 − 1910): El modernismo inglés con Beardsley había hecho un estilo inspirado en composiciones medievales y ultra barroco traducidas a una versión naturalista de líneas ondulantes y asimétricas en Francia dentro del abnobo, destaca la producción de carteles con Guimard (en el metro) que hizo por primera vez una fusión entre las ilustraciones y el propio cartel. Los dos grandes componentes de carteles en este país son, Jules Charet, autor de mas de mil carteles y Alphone Mucha, que llevo el cartel a la perfección máxima.

También dejaron una huella profunda en el diseño gráfico, los movimientos posteriores en cubismo, el futurismo, dad, surrealismo, así como el constructivismo ruso que buscaron ante todo el cambio, rechazando la fluidez de las formas orgánicas y los motivos ondulantes del modernismos, Apolinarire, Morinetti.

En 1919: Apareció muy próxima a todos estos estilos de vanguardia la Escuela de la Banhaus, bajo la dirección del arquitecto Walter Gropius. La Banhaus, se esforzó en unir arte e industria en el convencimiento de que la industrialización ofrecía grandes oportunidades al artista y de que solo las ideas más brillantes justificaban la producción en masa. Con ella prácticamente nace el concepto de diseño y en el diseño grafico se introdujeron tantas ideas innovadoras que su influencia aun se detecta.

1908− 1939: Art. Déco, denominado en su momento Estilo Channel, Estilo Poinet, Estilo Vertical, Estilo Rascacielos, Estilo Jazz, Estilo New Cork. Su nombre actual viene de una exposición en París en 1925.
Como estilo fue muy diverso, se puede decir que superficial, estilizado y lineal orientado al decorativismo.
Fue una búsqueda de la modernidad como expresión del dinamismo de la época y reflejo de lo que la industria aporta a la sociedad. En el aspecto gráfico tiene dos tendencias, una de formas alargadas por influencia del ballet ruso y oriental y otra nacida al amparo de los movimientos de vanguardia: geometría,
yuxtaposición de formas, fragmentación de imágenes, etc.

En el periodo de entre guerras: Destacaron los rotulistas y tipógrafos Stanley Morison y Eric Gill, creadores
de importantes nuevas tipografías como Times New Roman − Gill Sans, perpetúa. También hay que mencionar a Karen Beige, arquitecto muy representativo de la Escuela Checa de Diseño.

Años 50: Los diseñadores suizos desarrollaron el Estilo Tipográfico Internacional (Las Escuelas de Zurich y Basilea). Sus aspiraciones eran la legibilidad y el orden; y para crear sus tipos recurrieron al uso de gráficos matemáticos, reproducciones y fotografías. También fueron dominantes en el campo del cartel, que tenia sus raíces en la Banhaus. Este estilo utilizó rejilla, reglas graficas terminantes y mucho blanco y negro, para obtener estructuras claras. La vanguardia de la creación artística se desplazó de Europa a Nueva York donde se consiguió un tratamiento mas intuitivo y pragmático en el cual lo que importaba era la originalidad. así surge la expresión grafica que combinaba con collage, fotomontaje, caligrafía, símbolos y otros elementos. Destacan Philip Meggs creador de un nuevo estilo de creación, mezcla de surrealismo y expresionismo.

Años 60: Los artistas Pop, reflejaron el surgimiento de una nueva conciencia social y la búsqueda de las formas alternativas de la vida: El Rock, las drogas psicodélicas y los limas, contrarios al sistema, convirtieron en los motivos dominantes de carteles creados para protestar contra la guerra, la represión, el machismo, y otras injusticias sociales. Estos años 60, se caracterizaron por estos elementos símbolos y una idea más universal del diseño. Destaca Andy Warhol y Milton Graser (Pop−Art) y Anthon Beeke (Total Desing).

La explosión actual del diseño, comenzó poco después en Europa y tuvo su prosperidad en el consumo que provocó un aumento masivo de la publicidad de libros, axial como la expansión y la radio. También han colaborado a este desarrollo el avance de las técnicas de impresión y Preimpresión sobretodo en cuanto a la
calidad y economía de la impresión a color. De finales del Siglo XX podemos destacar Olt Aicher (Escuela Ulm), autor entre otras de las imágenes corporativas de Braun, Lufthunsa. David Carson, fotógrafo con diseños basados en imágenes fotografías artísticas y Wolfgrang Weingar, profesor de diseño, autor de carteles espontáneos complejos y caóticos que usaba mucha letterset.

El origen del diseño gráfico

Aunque no existe consenso acerca de la fecha exacta en que nació el diseño gráfico, algunos lo datan durante el período de entreguerras. Otros entienden que comienza a identificarse como tal a finales del siglo XIX. También hay quienes encuentran su origen en las pinturas rupestres del Paleolítico y en el nacimiento del lenguaje escrito en el tercer milenio a. de C.

La diversidad de opiniones responde a que unos consideran producto del diseño gráfico a toda manifestación gráfica y otros solamente a aquellas que se surgen como resultado de la aplicación del modelo de producción industrial; es decir, aquellas manifestaciones visuales que han sido "proyectadas" contemplando un cúmulo de necesidades de diversos tipos: productivas, simbólicas, ergonómicas, contextuales, etc.

Antecedentes

El libro de Kells —una Biblia manuscrita profusamente ilustrada, realizada por monjes irlandeses del siglo IX d. de C.— es para algunos un muy hermoso y temprano ejemplo de diseño gráfico. Para otros, se trata de una manifestación gráfica, de alto valor artístico, de altísima calidad, que incluso sirve de modelo para aprender a diseñar —pues supera en calidad a muchas de las producciones editoriales actuales—, pero no sería producto del diseño gráfico, pues su concepción no se ajusta a la del proyecto de diseño gráfico.

La historia de la tipografía —y por carácter transitivo, también la historia del libro— está muy vinculada a la del diseño gráfico, probablemente porque prácticamente no existen diseños gráficos que no incluyan este tipo de elementos gráficos. De ahí que cuando se habla de la historia del diseño gráfico, también se cita la tipografía de la columna trajana, las miniaturas medievales, la imprenta de Johannes Gutenberg, la evolución de la industria del libro, los afiches parisinos, el Movimiento de Artes y Oficios (Arts and Crafts), William Morris, la Bauhaus, etc."

La introducción de los tipos móviles por Johannes Gutenberg hizo los libros más baratos de producir, aumentando su difusión. Los primeros libros impresos (incunables) marcaron el modelo a seguir hasta el siglo XX. El diseño gráfico de esta época se conoce como Estilo Antiguo (especialmente la tipografía que estos primeros tipógrafos usaron) o Humanista, como la escuela filosófica predominante de la época.

Tras Gutenberg, no se vieron cambios significativos hasta que a finales del siglo XIX, especialmente en Gran Bretaña, se hizo un esfuerzo por crear una división clara entre las Bellas Artes y las Artes Aplicadas.

Entre 1891 y 1896, la imprenta Kelmscott de William Morris publicó algunos de los productos gráficos más significativos del Movimiento de Artes y Oficios (Arts and Crafts), y fundó un lucrativo negocio basado en el diseño de libros de gran refinamiento estilístico, vendiéndolos a las clases pudientes como objetos de lujo. Morris demostró que existía un mercado para los trabajos de diseño gráfico, estableciendo la separación del diseño con respecto a la producción y las bellas artes. El trabajo de la imprenta Kelmscott está caracterizado por su recreación de estilos históricos, especialmente medievales. Biblia manuscrita profusamente ilustrada, realizada por monjes irlandeses del siglo IX d. de C.— es para algunos un muy hermoso y temprano ejemplo de diseño gráfico. Para otros, se trata de una manifestación gráfica, de alto valor artístico, de altísima calidad, que incluso sirve de modelo para aprender a diseñar —pues supera en calidad a muchas de las producciones editoriales actuales—, pero no sería producto del diseño gráfico, pues su concepción no se ajusta a la del proyecto de diseño gráfico.

El siglo XX

El diseño de principios del siglo XX, al igual que las bellas artes del mismo periodo, fue una reacción contra la decadencia de la tipografía y el diseño de finales del siglo XIX. El símbolo de la tipografía moderna es la tipografía sin serifa o de palo seco, inspirada por los tipos industriales de finales del siglo XIX. Destacan Edward Johnston, autor de la tipografía para el Metro de Londres, y Eric Gill.

Jan Tschichold plasmó los principios de la tipografía moderna en su libro de 1928, New Typography. Más tarde repudió la filosofía que expone en esta obra, calificándola de fascista, pero continuó siendo muy influyente. Tschichold, tipógrafos de la Bauhaus como Herbert Bayer y Laszlo Moholy-Nagy, y El Lissitzky son los padres del diseño gráfico como lo conocemos hoy día. Fueron pioneros en las técnicas de producción y en los estilos que se han ido usando posteriormente. Hoy, los ordenadores han alterado drásticamente los sistemas de producción, pero el enfoque experimental que aportaron al diseño es más relevante que nunca el dinamismo, la experimentación e incluso cosas muy específicas como la elección de tipografías (la Helvetica es un revival; originalmente era un diseño basado en la tipografía industrial del siglo XIX) y las composiciones ortogonales.

En los años siguientes el estilo moderno ganó aceptación, al tiempo que se estancaba. Nombres notables en el diseño moderno de mediados de siglo son Adrian Frutiger, diseñador de las tipografías Univers y Frutiger; y Josef Müller-Brockmann, importante cartelista de los años cincuenta y sesenta.

La reacción a la cada vez mayor sobriedad del diseño gráfico fue lenta pero inexorable. Los orígenes de las tipografías postmodernas se remontan al movimiento humanista de los años cincuenta. En este grupo destaca Hermann Zapf, que diseñó dos tipografías hoy omnipresentes Palatino (1948) y Optima (1952). Difuminando la línea entre las tipografías con serifa y las de palo seco y reintroduciendo las líneas orgánicas en las letras, estos diseños sirvieron más para ratificar el movimiento moderno que para rebelarse contra él.

Un hito importante fue la publicación del Manifiesto Lo primero es lo primero (1964), que era una llamada a una forma más radical de diseño gráfico, criticando la idea del diseño en serie, carente de valor. Tuvo una influencia masiva en toda una nueva generación de diseñadores gráficos, contribuyendo a la aparición de publicaciones como la revista Emigre.

Otro notable diseñador de finales del siglo XX es Milton Glaser, que diseñó la inconfundible campaña I Love NY (1973), y un famoso cartel de Bob Dylan (1968). Glaser tomó elementos de la cultura popular de los sesenta y setenta.

Los avances de principios del siglo veinte fueron fuertemente inspirados por avances tecnológicos en impresión y en fotografía. En la última década del mismo siglo, la tecnología tuvo un papel similar, aunque esta vez se trataba de ordenadores. Al principio fue un paso atrás. Zuzana Licko comenzó a usar ordenadores para composiciones muy pronto, cuando la memoria de los ordenadores se medía en kilobytes y las tipografías se creaban mediante puntos. Ella y su marido, Rudy VanderLans, fundaron la pionera revista Emigre y la fundición de tipos del mismo nombre. Jugaron con las extraordinarias limitaciones de los ordenadores, liberando un gran poder creativo. La revista Emigre se convirtió en la biblia del diseño digital.

David Carson es la culminación del movimiento contra la sobriedad y la contricción del diseño moderno. Algunos de sus diseños para la revista Raygun son intencionadamente ilegibles, diseñados para ser más experiencias visuales que literarias.

Una teoría joven en pleno desarrollo

Al tratarse de una disciplina relativamente joven, a quienes enseñan a diseñar y a los propios diseñadores les cuesta ponerse de acuerdo en la mayoría de los temas básicos más relevantes del diseño gráfico. Hasta fines de los años 80 existían muy pocos libros de texto sobre asuntos teóricos. Ya en los primeros años del siglo XXI la cantidad de libros se multiplicó.

El diseño gráfico es interdisciplinario y por ello el diseñador necesita tener conocimientos de otras actividades tales como la fotografía, el dibujo a mano alzada, el dibujo técnico, la geometría descriptiva, la psicología de la percepción, la psicología de la Gestalt, la semiología, la tipografía, la tecnología y la comunicación.

Tendencias y cambio tecnológico

Desde entonces, el diseño gráfico se ha transformado enormemente por causa de los ordenadores. A partir de 1984, con la aparición de los primeros sistemas de autoedición, los ordenadores personales sustituyeron de forma paulatina todos los procedimientos técnicos de naturaleza analógica por sistemas digitales. Esta innovación tecnológica tuvo como primera consecuencia una tendencia hacia la experimentación gráfica y un cierto olvido de los principios comunicativos que estaban en la base del diseño.

Clasificación de productos de diseño gráfico

Relacionando los procesos de producción se pueden agrupar los productos de diseño desde un análisis tecnológico en:

* Etiquetas: las cuales pueden ser frontales, colgantes, de seguridad, envolventes, etc.
* Envases: los más comunes son los rígidos, semirígidos, flexibles y las latas.
* Editorial: generalmente estos productos se clasifican de acuerdo al tamaño de información que disponen en afiches, flyers o volantes, libros, periódicos, revistas, catálogos, CD, DVD, VHS, etc.
* Señalética: incluye señales de peligro, señales de tráfico, señales de banderas marítimas,señales de ferrocarril, entre otras.
* Cartelería: carteles formativos e informativos.
* Identidad corporativa: marcas, iso-logotipo, papelería comercial y fiscal, billetes, aplicación de marca en arquigrafía e indumentaria, gráfica vehicular.
* Folletería: los folletos de acuerdo a su número de páginas pueden ser dípticos (dos páginas), trípticos (tres páginas), etc. También se los puede clasificar en publicitarios, propagandísticos, turísticos, entre otros.
* Diseño tipográfico: tipos sans serif o palo seco, con serif, gestuales, góticas, caligráficas y de fantasía.
* Diseño de instrumentos de mandos: pantallas de relojes digitales, de teléfonos móviles, de cámaras digitales, y otros aparatos.
* Infografía: mapas, gráficos, viñetas, formularios.
* Material didáctico: manuales instructivos, indicaciones de uso, fichas didácticas educacionales, etcétera.

Programas utilizados en Diseño gráfico

Adobe Creative Suite

* Photoshop
* Freehand
* Illustrator
* Pagemaker, antecesor de Indesign.
* Indesign
* Dreamweaver
* Flash

Otros

* QuarkXPress, primer programa creado para maquetación editorial, similar a Adobe Indesign.
* Xara Xtreme
* Inkscape
* XaraLX
* GIMP
* Sodipodi
* Corel Draw

Fuente: Taringa

Magazine y sin embargo

2008-07-11T01:01:00.000-07:00

Encontré otra buena revista on-line se trata de "Y sin embargo" magazine, ya van en la edición 16, bastante buena la revista sobre todo mucho diseño editorial.

Un número dedicado a explorar la visión y propuestas de Marcel Duchamp.
No su vida, no su obra; tan sólo algunos de sus conceptos.
Realizado con aportes de artistas, pensadores y diseñadores de todo el mundo combinados con la explícita intención de producir a su vez un objeto duchampiano.
Podes hacer click en la imagen para descargar la 16 ava edicion via .pdf

Publicidad Anti-Minas

2008-07-10T01:02:00.000-07:00

Leyendo el blog de Zarqun encontre esta excelente campaña de guerrilla para la Unicef para hacer concienca acerca del peligro de las minas antipersona que todavía sigue habiendo en algunos paises, la idea me parece muy buena aunque me sigue pareciendo mas impactante la idea de Will St. Leger en un parque de Dublin.

Nuevo Diccionario para Diseñadores Gráficos

2008-07-09T01:03:00.000-07:00

Nuevo Diccionario para Diseñadores Gráficos

Acetato: Diseñador gráfico especialista en tatuajes.
Acrobat Reader: Un acróbata al que le gusta leer mucho.
Aerografía: Rama del diseño gráfico, especializada en la rotulación de aviones.
Advertising: Amenazar a un diseñador para que no cante en el área de trabajo.
Adobe: Casa de campo que es fría en verano y cálida en invierno.
Aguada: Estado de las diseñadoras después de pasar varios meses frente al mac.
Aliasing: Ponerse apodos entre los diseñadores.

Barroco: Erupción cutánea de los diseñadores pubertos.
Branding: Dícese de la dieta de los diseñadores que es alta en fibra.
Bold: Detergente utilizado por los diseñadores.
Bolígrafo: Diseñador gráfico gordo.
Bosquejo: Dibujo burdo de un bosque.

Caché: Atrapar una idea en el aire.
Caja alta: Envase de un iMac de 24″
Caja baja: Envase de un Mac mini o un MacBook
Clipart: Acción de crear figuritas con clips.
Convertir a curvas: Etapa final de la dieta que realizan las diseñadoras.
CSS: Acrónimo de “Séee, ¡ese, ese!”, expresión que acompaña el baboseo de un diseñador cuando ve un MacPro de 8 cores
Cuentahilos: Diseñador gráfico que no tiene nada que hacer.
Cursiva: Diseñadora que gusta de las cartas de amor y arte con motivos románticos.

Degradado: Se le llama así al diseñador que se vende muy barato.
Diapositiva: Un día perfecto para Diseñar.
Disco duro: Cualquier CD de heavy metal.
Dreamweaver: Diseñador poco productivo y somnoliento.

Estilógrafo: Diseñador gráfico de muy buen vestir.
EPS: Expresión de sorpresa menor que el oops!!

Flash: Super héroe de la multimedia.
Flatten: Diseñador con flatulencias.
Floppy: Diseñador gráfico relajado.
Fotografía digital: Acción errónea de poner el dedo en el lente de la cámara.

GIF: Imagen que se regala.
GIF animado: Imagen que se regala generalmente con escenas felices.
Godete: Expresión que usan los diseñadores gangosos cuando estan molestos.

Illustrator: Primo de Terminator y al que le gusta mucho dibujar.
Impresionismo: Estado posterior a la observación del exhibicionismo.
Inches: Ayudantes del director de arte.

Layer: Nombre dado a aquel diseñador que suele decir muchas mentiras.

Mac: Computador que falla en la última B de “bueno, bonito y…”
Macromedia: Prenda interior de vestir de las diseñadoras gordas.
Malla: Prenda de vestir utilizada por los serigrafistas.
Mouse: Postre favorito de los diseñadores.
Multimedia: Prenda de vestir interior que se comparten entre las diseñadoras.

Pantone: Shampoo suave en gran variedad de colores.
Photoshop: Tienda donde los diseñadores compran sus imagenes para hacer carteles.
Plotter: Apellido del mago de las impresiones en gran formato.
Preprensa: Periódico especial para tartamudos.
Prueba de color: Acto de verificar si el color rojo sabe a fresa, el verde a limón, etc.
Punto de fuga: 7:00 p.m.
Puntos: Diseñadores gráficos de raras costumbres.

QuarkExpress: Graznido veloz.
Quemador de CD: Se le llama así al Diseñador que escucha un CD una y otra vez.

Ripear: Acción de cantar mientras se espera la decodificación de un video.

Screen: Película de preferida de algunos diseñadores.
Señalética: Señal de moral cuestionable.
Separación de color: Diseño gráfico con tendencias racistas.
Shortcut: Pequeña cortada, que generalmente viene precedida de un bleeding.

Tipo: Diseñador de nombre desconocido.
Tipografía: Fotografía de un diseñador de nombre desconocido.
Tipómetro: Diseñador desconocido de pequeña estatura.
Tipo móvil: Diseñador desconocido al que se le puede colocar en cualquier sitio.

Versalitas: Acto de mirar salas pequeñas.
Viñetas: Expresión de los diseñadores senior cuando observan diseñadores junior.

Web: Estado de cansancio de un diseñador gráfico.
Webmaster: El más flojo de los diseñadores

Fuente: Taringa!

Efecto Bodoni

2008-07-09T01:01:00.000-07:00

Las fuentes con serif, son entre otras cosas, elegantes y sobrias además de ser en muchos de los casos poseedoras de atributos enormes en cuanto a legibilidad, un detalle poco afortunado de las mismas y a al cual debemos poner atención es al llamado efecto Bodoni.

El efecto Bodoni es un efecto causado por las fuentes que son extremadamente contrastadas. Son elegantes sí, pero también problemáticas. Veamos el ¿Por qué?, Con estas fuentes se generan zonas de fragilidad en las letras esto se acentúa sobre todo al momento de usarlas en negativo, ahora imaginemos esto en tinta, la tinta es un fluido, como buen fluido la tinta al entrar en contacto con medio sólido tiende a desparramarse alegremente en el, entonces sobre viene la catastrofe esas débiles lineas que sostenían junta a la letra se pierden y nos quedamos con una fracción de la misma y de la información que nos daba.

En este punto intervienen varios aspectos técnicos:

1. Material a utilizar, frecuentemente tipo de papel
2. El cuerpo o tamaño al que el texto va ser impreso
3. Si se usará en positivo y negativo
4. Cual será la calidad y sistema de impresión

A continuación les dejo una muestra de este efecto en un objeto conocidouna bolsa de la tienda de ropa ZARA, es curioso pero al buscar la misma bolsa de la misma tienda pero de otro país el problema parece solucionado o tal vez nunca existió, ¿será entonces una cuestión de la versión mexicana de la misma?, en todo caso en la versión extranjera la fuente parece más robusta queen la versión que podemos encontrar por estos rumbos.

Nota: Esto no aplica solamente a un problema de impresión sino a cualquier proceso en la que la fuente pueda sufrir algún tipo de desgaste, desde fotocopiado, calcomanía hecha con vinilo o un monitor de computadora.

Listerine - El Salvador

2008-06-27T10:53:00.000-07:00

Creo que la mayoría de los creativos a los que les preguntas sobre su medio publicitario favorito, responde que es la gráfica por la manera tan rápida de poder plasmar una idea y redondear la ejecución. Pero encontrar una escena que resuma toda una historia sobre las exageraciones, atributos, comparativos y analogías no es tan sencillo como platicarlo.
En esta gráfica para el enjuague bucal Listerine en El Salvador, se requirieron 2 bloques de texto para poder redondear el mensaje que se quería hacer llegar al público: “Cuidados Intensivos” y “Puede salvar la vida de tus dientes”.
De alguna manera, uno de los dos bloques está sobrando; la idea ya era lo suficientemente clara con el copy inferior, pero es probable que en el brief o el cliente, en el momento de la presentación, haya solicitado la aparición de ambos, restándole un poco de méritos a la pieza. La agencia responsable es JWT, El Salvador.

Diseño mata carita

2008-06-27T10:34:00.000-07:00

El diseño gráfico no es de lo bonito, es desarrollar estrategias con argumentos que persuadan a las personas.

Propaganda Soviética

2008-06-26T10:22:00.000-07:00

La antigua Unión Soviética dejó marcas en muchos campos, especialmente en uno, la propaganda. Se produjo un vuelco en una de las potencias más grandes del mundo, incorporando ideas radicalmente diferentes a las establecidas durante siglos y había que presentar todas esas nuevas ideas de alguna forma, la publicidad, que en esos años también adoptaba tendencias radicalmente diferentes a las occidentales.
Esa exclusividad en la forma de crear propaganda ha producido que llegue hasta nuestros días con fuerza, siendo analizada por muchos profesionales del medio, encontrándonos con ella por muchos rincones de la red, como es el caso de este artículo publicado en crestock donde su autor analiza algunos de los carteles propagandísticos que más le gustan de esa época. En total 28 carteles diferentes listos para ser admirados y leer su correspondiente mini-historia.

Enlace:

http://www.crestock.com/blog/design/propaganda-design-aesthetics-soviet-retro-posters-118.aspx

Cartel publicitario retirado en Rusia por contenido sexual

2008-06-25T10:15:00.000-07:00

Y el cartel que han quitado es el que veis ilustrando esta entrada, así que los que esperaban una rubia despampanante de ojos azules y metro ochenta se habrán llevado una decepción al ver de lo que se trata, el euro se está montando al dólar, por otro lado una verdad como un templo.
La obra pertenece a una revista de economía rusa que decidió lanzar esta campaña publicitaria pegando varios cientos de carteles por la ciudad de Moscú que no resistieron mucho. El responsable del consejo de la ciudad de publicidad e información remitió una carta a la editorial exigiendo la retirada de los carteles al considerar que el contenido del cartel era inmoral, a lo que el responsable de la publicación arguyó no haberse dado cuenta de las posibles interpretaciones de índole sexual: “Pensé que los símbolos estaban bailando en nuestro poster, pero tras el aviso del señor Presnyakov vi que, si, tal vez, esto es una escena de sexo”.
Medida a todas luces desorbitada, el mensaje del cartel está totalmente claro y no existe ninguna escena explicita de sexo, el único problema que podría existir es que el mensaje se trasmite de una forma algo grosera, problema este de los responsables de la campaña y la revista, que son los que crean y aprueban, de nadie más. Va tocando dejar de lado remilgos absurdos y totalmente trasnochados y en cualquier caso: ¿Si apareciera una escena de sexo explicito sería algo inmoral? ¿Qué moral es esa que se asemeja tanto a siglos pasados hace mucho?.

Vaya TYPO...

2008-06-25T09:59:00.000-07:00

El señor David Ogilvy
“El consumidor no es un idiota, el consumidor es tu mujer”

Web Color Visualizer

2008-06-24T10:11:00.000-07:00

Una simple herramienta en línea centrada en el color que seguro muchos le darán buen uso. Está compuesta por una importante paleta de colores acompañados con sus códigos en hexadecimal que podremos ver en funcionamiento al pasar el ratón por encima en un texto y en un pequeño cajón. Si picamos sobre algún color, el fondo de la web lo adoptará, con lo que podremos ir probando en tiempo real el contraste entre dos colores, el del fondo y el color del contenido.

En Entretypos te damos el enlace:

http://www.ideo.com/visualizer.html

10&10: videotutoriales ilustrator y photoshop

2008-06-24T09:54:00.000-07:00

Me llamo mucho la atencion estos video tutoriales que encontre merodeando por el internet y quiero compartirlos con la comunidad... jaja
Aqui les va el enlace:

http://www.analisisgrafico.org/blog/recomendacion/videotutoriales-ilustrator-y-photoshop

Patrones y texturas para usarlos como fondos en web

2008-06-23T10:06:00.000-07:00

Uno de los puntos dentro de un diseño web que nos puede dar mucho juego (y con poco trabajo) es el uso de backgrounds mediante texturas y patrones. Ponerlos en funcionamiento es extremadamente fácil y contamos con varias opciones mediante CSS para colocarlos como queramos, que se repitan en determinada dirección etc. Con un poco de gusto para escoger un fondo determinada web puede ganar muchos puntos.
Aquí van algunos sitios diferentes donde encontraremos multitud de este tipo de material listo para descargar y usar en nuestros trabajos web. Algunos son bastante antiguos pero tienen la misma utilidad que los más recientes y casi todo el material está disponible sin ningún tipo de restricción.

Aquí esta el enlace

http://www.thewebsqueeze.com/articles/web-design-resource-for-free-patterns-backgrounds-and-textures.html

Diseño BONITO...

2008-06-23T09:40:00.000-07:00

Cuantas veces nos ha dicho algún familiar –¿Eres diseñador, entonces dibujas bonito verdad?- o algún amigo con los típicos favores de escuela , -Necesito un trabajo que quede bien bonito- o lo peor, algún cliente descabellado que requiere de un proyecto y nos dice –Pues quiero algo acá bien bonito, con colores morados por que a mi esposa le gustan -.
Si recordamos todos los estereotipos que nos han dicho… sería una lista casi interminable. Muchas personas y amigos tienen un concepto de que nos sentamos en una computadora y por inspiración divina nos llega la súper idea, o que nos ponemos frente a un papel para hacer dibujitos bien lindos. Creo que por estar tan ligados en un principio al ARTE y vernos llegar los primeros años de la carrera con pinceles y pinturas más la ropa toda manchada, ha dado como resultado esos comentarios. También creo que al no poder describir un buen proyecto lo primero que digan es –QUE BONITO TE QUEDO-.
Hemos pasado noches en vela haciendo trabajos, días enteros investigando, tardes bajo el sol analizando a la gente, visitas a tiendas, empresas, etc. entendiendo el flujo de trabajo y venta, invertimos tiempo y dinero en cursos, tutoriales, libros, revistas, videos, etc. y aun más cosas que estoy seguro que se olvidan. Por lo tanto, tenemos todo el derecho y obligación de hacer entender a las personas que nuestro trabajo no es un CULTO AL OBJETO o INSPIRACIÓN DIVINA, nuestro trabajo es el resultado de años de investigación, práctica y conocimientos, con los cuales desarrollamos proyectos… acciones retóricas basadas en la planeación, acciones que dan como resultado la persuasión en el auditorio, argumentos que seducirán a nuestro Target. Asi que colegas… no dejen que menosprecien nuestro trabajo.

Typolution

2008-06-22T10:56:00.000-07:00

Esta animación con tipografías ya tiene su tiempo, es un trabajo que no podía faltar. Se trata de una animación creada con letras por el diseñador Oliver Beaudoin de corte totalmente minimalista sin perder por esto su fuerza orientada a concienciar. Representa de forma condensada la evolución de nuestro planeta y como pasa de la nada, a la vida y como puede volver a la nada si no frenamos nuestros pasos.
A continuacion les dejo el enlace al YouTube para que puedan verlo.

http://www.youtube.com/watch?v=zVPfTlpCKaw

Elementos y su importancia

2008-06-21T14:55:00.000-07:00

Los elementos de la composición y la forma en que estos se disponen, es «todo» en nuestra maquetación.
Cada uno de estos elementos tiene su función dentro del diseño y por tanto su grado de importancia, que cumplan su misión será su cometido.
Antes de empezar a diseñar debemos plantearnos una serie de preguntas como: ¿qué debemos comunicar? o lo que es lo mismo, ¿cuál es el objetivo de nuestro diseño?, ¿qué elementos son los más adecuados?... Una vez tenemos esto claro, tendremos que decidir cómo desarrollar la composición, y en definitiva cómo lanzar el mensaje.
Podemos empezar haciendo unos bosquejos (bocetos) para ir analizando los resultados que pueden dar diferentes composiciones: ayuda a aclarar las ideas y a tomar decisiones.
Veamos ahora las dos formas básicas de presentación del contenido que nos podemos encontrar en diseño editorial: texto e imagines.

Texto: podemos encontrar titulares, subtítulos, bloques de texto, datos agregados (Capsulas, Cifras, Cronologías) y pie de foto.

Imágenes: fotografías, ilustraciones y espacios en blanco.

Diseño Editorial y publicitario

2008-06-20T14:42:00.000-07:00

¿Qué es diseño editorial?
Se denomina «Diseño Editorial» a la maquetación y composición de publicaciones tales como revistas, periódicos o libros. A lo largo del tiempo han ido surgiendo diversos métodos de comunicación, desde los grafitis (que eran las pintadas en la pared que realizaban los romanos para comunicar alguna noticia), los carteles, los primeros diarios y más tarde las revistas, hasta la radio la televisión... Este desarrollo de los medios, se ve ligado a su vez al desarrollo del mercado, los productos, las empresas, factores que defenderán en gran medida de los diferentes medios. Y es en este momento cuando aparecen los anuncios como forma de publicidad.
Debemos saber que tipo de contenido vamos a maquetar, es decir, de que tipo de publicación estamos hablando.
Diseño Publicitario: El diseñador debe conocer el producto, para poder transmitir sus características, sus ventajas, novedades, en definitiva, a de conocerlo para poder convencer al público.

El público o consumidor:
A de saber a que público va dirigida la publicación. No es lo mismo una revista para jóvenes aventureros, que para amas de casa. La composición depende en gran medida de saber quien es el público destinatario de la misma.

Haz diseño, no arte

2008-06-20T09:25:00.000-07:00

Muchos colegas diseñadores aún piensan que el diseño es arte (inspirado casi casi por los dioses). El propósito de este post, es -por pretencioso que se lea- aclarar el asunto.
El arte es una influencia para el surgimiento del diseño. Vicente Rojo realizó trabajo de diseño desde mediados del siglo pasado, basado en su arte; pero hablando de Diseño, podemos mencionar a Lance Wyman y su trabajo para las olimpiadas de México 68. Ahora, en realidad el diseño en México es una disciplina nueva.

En este post leerásn sobre la influencia del arte en las imagen de diseño y de una controversia ya muy manoseada: ¿Es el Diseño Arte?

El poder de la Imagen
Lo primero. Todo producto de diseño es visual, por tal motivo, todo diseñador debe conocer, aplicar y explotar al máximo el poder de la imagen. La aceptación y consumo de un producto o servicio, se da en relación a la imagen y esta, de dos aspectos:
La imagen material del producto, determinada por cuestiones de diseño, impresión u otros. Es decir, lo que apreciamos como un producto o servicio físico. De la cual se deriva:La imagen inmaterial del producto, determinada por la interpretación que damos a la primera. Es decir, el concepto mental que otorgamos voluntaria o involuntariamente a la primera
Pero eso no es lo importante. El diseño puede ser “bonito, atractivo, impactante” y todos estos adjetivos bien acá que nos gusta ponerle o les ponen a nuestros trabajos pero, si no funciona, termina siendo un objeto decorativo o una artesanía.

Diseño y Arte
El diseño se vale del arte para manifestar las cualidades de los productos o servicios que pretende vender o, bueno, ahora eso no es tan importante. El arte al ser una manifestación de la sociedad, es utilizado por el para atacar las necesidades emotivas y aspiracionales de los consumidores, creando empatía o causando un “simple” goce estético. En ese sentido, para el diseño, el arte es indispensable. El arte solo necesita del diseño para tratar de venderse o simplemente darse a conocer (carteles de arte, flyers de arte, catálogos de arte, etc).

Diseño VS Arte
Debido a la inadecuada educación y formación universitaria en diseño, ilústranos Wikipedia:
Arte es:“…una expresión de la actividad humana mediante la cual se manifiesta una visión personal sobre lo real o imaginado.”
Diseño es:“ …el proceso previo de configuración mental ‘pre-figuración’ en la búsqueda de una solución en cualquier campo.”
“la creatividad como acto de creación o innovación si el objeto no existe, o es una modificación de lo existente inspiración abstracción, síntesis, ordenación y transformación.”
Gracias.

En realidad el Artey el Diseño son disciplinas o actividades que, a pesar de los puntos de congruencia, nunca -espero- podrán ser lo mismo:
El Arte:- Es subjetivo.- Dependen de códigos visuales.- Emplean la estética.- Se adaptan al contexto cultural, económico o social.
El diseño:- Es objetivo.- Depende de estrategias de mercadotecnia, de comunicación y creativas.- Se adaptan al contexto cultural, económico o social.
Y la lista podría ser infinita…

Entonces… ¿El diseño es Arte?
¡Ah!… me estaba tardando en escribir sobre este asunto. :D
Una de las polémicas mas grandes y baratas dentro del mundo del diseño, tiene que ver con la perversión entre la relación que hay entre el diseño y el arte. En ocasiones, como vil paparazzi, mostramos-afirmamos cualquier estupidez en busca de fama.

La raiz del problema
Seamos sinceros: alguna vez en alguna plática, después de ver la cara de espanto de nuestros acompañantes al confesarles la actividad en la que nos desenvolvemos dijimos: “no ca… hacer diseño ‘es un arte’ (con voz suave y leeentamente)”. Y sí… se lee bien y en más de una ocasión te salvo la vida pero es peligroso que lo creamos.
Y no me importa si corriste de las metemáticas -como el que escribe- y no decidiste estudiar arquitectura, si pensaste que de artista te ibas a morir de hambre y “Pus de diseñadooor ¿que no?”, incluso, me da igual si reproduces un Rembrandt a la perfección, si te echaste horas frente a un cuerpo desnudo aprendiendo a dibujar -aunque siempre lo has dominado-, y aunque hayas ganado cientos de premios y seas súper sagrado en el mundo del diseño. El diseño no es arte.
Antes de dar mi único y principal fundamento y que me odien, doy por hecho que eres diseñador y que alguna vez has estado en un proyecto real. Así que…

La Relación Cliente-Consumidor
En el Proceso de Diseño intervienen 3 partes:
Un cliente con un problema de comunicación. (emisor)Un diseñador con problemas de alimentación. (canal o medio)Un consumidor pobre e inocente que no sabe que esta en nuestra mira. (receptor)
En el Proceso de Arte intervienen también 3 partes:
Un cliente o el que encarga la obra. En la mayoría de casos, el propio artista.Un artista el que produce. En la mayoría de casos, el propio artista.Un consumidor el que contempla la obra. En la mayoría de casos… el propio artista.
Para el diseñador, el cliente es una persona y el consumidor es otra. Se diseña para los clientes de nuestros clientes.Para el artista, el cliente y el consumidor son la misma persona: él mismo.
El diseñador a diferencia del artista tienen una gran responsabilidad frente a su trabajo. No solo debe comunicar a otros el mensaje de un cliente, debe influir en la decisión de compra de los consumidores. Así, la fórmula de saber si un diseño es bueno o no lo es esta: si tu cliente vende y vende bien estás del otro lado.

Conclusión
Haz diseño, no arte; y, si lo haces, no lo vendas como diseño.

Estrategias de Diseño

2008-06-19T16:02:00.000-07:00

El Diseño Editorial es la minima parte de un rediseño, para que un proyecto prospere, la redaccion debe ser rejuvenecida y manejada a buen ritmo.
Se debe ir mucho más alla, crear y dirigir un plan de varios años que incluya estrategias de Mercado y evolucion Web. Debe tenerse una definicion de Mercado clara y precisa.

Mejor Presentacion y contenido
El Domingo y Sabado debe crearse un diario de mayor lectura, los estudios nos arrojan datos que muestran el interes por la lectura, esta debe ser la estrategia para atraer el lector, no solo el diseño debe mejorar y variar sino la redaccion en si misma, el contenido debe tener un mayor giro. Convertir la edicion mas en un diario de lectura que en un diario infirmativo.
El rediseño sin un cambio en la redacción es puro maquillaje, es algo cosmetico que muere al poco paso del tiempo.
La redaccion si exigencia , es un cangrejo que con el paso del tiempo vuelve a lo que antes hacia, MALO, pero visto bien desde ellos ya que siempre se hizo de esa manera equivoca.
Un diario debe ser muy creible para tener mas anunciantes, entre mejor redaccion y diseño demos al lector, mas tiempo le tendremos en nuestro diario, esto mejorara el perfil de ventas. La modulacion publicitaria debe ir junto a la modulacion informativa.

Optimizacion del tiempo vrs. Diseño
La mayor parte de las paginas se repite, alrededor de 60% de ellas, por esto seria bueno optar a las premaquetas.
Los diarios son casas de comunicacion donde esta no existe, debe existir una transparencia entre areas, redaccion, diseño, publicidad y mercadeo.

Rediseños vrs. Marca
A la hora de un rediseño se debe reforzar la marca, Clarin tuvo una evolucion paulatina, con un proceso de 4 años de tardanza, con cambios internos y de imagen en forma gradual. Se debe ofrecer otros productos editoriales junto al diario para buscar la atencion de distintos “targets” de lectores. Clarin ofrece revistas semanales que el lector decide pagar o no a la hora de compra “˜N” es una de ellas, por ejemplo, esta es una revista cultural de 42 paginas que se compra por separado.
Se debe crear una estrategia para lograr cambios permanents en la imagen, la mesa de mando debe ser el primer objetivo a lograr y debe tener poder, mando dentro de todo, el director de arte debe ser miembro de ella, conocer y manejar todas las areas.

Mesa de mando
-Director ejecutivo
-Jefe de redaccion
-Jefe de informacion
-Director de arte

¿Tendencias?

2008-06-19T14:36:00.000-07:00

Mucho hablamos de hacia dónde vamos -al parecer, ya sabemos de dónde venimos- e incluso nos atrevemos a predecir el futuro. Lo cierto es que la tendencia es a la desaparición física -como a todo hijo de buen vecino le pasa- que se inicia con la reducción de tamaño. Otro que se ha apuntado a la moda es The Washington Times que no se publicará más los sábados. De esta manera se quiere intentar promocionar la versión on-line del diario. El objetivo es conseguir que gran parte de los lectores se conecten a la red y consulten la versión digital.Según cuentan en Comunicació21 "esta medida de la dirección no se debe tan sólo a la voluntad de girar hacia el espectro digital y multimedia. En el último año el diario ha ido a la baja, especialmente la edición de los sábados.(...) Los recursos que se destinaban a la edición de los sábados se dedicarán a la página web, y de otra, a la edición de los domingos".

Diseño de periódicos: sistema y método

2008-06-16T11:57:00.000-07:00

ULTIMA PARTE

8. ELEMENTOS

Consideraciones generales

Las reglas configurativas, estéticas o funcionales contenidas en el diseño original de un periódico tienen que ser respetadas y aplicadas por cuantos participan en la realización del proyecto.

La estética es determinante en la relación entre el lector y su periódico o magazine habitual. La confianza que el lector concede a los contenidos de una publicación está ligada al aspecto óptico con que se le presentan dichos contenidos.

El blanco

Los espacios en blanco que pueden presentarse en una página del periódico son considerados por la parte administrativa como una pérdida de dinero, en cambio, para el redactor son es un espacio disponible en el que incluir información. Para el diseñador el espacio en blanco es la tranquilidad expresiva de un espacio libre. El blanco constituye un alivio para el ojo y, aparte de su función ordenadora, expresa distancia y soberanía de la redacción.

El negro

El encanto especial de un buen diseñote periódico reside en la sencillez del negro sobre el blanco del papel. Aporta distancia y tranquilidad. La tinta negra es, metafóricamente hablando, la única y verdadera sangre que corre por las venas gráficas del periódico.

El gris

Los componentes básicos de la página de un periódico son el blanco del papel, el negro de los titulares y el aspecto gris que ofrece el texto continuo de las informaciones. La monotonía grisácea que produce un texto resulta para el lector muy poco estimulante. A pesar de este inconveniente, el proceso de lectura exige una imagen tipográfica tranquila y coherente que no moleste al lector en su concentración. El aspecto rico y estimulante que al primer golpe de vista puedan ofrecer ciertos grafismos diere relegarse a un segundo plano si redunda en beneficio del proceso d lectura.

El color

El color halaga el ojo del lector, es información imprescindible para captar y entender el mensaje. En publicidad, la estética de negro sobre blanco se utiliza para apelar más al intelecto que al impulso o sensualidad del consumidor. En el diseño de un periódico, la decisión más importante respecto al color es cómo tratar y aplicar el color técnicamente disponible. Lo aconsejable cuando hablamos de dotar de color a una publicación es crear una paleta propia de colores. La función del color como factor ambiental y decorativo es atraer la mirada del lector, esto se consigue cuando uno o varios contenidos de la página destacan sobre los demás. Cuando este objetivo se ha cumplido, ese color ha de ser olvidado por el ojo del lector para que pueda concentrarse en la lectura.

9. LISTA DE DIEZ PALABRAS CLAVE

Prototipo: es el modelo sobre el cual se desarrollará la publicación. Es un concepto preliminar sobre el cual se asentarán las bases de creación; estas bases se pueden ir alterando en la medida en que las decisiones se vayan modificando (por parte del diseñador o por parte del editor). El prototipo ha de valorarse mediante el aspecto estético (la forma), el aspecto periodístico (contenido) y el aspecto técnico (fabricación).

Hard y Soft News: ambas constituyen un pilar esencial en la concepción del periódico moderno (el periódico moderno puede ser de información generalista estructurada de manera tradicional o bien de carácter sensacionalista). Las Hard News son las noticias de las últimas 24 horas; el diseño de las Hard news se basa en el recurso a fórmulas gráficas modulares y repetitivas para garantizar la funcionalidad y la transparencia informativa. Las soft news se encargan de ofrecer una dimensión de actualidad más amplia que supera las 24 horas, también son mucho mas creativas en lo que se refiere al diseño puesto que ofrecen informaciones complementarias y que sirven de apoyo a las Hard News.

Sistema modular: el sistema modular se encarga de dividir la información en apartados o secciones. Es una plataforma ideal para seleccionar, valorar y agrupar el material informativo aportado por el redactor. Para éste el sistema modular, es una coacción a su trabajo. Para el mundo publicitario es un concepto apreciado ya que facilita la decisión sobre el espacio y el precio del anuncio a contratar.

Legibilidad: la legibilidad de la tipografía base de un periódico ha de cumplir dos requisitos: en una línea han de caber el mayor número posible de espacios y una columna debe admitir el mayor número de líneas. Es una condición indispensable en la decisión que concierne a la elección del tipo de letra como estándar tipográfico del periódico a diseñar. Otros factores que determinan la legibilidad de un tipo de letra son : el equilibrio entre calidad y cantidad de una letra, la calidad del proceso de impresión puede invalidar algunas decisiones(no se pueden establecer reglas fijas respecto al espacio ideal entre las letras de una misma palabra…decisiones de este calibre) y la relación existente entre cuerpo utilizado y el ancho de la línea. El tipo de letra que asegura la máxima legibilidad es el Roman.

Fotografía: es la plasmación de la realidad. Desarrollan una función testimonial y documental y se encargan de ofrecer emociones captadas y fijadas. Las fotografías ponen de manifiesto la importancia que un periódico otorga al factor emocional. Las hard news casi siempre van acompañadas de una fotografía expresiva difícil de olvidar, cuando no parecen fotografías expresivas se recurre a una versión informativa en lo que lo visual se convierte en una noticia particular.

Infografía: la infografía es el recurso que se utiliza para explicar aquello que resulta difícil de expresar con palabras ( el desarrollo de un atentado, un eclipse, un meticuloso robo). Es un género periodístico vinculado a los ordenadores y programas de dibujo. Actualmente ofrece a los periodistas una nueva forma narrativa a través de la cual el lector se percata de manera rápida y sencilla de aquello que ha ocurrido.

Blanco: es un color que siembra discordia entre administración, periodista y diseñador. Para el administrativo un espacio en blanco es una pérdida de dinero, para el periodista es un espacio para rellenar con información y para el diseñador es la tranquilidad expresiva de un espacio libre. Es un alivio para el ojo humano y desarrolla una función ordenadora. También expresa distancia y soberanía en la redacción.

Negro: expresa sencillez. Los periódicos se constituyen bajo el principio “negro sobre blanco”. Aporta distancia y tranquilidad. Es un elemento básico en el diseño del periódico puesto que sin este color, el periódico no existiría.

Gris: para el lector la “masa gris” supone una monotonía nada estimulante. A pesar de este pequeño inconveniente, el color gris contribuye a la concentración del receptor ya que proporciona una imagen tranquila y coherente.

Color: es una información imprescindible para captar el mensaje y, al mismo tiempo, halaga el ojo del lector. En el diseño de un periódico la decisión más importante respecto al color es cómo tratar y aplicar el color técnicamente disponible. Lo más recomendable es crear una paleta de colores propios. Se encarga de atraer la mirada del lector y una vez captada, pasa a un segundo plano para que el lector pueda concentrarse en la lectura.

Diseño de periódicos: sistema y método

2008-06-15T10:19:00.000-07:00

TERCERA PARTE

5. La fotografía

Las fotografías desarrollan una función testimonial y documental en el periódico y ofrecen emociones captadas y fijadas. El estilo y tratamiento fotográfico que se plasman en el diseño del prototipo han de definir y mostrar la importancia y el valor que el periódico desee conferir al factor emocional. Las fotos impactantes e inolvidables se quedan profundamente grabadas en la memoria del lector y éste, a su vez, recuerda la publicación en la que las vio.

Para dar un toque emocional a las Hard News basta con una foto que se corresponda con la temática de la sección (política, economía..). Las Hard News no siempre aparecen acompañadas de una fotografía expresiva. Cuando esto ocurre, se recurre a una versión informativa en la que lo visual se convierte en una noticia particular. El campo ideal para la fotografía como medio periodístico está en las páginas de soft news y de los suplementos semanales. En las páginas de soft news, se ofrece un equilibrio formal y de contenido entre palabra e imagen, un balance entre información, reflexión y emoción. El concepto fotográfico que se postule en el prototipo tiene que ofrecer una clara y concisa definición de las reglas y los criterios que se deberán aplicar y respetar.

El método de siluetear el retrato o toda la figura de una persona permite reducir de forma agradable y vistosa la masa gris de la página y también ofrece un aire de dibujo artístico a la ilustración. El contorneo se basa en rodear con palabras la imagen de la persona representada con el objetivo de que el ojo del lector se concentre en la imagen, otro uso de la foto consiste en utilizarla como sello de un columnista habitual.

6. La infografía

En ocasiones, no es fácil explicar lo acaecido de forma clara con palabras. Cuando esto sucede, utilizamos la infografía. La infografía es un género periodístico vinculado a ordenadores y programas de dibujo. El lazo entre infografía y ordenadores tiene como precedente la generalización de ésta por parte de los ordenadores (acortan tiempos de realización y abaratan costes). La infografía ofrece actualmente a los periódicos nuevas formas narrativas a las que no puede ser ajeno ningún diseño de prototipo moderno. Es una manera rápida y eficaz para que el lector entienda exactamente lo que ha ocurrido.

7. Soft news, extras y complementos

Las soft news diferencian los periódicos pertenecientes a una misma zona. La temática que abordan engloba desde consumo y estilo de vida, a viajes y evasión, ciencia, tecnología… una oferta muy diversificada para que queden cubiertos todos los frentes posibles con un gran despliegue de géneros periodísticos y con una presentación gráfica excepcional. En el caso de las soft news hemos de recurrir a dos componentes estilísticos (inadecuados en el diseño de la parte convencional del periódico):

· Interpretación gráfica de los contenidos mediante ilustraciones artísticas (grabados, litografías, collages..)

· Manipulación fotográfica mediante fotomontajes o imágenes silueteadas.

Todo ello, deberá ir acompañado de una creatividad tipográfica expresiva e interpretativa con un tercer componente: los espacios en blanco del papel no impreso.

En las páginas extra, la temática no es tan importante como la capacidad creativa con la palabra y la imagen que es lo que otorga calidad y originalidad.

El suplemento de fin de semana es el producto “soft” por excelencia, tiene formato, estructura y contenidos propios del magazine. El suplemento está dirigido y realizado en la mayoría de casos por un equipo de redacción distinto al de las ediciones diarias.

Diseño de periódicos: sistema y método

2008-06-13T10:15:00.000-07:00

SEGUNDA PARTE

3. Orientaciones estéticas

La palabra en su versión tipográfica también es imagen. La credibilidad de una información depende tanto del diseño integral del periódico que la divulga como de la estética de ese periódico en su conjunto. El aspecto gráfico resulta familiar al lector y, a su vez, se vincula a la credibilidad que se le otorga al periódico o bien a la confianza que merece.

El rediseño de periódicos inquieta a los editores porque temen que el cambio les haga perder lectores. Los diseñadores son conscientes de este y otros miedos y tratan de renovar la publicación sin irritar al público tradicional. La redefinición sólo debe afectar a los conceptos de elegancia y brillantez periodística. La brillantez periodística significa informar sin aburrir, comunicar con creatividad para que la información resulte seductora. La elegancia debe entenderse en un sentido amplio y de carácter.

4. LA ELABORACIÓN DE UN PROTOTIPO

Sistema modular

El sistema modular es apreciado por el mundo publicitario ya que facilita la decisión sobre el espacio y el precio del anuncio a contratar y es detestado por las redacciones de los periódicos que se sienten coaccionadas por su rigor. Representa una plataforma ideal para seleccionar, valorar y agrupar el material informativo aportado por el redactor. Se utiliza la siguiente fórmula: de mucho espacio a menos espacio, de mucho negro a menos negro. Una información seleccionada y valorada como de “primer orden” ha de editarse de forma que posteriormente puedan aplicársele las normas gráficas y tipográficas previstas para noticias de esa magnitud. La combinación máxima en lo relativo a redacción-tipografía puede establecerse periodísticamente de la siguiente manera: antetítulo, título, lead y el cuerpo de la noticia cortado por algunos sumarios. La tipografía es, en definitiva, el gesto visible que acompaña a la palabra escrita.

Sistema tipográfico

El mundo está dominado por la comunicación audiovisual y el hombre aprende las cosas con mayor facilidad y rapidez cuando se le presentan de manera visual. El cerebro está cada vez más programado por los ojos, lo que reduce la capacidad de captar por medio de la lectura circunstancias complejas y difíciles, por tanto, el propósito del moderno diseño gráfico y tipográfico de un periódico ha de entenderse como servicio y medio para fomentar la lectura. Este propósito no es fácil pues las circunstancias objetivas en las que un lector acostumbre a consultar un periódico son muy diversas: en el tren, en el autobús, en el metro…por este motivo, el lector, en ocasiones, no se concentra en la lectura además de poseer un tiempo reducido para ello. El sistema tipográfico debe facilitar diferentes niveles de rapidez de lectura: debe permitir que la lectura de los títulos, antetítulos o subtítulos, de los sumarios, entradillas, y ladillos le baste para estar informado de las hard news. Esto sólo es posible con un sistema tipográfico homogéneo y coherente. El sistema tipográfico también debe guiar al lector a través de la información explicativa o interpretativa que se añade a la crónica general de un hecho. El recurso a despieces es un arma que cada vez se emplea más en los periódicos debido a la competencia con la televisión. Se trata de no limitarse a la noticia escueta ya que lo más probable sea que el lector de periódicos la conozca ya a través de algún medio audiovisual, también hay que incorporar a los hábitos de lectura la técnica del zapping que permite al lector iniciar la lectura por donde más le interese. El sistema tipográfico debe permitir al lector identificar los distintos bloques noticiosos de una página y, dentro de ellos, identificar cuál es la pieza principal y cuál es la complementaria. Como principios y criterios fijos de un diseño claro, transparente y funcional hay que señalar:

· División del espacio de la página en fracciones modulares.

· Jerarquización en los cuerpos o tamaños de letra empleados, así como del grosor del tipo de letra estándar del periódico.

· Empleo de espacios en blanco como elemento de separación.

· Manipulación del ancho de la columna estándar.

Legibilidad y carácter tipográfico

La legibilidad es una condición indispensable al elegir y determinar el tipo de letra como base y estándar tipográfico del periódico a diseñar. La estética y carácter de la letra a elegir no están sujetas a cánones ya que obedecen a factores menos lógicos y pragmáticos. La legibilidad ha de cumplir una doble exigencia: en una línea han de caber el mayor número posible de espacios y una columna debe admitir al mayor número de líneas. Finalmente hay que optar por una letra cuyo equilibrio entre calidad y cantidad la hagan adecuada para su uso como letra base tipográfica de u periódico. Otro factor a considerar es la calidad del proceso de impresión de cada periódico, esta decisión puede invalidar algunas decisiones. Por este motivo, no pueden establecerse normas o reglas fijas respecto al espacio ideal entre las letras de una misma palabra…etc. La decisión que concierne al tamaño de las letras, la intensidad del negro y los espacios en blanco de los titulares, depende del tipo de contenido que se quiera ofrecer. En la composición de una noticia se acostumbra a utilizar el tipo de letra Roman que por tradición, legibilidad y carácter es la preferida para una lectura constante y larga. Es mejor no modificar la versión original de un tipo porque le legibilidad o no de éste se mueve en límites muy sutiles. Un último condicionante para la legibilidad de los textos de un periódico reside en la relación que guardan cuerpo o tamaño utilizado y el ancho de la línea del contenido de un texto se retiene mejor cuanto menor es la anchura que presenta la columna del texto).

¿Cómo podemos estructurar nuestro diseño y los elementos que éste contenga?

2008-06-12T16:04:00.001-07:00

Retícula

Todo trabajo de diseño se debe regir por una estructura previamente estudiada. Esto permite obtener claridad, legibilidad y funcionalidad a la composición, además de facilitar el trabajo creativo.

Existe un método para resolver los problemas planteados a la hora de diseñar una publicación. La retícula, que consiste en dividir el espacio en pequeños módulos, que sirven de guía para la ubicación de los elementos. La finalidad de la retícula es intentar establecer orden donde hay caos; hacer que el receptor encuentre el material en el lugar esperado y que el diseñador piense de forma constructiva y estructurada.El diseñador debe encontrar un equilibrio entre la retícula diseñada y el material (texto o ilustraciones), en caso de que éste no se adapte a esa estructura establecida, tendremos que modificar la retícula, ya que no es aconsejable que forcemos el material.

Las principales ventajas que tiene que ofrecernos una retícula bien diseñada las podemos resumir en tres: repetibilidad, composición y comunicación.

Plantilla y Estilo

Por otro lado, tanto las revistas como los periódicos y los libros, deben diseñarse con arreglo a un patrón único, creando de esta forma una sensación de unidad.

Lo que queremos decir con esto, es que aun siendo publicaciones con diferencia de contenido, todas utilizan un método común, una plantilla o maqueta para todas sus páginas, de esta forma cada publicación presenta el mismo estilo en todas sus páginas y ediciones.

La plantilla no es más que un instrumento para medir y organizar los espacios y los elementos de la composición de una forma coherente y equilibrada. Por lo general la plantilla se crea a doble página como si la revista estuviese abierta, de esta forma veremos mejor el resultado que vá a tener.

Cada información o cada elemento de una página necesita un tratamiento específico, por tanto, hay que tener en cuenta estos aspectos (imágenes, texto, tipo de información), porque de ellos dependerá la maqueta.Cuanto más variada es la información, más flexible ha de ser la estructura

Diseño de periódicos: sistema y método

2008-06-12T15:28:00.000-07:00

PRIMERA PARTE

1. EL PROTOTIPO

Componentes preliminares

Los proyectos de diseño integral que serán concebidos y previstos para su realización y producción industrial, exigen la elaboración de un prototipo. Éste, en el caso de un periódico, ha de ser valorado mediante los siguientes aspectos:

· El aspecto estético (la forma)

· El aspecto periodístico (los contenidos)

· El aspecto técnico (la fabricación)

Estos tres aspectos facilitan datos importantes acerca de los medios necesarios (humanos, técnicos, calidad, cantidad…) de la publicación diseñada. El diseñador debe conocer las pretensiones del editor antes de iniciar su proyecto de diseño. En el caso de una publicación nueva, el proyecto editorial y el estudio de mercado son piezas fundamentales para que el diseñador pueda desarrollar su trabajo. Cuando se trata del rediseño de una publicación ya introducida en el mercado, el diseñador también debe contar con el proyecto editorial y el estudio de mercado como base para desarrollar lo mejor posible su cometido. En ambos casos, se trata de saber qué es lo que se quiere comunicar y a quiénes. Para realizar el diseño de un periódico al diseñador le basta su condición de lector (crítico y atento) así como sus conocimientos y experiencia en el ámbito del diseño comunicativo (no le es necesario la posesión de habilidades periodísticas).

En un estado preliminar del prototipo, el diseñador debe establecer un buen diagnóstico antes de desarrollar las medidas oportunas. También es aconsejable que dedique alguna parte de su tiempo a convencer, ilusionar y comprometer en el proyecto de diseño ya que el factor humano es muy importante. Otro componente preliminar en la creación del prototipo es conocer los hábitos y formas de ser de los consumidores potenciales ya que conocer la mentalidad, gustos y costumbres de la gente a la que va destinada la publicación puede ser de gran utilidad en la toma de determinadas decisiones.

2. Reflexiones sobre la estructura

El dominio del impacto y del control persuasivo que antaño poseía el periódico ha pasado a la televisión. Los límites del diario en cuanto a forma y contenido y su lentitud relativa para reaccionar ante la actualidad lo han puesto en una posición defensiva. El periódico es el medio para satisfacer las necesidades intelectuales de una nueva sociedad más rica en información y conocimiento con la condición de que éste sepa responder con criterios y efectividad a las nuevas realidades. Esto da lugar a dos partes informativas:

· Hard News: actualidad de las últimas 24 horas.

· Soft News: refleja una dimensión más amplia del concepto “actualidad”. Tienen una temática y una información más allá de los sucesos acontecidos en las últimas 24 horas.

El periódico moderno (atractivo y competitivo en los medios de comunicación) tiene que presentar la información de manera detallada y amplia sobre la actualidad general y también ha de tener un contenido especial y exclusivo en forma de reportajes, dossier, relatos, entrevistas…producto de un periodismo imaginativo y de investigación. Se trata de una oferta diaria cuya atracción y valor informativo no pueden descansar en la improvisación sino que son fruto de una gran planificación y organización. La condición de sorprender al lector provoca que las páginas no habituales tengan que romper con el sistema propio de las hard news (funcionalidad y transparencia informativa, recurso a fórmulas gráficas modulares y repetitivas) en el aspecto visual y en el concepto gráfico. Esto no implica la contradicción con el carácter de las páginas estándar del periódico. El número de secciones en que se divide el periódico, el orden de compaginación de cada una de ellas y la proporción de páginas que se les destinan habitualmente son cuestiones que afectan a la estructura básica del periódico que conviene conocer antes de iniciar el diseño o rediseño de éste.

El concepto de “periódico moderno” (división entre hard y soft news) también puede aplicarse a publicaciones semanales y temático monográficas (periódicos de economía, cultura, deportes…).

La Goma es Peligrosa

2008-06-09T00:00:00.000-07:00

Publicidad de Alka Seltzer: Kitten dedicada para los que festejaron este Fin de Semana...

2008-06-06T14:52:00.000-07:00

Se dice que cuando William Caslon diseñó su única fuente sin patines (sans-serif) en 1800 se consideró una monstruosidad. Eso no hubiera pasado en los años 1920s, donde las fuentes sin patines eran consideradas como una tipografía con ideales progresistas. Como por ejemplo: En los 20s la Fuente Broadway , en los 60s Helvetica y en los 70s Avant Garde.

Barbara Kruger

En nuestros tiempos algunos diseñadores se identifican con fuentes que utilizan casi en forma instantánea.
Es el caso de Barbara Kruger que maneja la fuente Futura.

El problema que he visto en la era posterior al boom del desktop publishing es que casi todo mundo utiliza como “default” las fuentes Times y Arial.
Cada vez que veo un logo, cartel , página web, etc. diseñado en esas fuentes me pregunto:
¿Que no existen otras fuentes?

O por el otro lado existen sitios web y diseños impresos que parecen catálogos de fuentes Grunge.
No por tener la posibilidad de bajar fuentes gratis, tenemos derecho a darle un golpe en la retina a nuestros clientes y usuarios.

Percepción de un diferente mensaje en Tipografía

2008-06-06T14:45:00.000-07:00

Con solo cambiar el tipo de fuente en un texto, se puede lograr una sensación diferente.

Eso es exáctamente lo que se pretende al escoger una tipografía en nuestros diseños. Si se conoce un buen número de fuentes, de seguro nos llegará mentalmente una buena opción.
Si no contamos con una buena cultura visual en cuanto a tipografías, podemos hecharle un ojo a algún libro donde se muestren los alfabetos con diferentes fuentes.

En todo caso tenemos que comparar qué atmósfera nos da una u otra, escoger tres opciones y discutirlas con nuestro equipo de trabajo. De seguro ellos nos darán una crítica constructiva y estaremos listos para utilizar una.

Por otro lado, estudiando el uso de tipografía en el curso de la Historia, podemos observar algunos trabajos con letras hechas a mano o manipuladas con el software de nuestros días, pero siempre encontraremos que lo más importante es la creatividad al manejarlas.

No existe ninguna receta, cada proyecto requiere un estudio de la interacción imagen — tipografía.

En algunos casos la imagen se convierte en una letra, llevando así el mensaje directo.

Existen trabajos excelentes, donde el tipógrafo crea todo un alfabeto lleno de imágenes.

Antes de la computadora, el trabajo del tipógrafo era totalmente ertesanal. Por ese motivo es de admirarse cuando vemos una fuente tan perfecta como la Garamond, Caslon, Bodoni, etc.

Ahora casi todo mundo puede tomar como base una fuente ya diseñada y a partir de ella crear una variante mínima o máxima, nombrarla y venderla.

Todo es válido en nuestro mundo globalizado.

Uno de los problemas que se encuentran los diseñadores es o la falta de opciones para utilizar tipografía o una saturación de ellas.
Terminando con una simpleza que raya en la pobreza visual o una saturación que demuestra la falta de criterio para escoger.

El problema crece cuando un cliente nos pide que les volvamos a trazar su logo, nos dá una hoja mal impresa y nos pide que los saquemos de allí. En primer lugar tenemos que encontrar la fuente que más se asemeje o que sea idéntica a la utilizada para ese logo.
Esa sí que es una gran empresa, porque tal vez el diseñador anterior, bajó una fuente de algún lugar oscuro de Internet. Dejándonos tan solo con muy pocas huellas de donde poder encontrarla.

En general casi tenemos que crear esa fuente con la pluma de Illustrator o cualquier programa vectorial.

Ni modo, tenemos que mostrar nuestro ingenio para que el cliente vuelva con más trabajo. Aunque en casi todos los casos él ni se entera de lo dificil que pueda ser tomar el logo de esa hoja pobremente impresa.

Proceso del Diseño Gráfico

2008-06-04T00:53:00.000-07:00

Desarrollaremos nuestro método propios de aprendizaje, crearemos cuestionarios, utilizaremos sus productos o servicios, cuestionaremos a su competencia o a las personas que saben de ellos.

Aplicación
En todo momento del proceso de diseño tenemos que contactar a los impresores, el buró de servicio, al webmaster, etc. Con el fin de evitar problemas de compatibilidad, especificaciones técnicas, tiempos de entrega, si se va a reproducir en video, CD ROM, en Internet, etc.
Ellos al ser profesionales en su medio les gustará que los tomemos en cuenta, con eso evitamos llegar al último minuto con un PDF y que no lo sepan o no lo quieran manejar.

Trataremos de crear un diseño lo mejor posible, con eso aprenderemos de cada trabajo. Tenemos que poner atención a cada línea, cada píxel, cada trazo, nos costará un poco más de tiempo, pero la gratificación de que nos vuelvan a contratar será nuestra mayor satisfacción. Nuestra responsabilidad es crear algo profesional, muy pocos nos pagarán por nuestro “Arte” nos pagará por nuestro tiempo, nuestras ideas y nuestra dedicación.

Principios básicos en Rótulos

2008-06-04T00:50:00.000-07:00

Una pequeña introducción en los principios de como se puede ver bien un rótulo.

Nos muestra que colores contrastan mejor, visibilidad, tamaño, texto, etc.

Sin duda existen más lugares donde encontrarlo más ampliamente, pero puede ser un buen principio.

Aunque se vea como recetas a seguir, es bueno para obtener una referencia.

Aquí se muestran los colores y su valor en contraste y visibilidad de unos con otros.

PRINCIPLES OF SIGN DESIGN

Diseño de Logotipo

2008-06-03T00:23:00.000-07:00

El logotipo debe ser único.
Se puede aplicar a todo objeto utilizado por la compañía, desde tarjetas de presentación, hoja membretada, anuncio publicitario, flota de camiones, productos promocionales, etc.

El diseño del logotipo para una compañía nos lleva a un dilema, porque se pretenderá crear un sentido de dinamismo global así como un sentido conservador dentro de la estructura de la empresa o servicio. Por éste motivo se hace imprescindible la comunicación con el cliente acerca de las necesidades y la interacción con el usuario final.

El diseño es un proceso de colaboración, no casarse con una idea y si tenemos una cierta fijación con alguna línea creativa, defendámosla en forma objetiva, jamás en forma subjetiva.

Diseñar un logotipo es un ejercicio global no local:
Las compañías requieren un logotipo multi-regional, abarcando en forma potencial a diferentes mercados a nivel mundial.

Existen diferentes compañías, organizaciones, instituciones, etc. Todas ellas requieren un diseño diferente, así como también serán los métodos para obtenerlos.
No es lo mismo Un logotipo institucional, uno para una pequeña o mediana empresa, organización sin fines de lucro o cultural.
Si es una pequeña empresa se debe tomar en cuenta la expansión de la misma, en el futuro puede abarcar diferentes mercados.

Al diseñar un logotipo se debe tomar en cuenta los diferentes medios de distribución, no es el mismo tratamiento de un logo sobre una pluma que uno en 3D para una página web.
En general se utiliza un color Pantone y el negro para trabajos de papelería.

La elección de la tipografía es muy importante, se puede utilizar una fuente que refuerce al elemento gráfico o que sea totalmente opuesto.

Aquí mostramos algunos sitios con ejemplos de logotipos de nuestro entorno:
http://www.logotypes.ru
http://www.visual.gi/logoteca
http://www.brandsoftheworld.com
http://www.lalogotheque.com

Los logotipos por definición son simples; directos; llaman la atención en forma visual; representa a una persona, producto o compañía.

Diseñador gráfico o Artista

2008-06-03T00:22:00.000-07:00

El debate siempre es intenso entre la relación de ser Diseñador gráfico o Artista, al final nadie queda 100% conforme, este es un tema demasiado controversial. Estas líneas se las mandé a un colega que estaba haciendo su tesis acerca de esta eterna inquietud, él elaboró ciertas preguntas, algunos de nosotros le contestamos y esta fue mi respuesta:
Mi respuesta requiere ciertas consideraciones acerca de lo que es el arte y lo que es el diseño gráfico.

Arte como ahora la conocemos es un término moderno. Los objetos que percibimos como arte, que fueron hechos por los griegos, egipcios, aztecas, incas, etc. “El arte prehispánico no crea el arte por el arte su propósito es traducir en forma plástica su sentir religioso” -(Vaillant) tenían usos prácticos, fueron admirados, reconocidos, pero no como arte en el término que nosotros usamos. El término arte nace en el siglo 15 o 16 en Italia.
Durante el Renacimiento el mundo del Arte emerge como Pintura Escultura y Arquitectura, después se les unió Música y Poesía, desde el siglo 18 a estas 5 actividades se les denomina Arte. Quedaron afuera las Artes Decorativas, como alfarería, trabajo en hierro, la creación de muebles, el impresor, el ilustrador, etc. las cuales tenían una utilidad como finalidad.
Antes que existiera Gutenberg y sus contemporáneos, la producción de libros era totalmente artesanal, en esa época encontramos verdaderas maravillas en lo que se refiere a ilustración y tipografía.
Para el siglo XVIII y XIX, comenzó el verdadero auge en lo que se refiere a la impresión de libros y anuncios publicitarios, esto se debió a la rápida expansión de imprentas por todo el mundo. También la Revolución Industrial ayudó a que se imprimiera cada vez un mayor número de copias por hora. Esto llevó a un conflicto laboral, cada vez que salía una máquina se despedían a muchos trabajadores. (a veces los dueños de las imprentas las escondían hasta el día en que decidieran despedir personal).
Esta fue la época en donde nacieron grandes tipógrafos como Bodoni, Caslon, Baskerville, etc.
La diferencia entre el artista y el artesano comenzó en el renacimiento al darle un valor de inspiración a las actividades como la pintura, escultura o poesía. Para el siglo 19 el modernismo adoptó nuevas formas o valores distintos en la pintura, se comenzó a contradecir al arte renacentista. Marcel Duchamp en el siglo 20 declaró que cualquier objeto producido por un artista es arte, esta posición ha complicado de sobremanera el significado del Arte.
Una definición exacta de Arte jamás la hemos tenido o existen infinidad de ellas que es difícil quedarse con una:
” Arte es el uso de la imaginación y habilidad para crear objetos estéticos, ambientes o experiencias que se comparten con los demás.
” La definición de arte es tan remota que pienso que nadie se atrevería a proporcionarla” (Rosenblum).
” Arte es una esquina de creación vista a través de un temperamento” (Zola)
” Arte es un método de abrir espacios o sentimientos en lugar de ser tan solo la representación de un objeto”
” Actualmente cualquier cosa puede designarse como arte” (McEvilley)
” Después de Andy Warhol nadie puede decir que es arte y que no lo es” (Danto).
El Diseño Publicitario como tal ha estado viviendo desde los años 1700s. Fueron artesanos contratados por comerciantes para producir un anuncio de lo que vendían. La mayoría de la gente era inculta, así que el diseñador se las ingeniaba para representar las cualidades o poderes del producto lo mejor posible, de forma visual y con el texto en forma de síntesis.
Fue hasta 1922 que William Addison Dwiggins le dió nombre a la actividad de darle forma y estructura a la comunicación visual: Diseño Gráfico.
Diseño Grafico es un comunicador visual. Las habilidades requeridas son: explorar ideas y conceptos, práctica visual para resolver problemas, atención a los detalles, disponibilidad por aprender producción gráfica, ya sea en forma tradicional o en la computadora, estar listo para aplicar todo esto en las diferentes áreas de la comunicación visual.
El diseño Gráfico en nuestros tiempos es más universal, la gente se da cuenta que un logo o un buen diseño de paquete puede ser la diferencia entre ser escogido o pasar inadvertido.
Un diseñador Gráfico puede diseñar desde una invitación de baile hasta la imagen corporativa de una compañía transnacional. La mayoría de los trabajos se basa en algún proyecto determinado. En numerosas ocasiones se trabaja bajo extremas presiones de tiempo y con muy definidas especificaciones en el presupuesto. El diseñador tiene que sintetizar información obtenida desde diferentes fuentes: usar la información del mercado, especificaciones del costo del departamento de presupuesto, etc. Producir una variedad de bocetos o modelos para demostrar diferentes posibilidades del producto, por lo tanto se tiene que saber escuchar comentarios referente a lo estético, al color y a las necesidades del cliente.
Ser diseñador gráfico no es un solo trabajo o una sola persona: se tiene que ser por lo menos buen vendedor de ideas, comunicador, trabajar en equipo ya sea con colegas, clientes, impresores, programadores, webmasters, etc.
La especialización viene con la madurez. Evitar ser el diseñador con un estilo definido, tal vez el próximo año no sea del agrado del mercado. Capacidad de aprender a escuchar y cambiar cuando sea necesario (no casarse con una idea).
La consistencia es crucial, solo pregúntese cuantos diseñadores gráficos se gradúan cada semestre. Y lo que es más algunas veces no se requiere obtener un grado universitario para ser Diseñador Gráfico, pero es necesario tener cultura general, cultura visual y un constante estudio, para poder sobrevivir.
Un diseñador tiene que saber de la nueva tecnología aunque todo su trabajo se desarrolle en forma tradicional.
La competencia es cada día más fuerte. Hace algunos años los grandes despachos de diseño contrataban de 10 a 20 gentes, ahora solo hay 5 o 6 diseñadores de planta. Por lo tanto existen cada día más gente trabajando por su cuenta. Los primeros años como graduado son difíciles, se tienes que construir un portafolio de trabajo, ganar reputación, etc. en esta época tiene uno que ser optimista, trabajar con muchas ganas y lo más importante es ser humilde y aprender de los demás.
Preguntas y respuestas:
1).- Diseñador Gráfico o Artista Plástico.
Si quiero hacer un buen diseño grafico recurro a mi trabajo en equipo y si quiero hacer arte me encierro en mi mundo.
2) Qué es para ti el Diseño Gráfico?
El Diseño Gráfico es una actividad multidisciplinaria, el fin está determinado por muchos factores, ya sean comerciales, de comunicación, culturales, estéticas, creatividad, etc. pero el punto principal es que los objetivos trazados surtan efecto en el producto final.
3).- Qué es para ti el Arte?
El Arte es la libertad de expresarme sin tener que dar explicaciones a nadie.
4).- Puede un diseñador hacer Arte? Si No Por qué:
Claro que sí, muchos diseñadores gráficos hacen valer su libertad de expresión, algunas veces a favor o en contra del cliente.
5).- Puede un artista hacer Diseño Gráfico? Si No Por qué:
Infinidad de artistas producen diseño gráfico como sustento, en tanto su Arte es reconocida o rentable.
6).- Crees que exista una frontera entre el Arte y el Diseño Gráfico?
La frontera existe cuando se trata de vender al arte como diseño gráfico y al diseño gráfico como arte.
7).- Crees que exista alguna contradicción entre el Arte y el Diseño Gráfico?
Ninguna, ambas pueden ir de la mano, solo que la desviación está al final cuando en el diseño grafico se dice: para este cartel los costos de producción fueron la mitad de los del año pasado, el diseño es excelente y recibimos un 50% más de público al concierto. Y en el caso del arte se dice: para este cartel le pagamos muy poco al artista, hizo un esplendido trabajo y recibimos un 50% más de público al concierto.
8).- Conoces algún diseño que sea considerado arte. Cuál?
Las primeras libros como la Biblia, manuales de tipografía del siglo XVIII y XIX, los libros Celtas, Los carteles de Touluse Lautrec, Los anuncios de José Guadalupe Posada y algunos carteles del cine polaco.
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Ampliar el tamaño de una imagen por interpolación

2008-06-03T00:20:00.000-07:00

La necesidad de incrementar el tamaño de una imagen ha hecho que la palabra de moda se llame “interpolación”. Significa añadir píxeles para poder magnificar o agrandar la imagen.

Por supuesto que ello acarrea algunos problemas, como la pérdida de nitidez en toda la imagen, por ejemplo en los bordes donde se encuentran dos colores como el amarillo y azul los algoritmos de interpolación crean píxeles de color verde, en un principio suena lógico esa transición , pero en realidad está bajando el contraste entre las dos tonalidades por lo tanto pierde nitidez. Se puede arreglar ese problema con un filtro como el de Photoshop “sharpness” o si la imagen se imprimirá en un plotter destinado a un espectacular, la distancia a la que el usuario lo ve, hace que no se note el problema.

Cuanto se perderá en esa imagen depende de la calidad de imagen, el método de interpolación y cuanto va a ser ampliada. Otro problema es el efecto dentado alrededor de curvas, aunque es imposible de arreglar, dependiendo del tipo de interpolación se puede reducir un poco. También podemos ver algunos “artefactos” que es como un ruido en las imágenes, en una mayoría son menores y se pueden arreglar con la herramienta de “clonar”, pero algunas veces son imposible de corregir.

Existe una gran variedad de métodos matemáticos o algoritmos para calcular la interpolación, la mayoría de las aplicaciones de edición fotográfica incluyen “Nearest Neighbor, Bilinear y Bicubic” Conocerlos nos da la pauta para escoger el mejor para nuestras necesidades.
Nearest Neighbor es relativamente rápido, pero no produce buenos resultados. Toma el valor del píxel más cercano para determinar qué color tomará cada pixel nuevo. Funciona en donde existen colores con orillas bien definidas, pero en general no se recomienda para imágenes fotográficas.
El siguiente es el método Bilinear. Este algoritmo toma los valores de cuatro píxeles de alrededor para determinar de qué color serán los nuevos píxeles. Puede hacer buen trabajo para incrementar el tamaño de una imagen, pero en general se utiliza para reducirlo.
El Bicubic que es una variación del algoritmo S-Spline, generalmente produce mejores resultados.

Debemos comenzar con una imagen de calidad recuerden que: si entra basura> basura sale.
Si comenzamos con una imagen fuera de foco, la interpolación la exhibirá más.
Cuando se tiene una imagen capturada con una cámara digital se puede interpolar mejor que el escan de una fotografía ya impresa, ésta última tiene el grano del papel, lo que hace que la interpolación crea que son detalles de la imagen y por ende los trata de mejorar y por supuesto que no es el objetivo. Otra es que al escanear una foto y luego utilizar la interpolación, estamos creando pasos intermedios en donde la imagen está perdiendo nitidez.
Si se cuenta con escans de alta calidad se logrará una buena interpolación, pero una foto digital se presta para un mejor algoritmo, por su naturaleza más directa.

Si lo hacemos en Photoshop, casi siempre lo haremos por medio de Bicubic, tenemos que estar seguros de checar la opción de “Resample” para que el número de píxeles en la imagen se pueda cambiar y así escoger la resolución y dimensiones, el resultado puede ser bueno.

TIP de Photoshop: Dependiendo de lo grande que se requiera la imagen es bueno interpolar poco a poco, digamos una imagen se puede interpolar un 110% a la vez hasta llegar al tamaño final. No es bueno de una vez incrementar al tamaño máximo, esto creará más artefactos. También se le puede aplicar el filtro de Unsharp Mask en el camino de la ampliación. Digamos un rango pequeño de Radius de 0.2 a 0.4 conjuntado con una gran cantidad Amount entre 400 a 500%, aquí también se obtendrán mejores resultados que si se le dá una sola cantidad de Sharpen.

Un producto para hacerlo de otra forma es el Genuine Fractals http://www.lizardtech.com/solutions/gf/ está diseñado para guardar una copia de archivo que está altamente comprimido sin pérdida de calidad, utiliza una cierta tecnología propia para guardar los datos de la imagen. Puede cambiar de dimensiones sin pérdida de calidad, hace un excelente trabajo. Existe solo un inconveniente que al no ser un plug in, se tiene que salvar el documento en su formato único.

S-Spline una tecnología patentada http://www.trulyphotomagic.com/shortcut/customer/index.php
Utiliza una tecnología de interpolación adaptativa, donde diferentes métodos son utilizados para interpolar varios píxeles en una misma imagen. Si se desea ampliar una imagen con calidad, ésta es una buena opción, lo que tienen de malo es que crea más “artefactos” en las imágenes que otros métodos.

Pxl Smartscale http://www.extensis.com/pxlsmartscale es un plug in de Photoshop, analiza los píxeles de alrededor determinando el valor más apropiado para los nuevos píxeles. Este plug in es el mejor método porque generalmente no produce artefactos y su calidad de nitidez es muy buena.

Otra opción de interpolación es la que se obtiene desde el modo RAW de las cámaras digitales, lo que ahora soporta Photoshop CS, esta opción de interpolación toma ventaja de que al no ser guardadas como JPG, como usualmente hacen las cámaras. Se puede abrir el documento RAW y desde allí ampliarlas a mayor tamaño sin tener los artefactos que se crean en los JPGs. Si se desean ampliar fotos desde una cámara digital, este puede ser un buen método.

¿Qué tanto es permitido ampliar una imagen? eso depende de donde la tomamos, por ejemplo de una cámara digital de 6 megapixeles con una imagen de 8 X 10″, se pueden ampliar a 20 X 30″ con excelente calidad. Si se crean espectaculares se puede ampliar una imagen con buenos resultados, porque la distancia de visualización es mayor y los detalles no se hacen tan necesarios.
Existen cámaras de 11 y 14 megapixeles, pero solo generan documentos del tamaño de 9 X 13″ y de 10 X 12.5″, así que no pueden considerarse de gran tamaño, ahí es donde la interpolación juega un importante papel.

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Como buscar en Google

2008-06-02T14:55:00.001-07:00

Cuando buscamos algo en Google, casi no tomamos en consideración que existen alternativas de búsqueda, llevándonos a miles o millones de páginas. Por ejemplo si utilizamos los criterios de OR y AND se incrementarán las posibilidades de encontrar exactamente lo que buscamos, por ejemplo:
Bandera and México
Bandera or estandarte
Se puede buscar como México (bandera or estandarte), aquí buscará una u otra opción al mismo tiempo.
Si no se desea algo se le agrega el símbolo ñ
Bandera México -escudo

El símbolo + es para especificar que es algo importante para la búsqueda. Diseño +Ilustración

Buscando frases por medio de comillas “agua que nos has de beber”

Si se agrega la tilde antes de una palabra tratará de buscar esa palabra más sus sinónimos. ~boceto

Recordemos que Google no trabaja en forma de caso sensitivo al escribir las palabras, por ejemplo AGUa es lo mismo que agua. Probemos algo con nuestras queridas ñs o con acentos y casi siempre nos llevarán al lugar correcto.

Podemos encontrar agradables sorpresas al darle clic a “Voy a tener suerte”, en realidad no se sabe qué parámetros Google utiliza para llamar una u otra página, algunas veces es la que está en primer lugar de la búsqueda.

Google utiliza lo que se llama “stemming” que es una forma de manejar búsquedas por medio de asteriscos, por ejemplo si buscamos diferentes combinaciones de palabras:
íverde * rojo”, tal vez encuentre “verde, blanco y rojo” o “verde, naranja y rojo”

Por otro lado Google puede buscar en forma de “special syntaxes” que busca una información específica, aunque no todas trabajan como uno quisiera aquí se mostrarán algunas:
site = busca el sitio indicado. site:www.flashkit.com
intitle = solo busca en los títulos de las páginas. intitle:creatividad
intext = encuentra en el cuerpo de texto. intext:fotografia
inurl = busca en los URLs. inurl:Da Vinci
link = busca los lugares que tienen un link hacia el sitio. link:www.flashkit.com
filetype = en combinación con otra forma de buscar se puede encontrar un tipo de documento,se pueden encontrat htm, html, ASP, PHP, CGI, PPT, XLS DOC, PDF, FLA. inurl:PHP filetype:PDF
related: para buscar sitios que se parezcan al nombrado. related:flashkit.com
info = es la información del sitio, como el caché de la página, quién está vinculado a ella, etc. info:www.apple.com

Por supuesto que podemos buscar combinándolos, por ejemplo si deseo encontrar un preloader en FlashKit busco en la forma siguiente:
intext:preloader site:www.flashkit.com
Sería diferente el resultado si busco como:
intext:preloader inurl:flash
inurl:preloader filetype:fla

En fin podemos buscar en menor número de páginas utilizando la forma correcta.

Código Hammurabi y Piedra Rosetta probable inicio de la tipografía

2008-06-02T14:32:00.000-07:00

Como nos muestra ésta tableta, puede ser uno de los inicios de la tipografía.

Detalle de Código de Ley de Hammurabi
La escritura cuneiforme se compone de caracteres en forma de cuña. Los caracteres se inscribieron en tabletas de arcilla. Cuándo las tabletas se hornearon, llegaron a ser casi indestructibles.
Se conoce como el código de ley escrito más antiguo. Viene de la ciudad antigua de Babilonia (hogar de Marduk en la Historia de la Creación).

El código se escribió en cuneiforme, la forma más antigua de escribir conocida por los humanos. La escritura cuneiforme se inventó en Mesopotamia en 3400 b.c.

Otro objeto importante fué la Piedra Rosetta.
El nombre Rosetta se refiere al adelanto crucial en la investigación con respecto a jeroglíficos egipcios. Representa especialmente la “traducción” de símbolos “silenciosos” en un idioma vivo, que es necesario para hacer el contenido de la información de estos símbolos sea accesibles.

Es un trozo de basalto compacto (114×72x28 cm). Se encontró en julio de 1799 en la pequeña aldea Rosette (Raschid) que se localiza en el delta occidental del Nilo. Hoy la piedra se mantiene en el Brithish Museum de Londres.
Contiene tres inscripciones que representan un solo texto en tres variantes diferentes de escritura, es un decreto de los sacerdotes de Memphis en honor de Ptolemaios V. (196 b.c.)

El texto aparece en la forma de Jeroglíficos (escritura de los funcionarios y textos religiosos), la Demótica (escritura egipcia diaria), y en Griego. La representación de un solo texto de las tres variantes mencionadas de escritura permitió al francés Jean Francois Champollion (1790-1832) en 1822 a descifrar los jeroglíficos. Además, con la ayuda del idioma coptic (idioma de los cristianos descendientes de los egipcios antiguos), pudo darse cuenta del valor fonético de los jeroglíficos. Este demostró el hecho de que los jeroglíficos no tienen un significado solamente simbólico, sino que también servía como un “idioma hablado”.

QuarkXpress 8

2008-06-02T13:49:00.000-07:00

Los de QuarkXpress van a sacar la versión 8.0 de esta aplicación de diseño editorial. La verdad es que ya le perdí un poco la pista a este programa, ya no compré la versión 7.
Ya saben que QuarkXpress ha perdido un gran mercado, muchos se han cambiado a InDesign.
Así que si eres usuario de QuarkXpress ¿nos puedes decir qué tan bueno estaba el 7?

Concepto de tipografía, familia y fuentes tipográficas.

2008-05-21T12:22:00.000-07:00

Esta es una breve explicación de lo que es en si la tipografía y partes de una letra que les ayudara a comprender un poco mas las preciadas "fuentes" de las que tanto dependemos.

Tipo: es igual al modelo o diseño de una letra determinada.

Tipografía: es el arte y la técnica de crear y componer tipos para comunicar un mensaje. También se ocupa del estudio y clasificación de las distintas fuentes tipográficas.

Fuente tipográfica: es la que se define como estilo o apariencia de un grupo completo de caracteres, números y signos, regidos por unas características comunes.

Familia tipográfica: en tipografía significa un conjunto de tipos basado en una misma fuente, con algunas variaciones, tales, como por ejemplo, en el grosor y anchura, pero manteniendo características comunes. Los miembros que integran una familia se parecen entre sí pero tienen rasgos propios.

Los formatos de tipografía digital más comunes son:

TTF o TrueType Font
PostScript Type 1 o Tipo 1 de Adobe

y también:

OTF (OpenType Font)

Imagen con las partes más comunes de un carácter

Partes de una letra:
No existe una nomenclatura específica y que haya sido aceptada de manera definitiva, para designar las partes de una letra.

Partes que componen un tipo:

Altura de las mayúsculas: Es la altura de las letras de caja alta.
Altura X: Altura de las letras de caja baja, las letras minúsculas, excluyendo los ascendentes y los descendentes.
Anillo: Es el asta curva cerrada que forman las letras "b, p y o".
Ascendente: Asta que contiene la letra de caja baja y que sobresale por encima de la altura x, tales como las letras "b, d y k".
Asta: Rasgo principal de la letra que la define como su forma o parte mas esencial.
Astas montantes: Son las astas principales o oblicuas de una letra, tales como la " L, B, V o A".
Asta ondulada o espina: Es el rasgo princial de la letra "S" en mayúscula o "s" en minúscula.
Asta transversal: Rasgo horizontal de las letras "A, H, f o t".
Brazo: Parte terminal que se proyecta horizontalmente o hacia arriba y que no se encuentra incluida dentro del carácter, tal como se pronuncia en la letra " E, K y L ".
Cola: Asta oblicua colgante que forman algunas letras, tales como la " R o K ".
Descendente: Asta de la letra de caja baja que se encuentra por debajo de la línea de base, como ocurre con la letra "p y g".
Inclinación: Ángulo de inclinación de un tipo.
Línea base: La línea sobre la que se apoya la altura.
Oreja: Es la terminación o terminal que se le añade a algunas letras tales como "g, o y r".
Rebaba: Es el espacio que existe entre el carácter y el borde del mismo.
Serif, remate o gracia: Es el trazo o termina de un asta, brazo o cola.