ColorJack

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Identidad Corporativa de RTVE

El estudio español Summa se ha encargado de darle una manita de gato a la identidad corporativa de Radio Televisión Española por completo, desde los logotipos pasando por la página web, instalaciones, flotilla, papelería, identificación de marca, etc, todo de principio a fin, hasta han adaptado sus interfases para nuevos medios como el iPhone.

En lo personal me parece un buen rediseño de marca, se basa en el la idea de la luz la cuál descomprime todos los colores del espectro, es colorida, redondeada, dinámica.

¿Ustedes que opinan??

Más sobre el Diseño Gráfico

Diseño gráfico

Introducción
El diseño grafico surgió como disciplina independiente a mediados del Siglo XX. En términos generales se puede definir el diseño como la ordenación, composición, y combinación de formas y figuras, pero también se puede entender el diseño sencillamente el dibujo o conjunto de líneas principales de una cosa, en concreto el diseño grafico debe conocerse como el arte y la técnica de traducir ideas en imágenes y formas visuales.

El diseñador grafico es un artista al servicio de los que le encarguen su trabajo, aunque en la actualidad se ha ampliado enormemente al aumentar los procesos técnicos de reproducción y ser mucho mas satisfactorios.
El artista se puede manifestar como le parezca sin preocuparse ni de la interpretación que se le de a su obra.

Además de la publicidad y los Medios de Comunicación de Masas (MCM) el trabajo del diseñador se ha extendido a campos diferentes como los que tienen que ver con la imagen corporativa, señaletica, empaquetado. Antes de que se pudiera hablar de diseño grafico, existía el arte gráfico, que como un arte menor tomaba de los estilos artísticos, las influencias lógicas que han quedado manifiestas en impresos y libros a lo largo del tiempo.

El diseño gráfico es una profesión cuya actividad industrial está dirigida a idear y proyectar mensajes visuales, contemplando diversas necesidades que varían según el caso: estilísticas, informativas, identificatorias, vocativas, de persuasión, de código, tecnológicas, de producción, de innovación, etc.

También referido como "diseño de comunicación visual", pues la actividad excede el campo de la industria gráfica y los mensajes visuales se canalizan a través de muchos medios de comunicación, tanto impresos como digitales.

Algunas clasificaciones difundidas del diseño gráfico son: el diseño gráfico publicitario, el diseño editorial,el diseño de identidad corporativa, el diseño web, el diseño de envase, el diseño tipográfico, la cartelería, la señalética, el diseño editorial y el llamado diseño multimedia, entre otros.

Su Historia

Se llama diseño gráfico a la transformación de ideas y conceptos en una forma de orden estructural y visual que abarca tanto el arte de hacer libros, periódicos y revistas, como anuncios, embases y carteles.
El termino diseñador gráfico acuñado por el Norteamericano William Adison Dwinggins, no se empezó a utilizar hasta 1922, aunque ya los primitivos sistemas de escritura en columnas o filas revelaban el empleo de una cuadrícula elemental para organizar la página y facilitar la comunicación.
La Revolución Industrial y la aparición de la litografía hicieron del S. XIX (finales) el punto de partida del diseño moderno, por que en esta época aumento de manera espectacular la cantidad de material impreso.
En 1890 en Inglaterra, el artista y escritor socialista William Morris, fundó la Kemscott Press que es una imprenta dedicada a la impresión de libros bien acabados, trato de resaltar la importancia del arte en contra de lo que consideraba la vulgaridad del estilo, y la manufactura de las mercancías producidas en masa. Morris se inspiró en la ornamentación medieval y en las formas vegetales creando diseños naturalistas, barrocos, recargados y formales.

En la época impresionista destaca Toulouse Loutec, pintor (1864 − 1901) famoso por sus carteles sobre la vida nocturna de París, compuestos a partir de siluetas planas y bloques de color como las estampas japonesas, pero organizadas en una composición dinámica. Sus cubiertas para programas y sus litografías
produjeron una revolución en la técnica publicitaria. Fue el primero que concibió un arte en la calle.

(1810 − 1910): El modernismo inglés con Beardsley había hecho un estilo inspirado en composiciones medievales y ultra barroco traducidas a una versión naturalista de líneas ondulantes y asimétricas en Francia dentro del abnobo, destaca la producción de carteles con Guimard (en el metro) que hizo por primera vez una fusión entre las ilustraciones y el propio cartel. Los dos grandes componentes de carteles en este país son, Jules Charet, autor de mas de mil carteles y Alphone Mucha, que llevo el cartel a la perfección máxima.

También dejaron una huella profunda en el diseño gráfico, los movimientos posteriores en cubismo, el futurismo, dad, surrealismo, así como el constructivismo ruso que buscaron ante todo el cambio, rechazando la fluidez de las formas orgánicas y los motivos ondulantes del modernismos, Apolinarire, Morinetti.

En 1919: Apareció muy próxima a todos estos estilos de vanguardia la Escuela de la Banhaus, bajo la dirección del arquitecto Walter Gropius. La Banhaus, se esforzó en unir arte e industria en el convencimiento de que la industrialización ofrecía grandes oportunidades al artista y de que solo las ideas más brillantes justificaban la producción en masa. Con ella prácticamente nace el concepto de diseño y en el diseño grafico se introdujeron tantas ideas innovadoras que su influencia aun se detecta.

1908− 1939: Art. Déco, denominado en su momento Estilo Channel, Estilo Poinet, Estilo Vertical, Estilo Rascacielos, Estilo Jazz, Estilo New Cork. Su nombre actual viene de una exposición en París en 1925.
Como estilo fue muy diverso, se puede decir que superficial, estilizado y lineal orientado al decorativismo.
Fue una búsqueda de la modernidad como expresión del dinamismo de la época y reflejo de lo que la industria aporta a la sociedad. En el aspecto gráfico tiene dos tendencias, una de formas alargadas por influencia del ballet ruso y oriental y otra nacida al amparo de los movimientos de vanguardia: geometría,
yuxtaposición de formas, fragmentación de imágenes, etc.

En el periodo de entre guerras: Destacaron los rotulistas y tipógrafos Stanley Morison y Eric Gill, creadores
de importantes nuevas tipografías como Times New Roman − Gill Sans, perpetúa. También hay que mencionar a Karen Beige, arquitecto muy representativo de la Escuela Checa de Diseño.

Años 50: Los diseñadores suizos desarrollaron el Estilo Tipográfico Internacional (Las Escuelas de Zurich y Basilea). Sus aspiraciones eran la legibilidad y el orden; y para crear sus tipos recurrieron al uso de gráficos matemáticos, reproducciones y fotografías. También fueron dominantes en el campo del cartel, que tenia sus raíces en la Banhaus. Este estilo utilizó rejilla, reglas graficas terminantes y mucho blanco y negro, para obtener estructuras claras. La vanguardia de la creación artística se desplazó de Europa a Nueva York donde se consiguió un tratamiento mas intuitivo y pragmático en el cual lo que importaba era la originalidad. así surge la expresión grafica que combinaba con collage, fotomontaje, caligrafía, símbolos y otros elementos. Destacan Philip Meggs creador de un nuevo estilo de creación, mezcla de surrealismo y expresionismo.

Años 60: Los artistas Pop, reflejaron el surgimiento de una nueva conciencia social y la búsqueda de las formas alternativas de la vida: El Rock, las drogas psicodélicas y los limas, contrarios al sistema, convirtieron en los motivos dominantes de carteles creados para protestar contra la guerra, la represión, el machismo, y otras injusticias sociales. Estos años 60, se caracterizaron por estos elementos símbolos y una idea más universal del diseño. Destaca Andy Warhol y Milton Graser (Pop−Art) y Anthon Beeke (Total Desing).

La explosión actual del diseño, comenzó poco después en Europa y tuvo su prosperidad en el consumo que provocó un aumento masivo de la publicidad de libros, axial como la expansión y la radio. También han colaborado a este desarrollo el avance de las técnicas de impresión y Preimpresión sobretodo en cuanto a la
calidad y economía de la impresión a color. De finales del Siglo XX podemos destacar Olt Aicher (Escuela Ulm), autor entre otras de las imágenes corporativas de Braun, Lufthunsa. David Carson, fotógrafo con diseños basados en imágenes fotografías artísticas y Wolfgrang Weingar, profesor de diseño, autor de carteles espontáneos complejos y caóticos que usaba mucha letterset.


El origen del diseño gráfico

Aunque no existe consenso acerca de la fecha exacta en que nació el diseño gráfico, algunos lo datan durante el período de entreguerras. Otros entienden que comienza a identificarse como tal a finales del siglo XIX. También hay quienes encuentran su origen en las pinturas rupestres del Paleolítico y en el nacimiento del lenguaje escrito en el tercer milenio a. de C.

La diversidad de opiniones responde a que unos consideran producto del diseño gráfico a toda manifestación gráfica y otros solamente a aquellas que se surgen como resultado de la aplicación del modelo de producción industrial; es decir, aquellas manifestaciones visuales que han sido "proyectadas" contemplando un cúmulo de necesidades de diversos tipos: productivas, simbólicas, ergonómicas, contextuales, etc.

Antecedentes

El libro de Kells —una Biblia manuscrita profusamente ilustrada, realizada por monjes irlandeses del siglo IX d. de C.— es para algunos un muy hermoso y temprano ejemplo de diseño gráfico. Para otros, se trata de una manifestación gráfica, de alto valor artístico, de altísima calidad, que incluso sirve de modelo para aprender a diseñar —pues supera en calidad a muchas de las producciones editoriales actuales—, pero no sería producto del diseño gráfico, pues su concepción no se ajusta a la del proyecto de diseño gráfico.


La historia de la tipografía —y por carácter transitivo, también la historia del libro— está muy vinculada a la del diseño gráfico, probablemente porque prácticamente no existen diseños gráficos que no incluyan este tipo de elementos gráficos. De ahí que cuando se habla de la historia del diseño gráfico, también se cita la tipografía de la columna trajana, las miniaturas medievales, la imprenta de Johannes Gutenberg, la evolución de la industria del libro, los afiches parisinos, el Movimiento de Artes y Oficios (Arts and Crafts), William Morris, la Bauhaus, etc."

La introducción de los tipos móviles por Johannes Gutenberg hizo los libros más baratos de producir, aumentando su difusión. Los primeros libros impresos (incunables) marcaron el modelo a seguir hasta el siglo XX. El diseño gráfico de esta época se conoce como Estilo Antiguo (especialmente la tipografía que estos primeros tipógrafos usaron) o Humanista, como la escuela filosófica predominante de la época.

Tras Gutenberg, no se vieron cambios significativos hasta que a finales del siglo XIX, especialmente en Gran Bretaña, se hizo un esfuerzo por crear una división clara entre las Bellas Artes y las Artes Aplicadas.

Entre 1891 y 1896, la imprenta Kelmscott de William Morris publicó algunos de los productos gráficos más significativos del Movimiento de Artes y Oficios (Arts and Crafts), y fundó un lucrativo negocio basado en el diseño de libros de gran refinamiento estilístico, vendiéndolos a las clases pudientes como objetos de lujo. Morris demostró que existía un mercado para los trabajos de diseño gráfico, estableciendo la separación del diseño con respecto a la producción y las bellas artes. El trabajo de la imprenta Kelmscott está caracterizado por su recreación de estilos históricos, especialmente medievales. Biblia manuscrita profusamente ilustrada, realizada por monjes irlandeses del siglo IX d. de C.— es para algunos un muy hermoso y temprano ejemplo de diseño gráfico. Para otros, se trata de una manifestación gráfica, de alto valor artístico, de altísima calidad, que incluso sirve de modelo para aprender a diseñar —pues supera en calidad a muchas de las producciones editoriales actuales—, pero no sería producto del diseño gráfico, pues su concepción no se ajusta a la del proyecto de diseño gráfico.

El siglo XX

El diseño de principios del siglo XX, al igual que las bellas artes del mismo periodo, fue una reacción contra la decadencia de la tipografía y el diseño de finales del siglo XIX. El símbolo de la tipografía moderna es la tipografía sin serifa o de palo seco, inspirada por los tipos industriales de finales del siglo XIX. Destacan Edward Johnston, autor de la tipografía para el Metro de Londres, y Eric Gill.

Jan Tschichold plasmó los principios de la tipografía moderna en su libro de 1928, New Typography. Más tarde repudió la filosofía que expone en esta obra, calificándola de fascista, pero continuó siendo muy influyente. Tschichold, tipógrafos de la Bauhaus como Herbert Bayer y Laszlo Moholy-Nagy, y El Lissitzky son los padres del diseño gráfico como lo conocemos hoy día. Fueron pioneros en las técnicas de producción y en los estilos que se han ido usando posteriormente. Hoy, los ordenadores han alterado drásticamente los sistemas de producción, pero el enfoque experimental que aportaron al diseño es más relevante que nunca el dinamismo, la experimentación e incluso cosas muy específicas como la elección de tipografías (la Helvetica es un revival; originalmente era un diseño basado en la tipografía industrial del siglo XIX) y las composiciones ortogonales.

En los años siguientes el estilo moderno ganó aceptación, al tiempo que se estancaba. Nombres notables en el diseño moderno de mediados de siglo son Adrian Frutiger, diseñador de las tipografías Univers y Frutiger; y Josef Müller-Brockmann, importante cartelista de los años cincuenta y sesenta.

La reacción a la cada vez mayor sobriedad del diseño gráfico fue lenta pero inexorable. Los orígenes de las tipografías postmodernas se remontan al movimiento humanista de los años cincuenta. En este grupo destaca Hermann Zapf, que diseñó dos tipografías hoy omnipresentes Palatino (1948) y Optima (1952). Difuminando la línea entre las tipografías con serifa y las de palo seco y reintroduciendo las líneas orgánicas en las letras, estos diseños sirvieron más para ratificar el movimiento moderno que para rebelarse contra él.

Un hito importante fue la publicación del Manifiesto Lo primero es lo primero (1964), que era una llamada a una forma más radical de diseño gráfico, criticando la idea del diseño en serie, carente de valor. Tuvo una influencia masiva en toda una nueva generación de diseñadores gráficos, contribuyendo a la aparición de publicaciones como la revista Emigre.

Otro notable diseñador de finales del siglo XX es Milton Glaser, que diseñó la inconfundible campaña I Love NY (1973), y un famoso cartel de Bob Dylan (1968). Glaser tomó elementos de la cultura popular de los sesenta y setenta.

Los avances de principios del siglo veinte fueron fuertemente inspirados por avances tecnológicos en impresión y en fotografía. En la última década del mismo siglo, la tecnología tuvo un papel similar, aunque esta vez se trataba de ordenadores. Al principio fue un paso atrás. Zuzana Licko comenzó a usar ordenadores para composiciones muy pronto, cuando la memoria de los ordenadores se medía en kilobytes y las tipografías se creaban mediante puntos. Ella y su marido, Rudy VanderLans, fundaron la pionera revista Emigre y la fundición de tipos del mismo nombre. Jugaron con las extraordinarias limitaciones de los ordenadores, liberando un gran poder creativo. La revista Emigre se convirtió en la biblia del diseño digital.

David Carson es la culminación del movimiento contra la sobriedad y la contricción del diseño moderno. Algunos de sus diseños para la revista Raygun son intencionadamente ilegibles, diseñados para ser más experiencias visuales que literarias.

Una teoría joven en pleno desarrollo

Al tratarse de una disciplina relativamente joven, a quienes enseñan a diseñar y a los propios diseñadores les cuesta ponerse de acuerdo en la mayoría de los temas básicos más relevantes del diseño gráfico. Hasta fines de los años 80 existían muy pocos libros de texto sobre asuntos teóricos. Ya en los primeros años del siglo XXI la cantidad de libros se multiplicó.

El diseño gráfico es interdisciplinario y por ello el diseñador necesita tener conocimientos de otras actividades tales como la fotografía, el dibujo a mano alzada, el dibujo técnico, la geometría descriptiva, la psicología de la percepción, la psicología de la Gestalt, la semiología, la tipografía, la tecnología y la comunicación.

Tendencias y cambio tecnológico

Desde entonces, el diseño gráfico se ha transformado enormemente por causa de los ordenadores. A partir de 1984, con la aparición de los primeros sistemas de autoedición, los ordenadores personales sustituyeron de forma paulatina todos los procedimientos técnicos de naturaleza analógica por sistemas digitales. Esta innovación tecnológica tuvo como primera consecuencia una tendencia hacia la experimentación gráfica y un cierto olvido de los principios comunicativos que estaban en la base del diseño.

Clasificación de productos de diseño gráfico

Relacionando los procesos de producción se pueden agrupar los productos de diseño desde un análisis tecnológico en:

* Etiquetas: las cuales pueden ser frontales, colgantes, de seguridad, envolventes, etc.
* Envases: los más comunes son los rígidos, semirígidos, flexibles y las latas.
* Editorial: generalmente estos productos se clasifican de acuerdo al tamaño de información que disponen en afiches, flyers o volantes, libros, periódicos, revistas, catálogos, CD, DVD, VHS, etc.
* Señalética: incluye señales de peligro, señales de tráfico, señales de banderas marítimas,señales de ferrocarril, entre otras.
* Cartelería: carteles formativos e informativos.
* Identidad corporativa: marcas, iso-logotipo, papelería comercial y fiscal, billetes, aplicación de marca en arquigrafía e indumentaria, gráfica vehicular.
* Folletería: los folletos de acuerdo a su número de páginas pueden ser dípticos (dos páginas), trípticos (tres páginas), etc. También se los puede clasificar en publicitarios, propagandísticos, turísticos, entre otros.
* Diseño tipográfico: tipos sans serif o palo seco, con serif, gestuales, góticas, caligráficas y de fantasía.
* Diseño de instrumentos de mandos: pantallas de relojes digitales, de teléfonos móviles, de cámaras digitales, y otros aparatos.
* Infografía: mapas, gráficos, viñetas, formularios.
* Material didáctico: manuales instructivos, indicaciones de uso, fichas didácticas educacionales, etcétera.

Programas utilizados en Diseño gráfico

Adobe Creative Suite

* Photoshop
* Freehand
* Illustrator
* Pagemaker, antecesor de Indesign.
* Indesign
* Dreamweaver
* Flash

Otros

* QuarkXPress, primer programa creado para maquetación editorial, similar a Adobe Indesign.
* Xara Xtreme
* Inkscape
* XaraLX
* GIMP
* Sodipodi
* Corel Draw

Fuente: Taringa

Magazine y sin embargo

Encontré otra buena revista on-line se trata de "Y sin embargo" magazine, ya van en la edición 16, bastante buena la revista sobre todo mucho diseño editorial.

Un número dedicado a explorar la visión y propuestas de Marcel Duchamp.
No su vida, no su obra; tan sólo algunos de sus conceptos.
Realizado con aportes de artistas, pensadores y diseñadores de todo el mundo combinados con la explícita intención de producir a su vez un objeto duchampiano.

• Podes hacer click en la imagen para descargar la 16 ava edicion via .pdf
  

Publicidad Anti-Minas

Leyendo el blog de Zarqun encontre esta excelente campaña de guerrilla para la Unicef para hacer concienca acerca del peligro de las minas antipersona que todavía sigue habiendo en algunos paises, la idea me parece muy buena aunque me sigue pareciendo mas impactante la idea de Will St. Leger en un parque de Dublin.

Nuevo Diccionario para Diseñadores Gráficos

Nuevo Diccionario para Diseñadores Gráficos

Acetato: Diseñador gráfico especialista en tatuajes.
Acrobat Reader: Un acróbata al que le gusta leer mucho.
Aerografía: Rama del diseño gráfico, especializada en la rotulación de aviones.
Advertising: Amenazar a un diseñador para que no cante en el área de trabajo.
Adobe: Casa de campo que es fría en verano y cálida en invierno.
Aguada: Estado de las diseñadoras después de pasar varios meses frente al mac.
Aliasing: Ponerse apodos entre los diseñadores.

Barroco: Erupción cutánea de los diseñadores pubertos.
Branding: Dícese de la dieta de los diseñadores que es alta en fibra.
Bold: Detergente utilizado por los diseñadores.
Bolígrafo: Diseñador gráfico gordo.
Bosquejo: Dibujo burdo de un bosque.

Caché: Atrapar una idea en el aire.
Caja alta: Envase de un iMac de 24″
Caja baja: Envase de un Mac mini o un MacBook
Clipart: Acción de crear figuritas con clips.
Convertir a curvas: Etapa final de la dieta que realizan las diseñadoras.
CSS: Acrónimo de “Séee, ¡ese, ese!”, expresión que acompaña el baboseo de un diseñador cuando ve un MacPro de 8 cores
Cuentahilos: Diseñador gráfico que no tiene nada que hacer.
Cursiva: Diseñadora que gusta de las cartas de amor y arte con motivos románticos.

Degradado: Se le llama así al diseñador que se vende muy barato.
Diapositiva: Un día perfecto para Diseñar.
Disco duro: Cualquier CD de heavy metal.
Dreamweaver: Diseñador poco productivo y somnoliento.

Estilógrafo: Diseñador gráfico de muy buen vestir.
EPS: Expresión de sorpresa menor que el oops!!

Flash: Super héroe de la multimedia.
Flatten: Diseñador con flatulencias.
Floppy: Diseñador gráfico relajado.
Fotografía digital: Acción errónea de poner el dedo en el lente de la cámara.

GIF: Imagen que se regala.
GIF animado: Imagen que se regala generalmente con escenas felices.
Godete: Expresión que usan los diseñadores gangosos cuando estan molestos.

Illustrator: Primo de Terminator y al que le gusta mucho dibujar.
Impresionismo: Estado posterior a la observación del exhibicionismo.
Inches: Ayudantes del director de arte.

Layer: Nombre dado a aquel diseñador que suele decir muchas mentiras.

Mac: Computador que falla en la última B de “bueno, bonito y…”
Macromedia: Prenda interior de vestir de las diseñadoras gordas.
Malla: Prenda de vestir utilizada por los serigrafistas.
Mouse: Postre favorito de los diseñadores.
Multimedia: Prenda de vestir interior que se comparten entre las diseñadoras.

Pantone: Shampoo suave en gran variedad de colores.
Photoshop: Tienda donde los diseñadores compran sus imagenes para hacer carteles.
Plotter: Apellido del mago de las impresiones en gran formato.
Preprensa: Periódico especial para tartamudos.
Prueba de color: Acto de verificar si el color rojo sabe a fresa, el verde a limón, etc.
Punto de fuga: 7:00 p.m.
Puntos: Diseñadores gráficos de raras costumbres.

QuarkExpress: Graznido veloz.
Quemador de CD: Se le llama así al Diseñador que escucha un CD una y otra vez.

Ripear: Acción de cantar mientras se espera la decodificación de un video.

Screen: Película de preferida de algunos diseñadores.
Señalética: Señal de moral cuestionable.
Separación de color: Diseño gráfico con tendencias racistas.
Shortcut: Pequeña cortada, que generalmente viene precedida de un bleeding.

Tipo: Diseñador de nombre desconocido.
Tipografía: Fotografía de un diseñador de nombre desconocido.
Tipómetro: Diseñador desconocido de pequeña estatura.
Tipo móvil: Diseñador desconocido al que se le puede colocar en cualquier sitio.

Versalitas: Acto de mirar salas pequeñas.
Viñetas: Expresión de los diseñadores senior cuando observan diseñadores junior.

Web: Estado de cansancio de un diseñador gráfico.
Webmaster: El más flojo de los diseñadores

Fuente: Taringa!

Efecto Bodoni

Las fuentes con serif, son entre otras cosas, elegantes y sobrias además de ser en muchos de los casos poseedoras de atributos enormes en cuanto a legibilidad, un detalle poco afortunado de las mismas y a al cual debemos poner atención es al llamado efecto Bodoni.

El efecto Bodoni es un efecto causado por las fuentes que son extremadamente contrastadas. Son elegantes sí, pero también problemáticas. Veamos el ¿Por qué?, Con estas fuentes se generan zonas de fragilidad en las letras esto se acentúa sobre todo al momento de usarlas en negativo, ahora imaginemos esto en tinta, la tinta es un fluido, como buen fluido la tinta al entrar en contacto con medio sólido tiende a desparramarse alegremente en el, entonces sobre viene la catastrofe esas débiles lineas que sostenían junta a la letra se pierden y nos quedamos con una fracción de la misma y de la información que nos daba.

En este punto intervienen varios aspectos técnicos:

1. Material a utilizar, frecuentemente tipo de papel
2. El cuerpo o tamaño al que el texto va ser impreso
3. Si se usará en positivo y negativo
4. Cual será la calidad y sistema de impresión

A continuación les dejo una muestra de este efecto en un objeto conocidouna bolsa de la tienda de ropa ZARA, es curioso pero al buscar la misma bolsa de la misma tienda pero de otro país el problema parece solucionado o tal vez nunca existió, ¿será entonces una cuestión de la versión mexicana de la misma?, en todo caso en la versión extranjera la fuente parece más robusta queen la versión que podemos encontrar por estos rumbos.

Nota: Esto no aplica solamente a un problema de impresión sino a cualquier proceso en la que la fuente pueda sufrir algún tipo de desgaste, desde fotocopiado, calcomanía hecha con vinilo o un monitor de computadora.